A história

Pente de ouro e joias, Valência



Copos de vidro vintage Culver Mardi Gras Padrão 22K ouro Jester com joias Copos de bebida Culver vintage Bar de meados do século

Vidros Culver Do Vintage. Padrão de Mardi Gras. Incluindo o histórico de Culver Glassware e informações de reconhecimento de padrão de amp.

Padrão de Mardi Gras Culver Glassware: copos com temática de 22k New Orleans. Estes lindos e raros óculos bobo da corte de ouro dos anos 60 com joias de strass, são do padrão ouro plano, com strass reais, que é considerado o mais raro desse padrão.

História do padrão Mardi Gras: The Culver Glass Company & # 039s primeira execução de vidro padrão Mardi Gras foi cerca de 1959-1962. O design consistia em folhas de ouro planas e jóias de vidro amp. Parece que havia muito poucos deles fabricados, mas eram vendidos em enormes conjuntos de servir com 24 a 48 copos. Variações desse padrão incluem as figuras lastreadas em azul, dourado ou preto.

1962 -? Vi a segunda edição, feita de joias de ouro 22K brilhantes espessas, texturizadas / em relevo e de vidro. (estes são os meus favoritos)

1969 - 1983 ?: Esta última edição foi a mais ornamentada, feita com bolas coloridas de esmalte em vez das joias de vidro. Parece que as datas de produção dessas várias versões ou do padrão Mardi Gras se sobrepuseram, mas a última versão permaneceu em produção, no início dos anos 80 em pequenos conjuntos de 4 produções.

Existem algumas variações neste padrão onde você pode ver o fundo azul, dourado, preto ou mesmo verde nas figuras de ouro. Ainda não consegui discernir como isso se correlaciona com o namoro, mas é um problema para mim quando coleciono peças para vender em conjuntos e deve ser algo a observar se você está colecionando e deseja que suas peças combinem.

A história da Culver Glassware: Estranhamente envolta em mistério, Culver foi fundada no Brooklyn, NY no final dos anos 30 por Irving Rothenberg. Na década de 1980, Culver encerrou sua própria produção de vidro e começou a imprimir a partir de moldes de vidro, principalmente feitos na China, mas também fornecidos por empresas americanas como a Libbey. Ao encerrar sua produção de vidro, a empresa mudou-se para Nova Jersey e lá permaneceu até o fechamento no início dos anos 90.

O processo secreto de queimar ouro 22k no vidro morreu junto com o último membro conhecido da família que estivera envolvido com o negócio, naquela data fatídica agora conhecida como 11 de setembro.

Na maior parte, Culver não começou a produzir vidro embelezado com ouro até o final dos anos 50 & # 039s e muitas de suas peças feitas antes dessa época, não são assinadas, não etiquetadas e muitas vezes difíceis de identificar.

No início dos anos 60, a Culver Glassware aperfeiçoou o (ainda) processo secreto de queima de ouro 22k em alta temperatura, permitindo telas grossas e texturizadas de ouro e strass, que lidaram melhor com o teste do tempo.

A riqueza era abundante nos Estados Unidos do final da década de 1950 até a década de 1960, e a hora do almoço & quottwo martini & quot estava bem próxima. O brilho romantizado de Hollywood e o glamour de Las Vegas criaram uma nova era de restaurantes finos, tanto fora de casa quanto em casa.

Culver, assim como alguns outros designers de padrões de vidro, como Georges Briard (que, a propósito, não é uma pessoa, mas o nome de uma empresa) criou padrões de barware & quotBaroque & quot ornamentados régios, emulando a arquitetura gótica e medieval do & quotOld World & quot e os negócios dispararam.

Com o lançamento do padrão Valencia, a popularidade explodiu e logo Culver foi considerado O presente de casamento do & quot Up and Coming & quot, ficando disponível nas melhores lojas de departamentos. O processo de alta temperatura, queimando ouro 22k no vidro para permanência, foi mantido próximo ao colete pela família e pelos funcionários da amp.

Na década de 1970, quando as salas de estar rebaixadas e o carpete felpudo reinavam, a demanda por um serviço de coquetéis opulento levou à demanda por conjuntos de utensílios de bar igualmente opulentos. Martinis em casa e no trabalho eram uma coisa comum. até mesmo esperado, e um fenômeno menos documentado em meados do século e início dos anos 70 de & quotGothic Revival & quot e & quotOld World & quot estilo luxuoso foi igualmente adotado com os estilos elegantes da Idade Atômica Moderna / Futurista do Século Médio, mais comumente associados com a época.

Identificando Vidros Culver e Padrões: Os fatos sobre a identificação do vidro Culver pela marca, a fim de indicar a data de fabricação, são altamente e amplamente imprecisos na Internet. As peças eram autografadas em script de rolagem dos anos 30 ao final dos anos 70, mas nem todas e muitas vezes apenas uma peça-chave se vendida em um conjunto enorme (que a maioria dos conjuntos mais colecionados hoje, eram originalmente vendidos em conjuntos grandes).

Na década de 80, as letras em bloco tornaram-se comuns, mas também vi peças da década de 80 com a antiga assinatura de rolagem. Também enviei a assinatura de rolagem com INC no final. Um indicador mais preciso é a adição de INC às letras da marca (seja em bloco ou escrita), que é encontrada apenas nas peças dos anos 80 a 90. Rótulos de papel também entraram em ação em meados dos anos 80, então é praticamente um arriscado no que diz respeito a assinatura, se você quer saber.

Vidros Culver assinados ou não assinados: Embora alguns colecionadores prefiram seus copos assinados. Não parece que a assinatura de Culver em uma peça, de alguma forma, aumente seu valor ou possibilidade de cobrança. Na verdade, a maioria das peças Culver Glassware do padrão Mard Gras e outras das mais raras e colecionáveis ​​não são assinadas, uma vez que eram mais frequentemente vendidas em enormes coleções, incluindo Martini Pitcher e Ice Bucket, com apenas essas duas peças-chave assinadas. (muito difícil de encontrar, pegue se você ver um)

Dating Culver Glassware: Como observação lateral, considero a data em que um padrão entrou em jogo, mais importante do que quando o item foi realmente criado. Padrões como Cranberry Scroll ou Emerald Scroll foram inicialmente concebidos na década de 1960 e, portanto, considero-os como vidros do meio do século dos anos 1960, independentemente de terem sido impressos nos anos 1960 ou 1980.

A única vez que uma diferença óbvia pode entrar em jogo entre o mesmo padrão feito nos anos 60 ou 80 é se um padrão originalmente impresso em vidro feito pela Culver Glass rolou no final dos anos 80 quando Culver começou a usar blanks pré-fabricados. Muitos dos blanks feitos pela Libbey Glass não são da mesma qualidade e isso é imediatamente perceptível à primeira vista. As peças da Libbey Glass são todas estampadas no fundo do vidro com a altamente reconhecível Libbey L. Apesar desse fato, as peças da Libbey são muito raras, poucas e distantes entre si, tornando-as bastante cobiçadas pelo purista colecionador.


Conjunto de pedras em uma exposição de joias - Foto de stefano tinti - Shutterstock.com

Uma loja de ouro na Ponte Vecchio de Florença - Foto de Brendan Howard - Shutterstock.com

Fabricação de ouro e fixação de joias

Criações artesanais em ouro - Foto de claudio zaccherini - Shutterstock.com

Selo Comemorativo do Ano 2000 - Aniversário da Joalheria Italiana - Foto: Neftali - Shutterstock.com

Feira e Expo OroArezzo

Variedade de pérolas e outros designs

Ourivesaria italiana é feito na Itália no seu melhor. Uma alquimia do passado e do presente, é apenas uma representação do amor italiano pela beleza e know-how artesanal que remonta a séculos. Não é de se admirar que a Itália seja líder mundial em joalheria e trabalho com ouro.

Este nicho do luxo italiano floresce em alguns “bairros do ouro” em toda a Península: o principal deles é o de Valenza, um dos nomes que se destaca internacionalmente. Não muito longe das principais cidades do norte da Itália (ou seja, Gênova, Milão e Turim), o Valenza distrito compreende oito municípios contíguos onde uma ampla variedade de joias e ouro é produzida e vendida. A própria Valenza - também cidade de interesse para a Expo Milão 2015 - vai inaugurar seu Museo del Gioiello ou Museu de Joias em 2015.

Valenza, uma pequena cidade da região de Piemonte, possui atualmente o maior número de negócios artesanais de ouro e joalheria do país, bem como uma sólida tradição artesanal de alta qualidade e um avanço significativo no caminho da inovação técnica, estilística e material. O elevado nível de design local, produção fervorosa, uma feira e exposição conhecida em escala global, e as academias e institutos de estudos enraizados no território e na tradição envolvente fazem de Valenza um destino privilegiado para turistas, curiosos e apasionados que procuram este segmento diferente e bastante particular do Made in Italy.

Claro que a ourivesaria é uma profissão importante em todo o Bel Paese cada região tem suas próprias características e especializações, onde muitas vezes os negócios são familiares.

Outro distrito semelhante ao de Valenza é Vicenza com sua prata e ouro (como acontece com quase todos os joalheiros da Itália, isso inclui criações feitas sob encomenda, também) e joias finas, folheado a ouro, porcelana, decoração de casa, gravuras e esculturas. Trinta por cento das exportações da área de Vicenza chegam à Rússia, Turquia e Emirados Árabes Unidos. Em seguida, a Arezzo, conhecida por sua longa importância na ourivesaria e por suas escolas e centros de pesquisa, historicamente forneceu suas peças para os maiores joalheiros de Florença.
A cidade toscana hospeda a feira comercial anual e a exposição de & quotOro Arezzo, & quot com a participação de milhares de operadoras da Itália e do exterior. Não deve ser desconsiderado Nápoles, com um Distrito de 2.000 anos correndo da antiga Neapolis à Torre del Greco.

Outros eventos de feiras do setor incluem Vicenza Oro e Orogemma em Arezzo. Enquanto isso, entre as joias e marcas de ouro mais famosas da Itália estão Damiani, Roberto Coin e Miluna (também patrocinadora da Miss Italia 1997).


Caixa de jóias

Existe algo mais charmoso do que uma caixa forrada de veludo cheia de bugigangas cintilantes? Dos que tocam uma melodia ao icônico azul da versão de couro da Tiffany, uma caixa de joias é um dos poucos objetos decorativos que quase todas as mulheres têm em comum.

A caixa de joias provavelmente surgiu assim que havia joias para colocar dentro. Mas vamos retomar a história da Idade Média. Antes dos cofres e cofres (ou mesmo fechaduras para portas), a segurança doméstica era a maior preocupação e, na época, o ferro era o material mais à prova de roubo para proteger objetos de valor. Infelizmente, não era a opção mais prática se você precisasse se mudar. Como a portabilidade era essencial para o estilo de vida medieval, a maioria das caixas para custódia eram feitas de madeira, forradas com couro e amarradas com ferro para um pouco mais de segurança.

Durante esse período, o noivo costumava presentear sua noiva com uma caixa de joias cheia de joias (ou talvez vazia com promessas de joias por vir). Para enfatizar o ponto da caixa, o couro pode ser gravado com inscrições apropriadas e cenas de namoro. Uma escolha favorita foi uma citação das histórias de Chrétien de Troyes, o poeta do século XII: “Senhora, você carrega a chave / e tem o caixão em que minha felicidade / está trancada”.

Um futuro noivo poderia comprar caixas com emblemas vazios que poderiam, após a compra, ser pintadas à mão com as suas.

O costume de presentear uma dama com uma caixa de joias em seu noivado continuou na Renascença. Em Florença, a tendência foi usar uma caixa retangular com cheiro de almíscar, decorada com cenas de caça folheadas a ouro. Um cervo ferido simbolizava a paixão carnal, então era um presente com um pouco de vroom-vroom extra.

Ilustração de Alice Pattulo (cortesia da Chronicle Books)

As mulheres da Renascença não esperavam necessariamente que um homem fornecesse as joias (ou a caixa!). Muitas mulheres tinham caixas penduradas na parede de seus quartos ao lado de um pequeno espelho. Com 30 centímetros de altura, ele conteria uma caixa menor para joias, bem como outros itens necessários à toalete de uma senhora: maquiagem, pós, esponjas e alfinetes.

Durante o século XVIII, quanto maior, melhor. Como presente de casamento, Luís XVI presenteou Maria Antonieta com uma caixa de joias do tamanho de uma pequena mesa.

Feito de tulipwood, era equilibrado em pernas cabriole delicadamente curvas, embelezado com placas de porcelana floral e pintado à mão com flores. Mas mesmo uma caixa de joias do tamanho de uma mesa não era suficiente para conter as joias da futura rainha da França. Por tradição, a família real francesa presenteou a nova noiva com todas as joias das rainhas do passado - como um par de pulseiras de diamantes que custam tanto quanto uma mansão em Paris. Para acomodar os tesouros, Maria Antonieta encomendou um enorme “armário de diamantes”. Com quase 2,5 metros de altura e 1,80 de largura, com madrepérola, mármore verde-mar e detalhes dourados, o gabinete era tão brilhante por fora quanto as joias por dentro.

Maria Antonieta tinha seu gabinete e as mulheres mexicanas tinham suas secretas. Essas caixas baixas e quadradas sobre pés de pão redondo eram decoradas com casco de tartaruga, osso e espelhos incrustados em padrões geométricos. Embora fossem bonitos o suficiente para serem exibidos, muitas vezes eram guardados sob camas ou escondidos em cubículos secretos para proteção contra roubo.

E não eram apenas as senhoras que tinham um armazenamento elaborado para suas bugigangas, os jovens também ficavam deslumbrados com um pouco de brilho. Depois de uma temporada na Europa para adicionar um pouco de polimento continental à sua educação, o duque escocês de Atholl encomendou uma pequena caixa no formato do templo romano Sétimo. Construída para se abrir no meio para revelar pequenas bandejas, a caixa abrigava a coleção de moedas e medalhas do duque. Sua atividade preferida após o jantar era exibir a coleção - a caixa fazia parte do show. Com sua elaborada caixa de joias, o duque estava pegando uma página da linhagem do mais deslumbrante dos reis, o francês Louis. Luís XV tinha uma caixa de joias grande o suficiente para ser chamada de armário com gavetas forradas de veludo azul para armazenar uma coleção de numismática que celebrava os grandes eventos de seu reinado. Seu neto, Luís XVI, tinha uma versão em mogno decorada com medalhão surpreendente que rivalizava com a de sua esposa, Maria Antonieta, em tamanho e decoração.

Cada medalhão era feito de cera, penas e asas dispostas para se parecer com pássaros, borboletas e plantas. Em 1796, uma invenção do relojoeiro suíço Antoine Favre acrescentou outra dimensão às caixas de joias. Favre já havia desenvolvido um pente de aço afinado que tornava as caixas de música anteriormente volumosas portáteis e de bolso. Foi incorporado a caixas de joias no século XIX. Para atrair ainda mais os compradores com dinheiro para gastar, estatuetas mecânicas - como uma bailarina fazendo piruetas ou um pássaro cantando - foram adicionadas para se mover quando a tampa da caixa era aberta.

As vendas de caixas de joias, musicais e silenciosas, diminuíram durante a Primeira Guerra Mundial, quando a ostentação era desaprovada. Então, na década de 1920, Coco Chanel tornou as joias de fantasia na moda, e uma era de ouro de adornos acessíveis começou. Um guarda-roupa de joias estava ao alcance de todas as mulheres, e continua sendo até hoje.

Se os diamantes (reais ou falsos) são os melhores amigos de uma garota, ela não precisa de um lugar para guardá-los?

(Reimpresso de Elementos de uma casa por Amy Azzarito com permissão da Chronicle Books, 2020)

Acima: uma caixa de joias forrada de veludo que a autora Amy Azzarito discute em seu novo livro Elementos de uma casa: histórias curiosas por trás de objetos domésticos do dia a dia, de travesseiros a garfos (Chronicle Books, $ 19,95). Imagem via: picspree.com.

Siga-me no Instagram: @ aelliott718

Siga JCK no Instagram: @jckmagazine
Siga JCK no Twitter: @jckmagazine
Siga JCK no Facebook: @jckmagazine


Como um sari kasavu é feito e quanto tempo leva o processo?

O tempo de produção depende totalmente da contagem. Um sári simples com apenas uma borda e uma faixa na extremidade leva de três a cinco dias. Mas se tiver motivos, vai demorar muito mais do que isso. Quando há motivos extremamente elaborados (como os de um sári de casamento), pode demorar até um mês porque tudo é feito à mão. O preço também varia de acordo. Se você comprar de um cluster, pode obter um sari de algodão básico por 3.000 rúpias (o que, na minha opinião, é muito caro), mas com o zari pode ir até lakh rúpias e meio - dependendo de quanto ouro e o trabalho foi investido nele.

Um tecelão trabalha no tear

O fio deve ter sido tradicionalmente fiado à mão, mas atualmente eles usam fios feitos à mão (fiado à mão é caro e difícil de produzir em massa). Eles colocaram esse fio em um longo processo de pré-tecelagem e, especialmente em Chendamangalam, foi esse processo que deu a eles a etiqueta GI. Depois de conseguir o fio, ele é embebido em água por sete ou oito dias e estampado todos os dias (os artesãos fazem isso com os pés) enquanto está de molho, para tirar a sujeira e o amido e garantir que esteja completamente macio.

O fio é retirado após uma semana e parte é tingido (se necessário). Em seguida, fazem a urdidura e esticam o fio. Mas, de acordo com a tradição, esse alongamento deve ser feito entre quatro e sete da manhã - a temperatura e a atmosfera durante essas horas eram consideradas adequadas para esse processo. Tecnicamente, o fio tem que ser esticado em uma área aberta, mas hoje em dia é difícil encontrar esse tipo de espaço.

Antes de a urdidura ser colocada no tear, os artesãos engomam novamente de manhã e deixam secar. Em seguida, eles engomam mais uma vez e escovam com um pente feito de fibra de coco. É seco até às 7h00 e depois colocado no tear. Este fio esticado é limpo e absorvente, e o amido é adicionado para não quebrar no tear. Além disso, não há realmente nenhum processo de pós-tecelagem. Eles simplesmente tiram do tear e colocam na prateleira.


Pente de ouro e joias, Valência - História


O termo "bárbaro" define vagamente uma ampla gama de povos e estilos de arte que existiram
ao lado das culturas "civilizadas" do Mediterrâneo, China e Oriente Próximo. Barbaras significa "estrangeiro" em grego, mas significa literalmente "gaguejando", após o som familiar de outras línguas que não o grego. Como as culturas bárbaras eram fundamentalmente não alfabetizadas, nós as conhecemos principalmente por meio da rica cultura material e da arte que produziram.

A influência e troca de idéias e estilos de arte entre as culturas "bárbaras" e "civilizadas" foi um processo contínuo. Os gregos e os etruscos estavam em contato com três grupos primários de "bárbaros" - os celtas, os citas e os trácios. O conhecimento moderno dessas culturas é amplamente derivado de investigações arqueológicas, embora uma fonte literária - Heródoto, o geógrafo e historiador grego que escreveu em meados do século V aC - descreva vividamente a cultura cita. O vasto Império Romano lidou com diferentes grupos de "bárbaros" que substituíram os anteriores - as populações celtas posteriores, os sármatas e grupos de povos de língua germânica que migraram do norte para o sul da Rússia e Europa Oriental. No final do século IV dC, tribos húngaras do interior da Ásia, os "bárbaros últimos" chegaram ao sul da Rússia. Isso forçou as populações germânica e sármata a oeste e deu início ao processo histórico conhecido como período de migração, que transformou o Império Romano na Europa medieval.

O & quotKeltoi & quot para os gregos ou & quotGalli & quot para os romanos eram povos de língua indo-europeia cuja cultura se espalhou do alto Danúbio e leste da França ao sul da Itália do norte, Península Ibérica e norte da África a oeste dos Países Baixos e Ilhas Britânicas e leste para os Bálcãs e Ásia Menor. A primeira manifestação da arte celta aparece nos objetos encontrados em mais de mil túmulos escavados em Halstatt, um assentamento de mineração de sal nos Alpes, perto de Salzburg, na Áustria. Nesta fase da Idade do Bronze, que começou no final do segundo milênio e continuou até meados do século VI aC, a & quotart & quot consistia principalmente em trabalhos em metal funcionais, mas altamente sofisticados, projetados para adorno pessoal e para embelezar armas e acessórios para cavalos e carruagens. Provavelmente foi produzido sob o patrocínio principesco e é principalmente de natureza geométrica e não representativa. A segunda, fase da Idade do Ferro, durou cerca de 500 aC até as conquistas romanas no final do segundo e início do primeiro século aC e é chamada de La Tene, após um assentamento e depósito votivo nas margens do Lago Neuchatel, na Suíça. Os primeiros estilos La Tene derivam de motivos decorativos e vegetais clássicos, como palmitos e volutas. mas estes incorporam figuras de animais e cabeças humanas em sua estrutura curvilínea. Dependendo da região, esses estilos evoluíram de maneiras diferentes, com os elementos representacionais frequentemente se tornando mais enigmáticos e abstratos, e os designs geométricos contínuos mais fluidos, muitas vezes sustentados por padrões complexos baseados em bússola. Algumas variantes estilísticas eram completamente lineares, gravadas em superfícies planas, enquanto outras eram mais plásticas e naturalísticas. Os artistas ainda trabalhavam principalmente no metal, privilegiando o ouro, ligas de cobre e ferro, às vezes acrescentando incrustações de coral, âmbar ou esmalte. As joias pessoais para homens e mulheres, armas, armaduras e adornos de cavalo eram elaboradamente decorados, assim como artigos do dia-a-dia, como espelhos e acessórios para vasos. Torcs ou anéis de pescoço eram símbolos de status em muitas sociedades celtas, que junto com cabelos longos, barbas e calças, passaram a significar "bárbaro" nas representações grega e romana. Os artistas celtas também trabalharam em madeira e pedra, produzindo grandes esculturas representativas de humanos e animais, muitas delas parecem ter sido usadas em templos de culto ou como lápides. Após a conquista romana, variantes abstratas do estilo celta sobreviveram principalmente nas remotas ilhas britânicas, para serem investidas de novo vigor pelos artesãos na segunda metade do primeiro milênio dC.

IMPULSOS CLÁSSICOS E BÁRBAROS

Os territórios além das cidades gregas ao redor do Mar Negro foram ocupados por trácios no oeste e citas no norte e no leste. Este último negociava trigo, pele. escravos, ouro e âmbar do norte. Os túmulos citas no sul da Rússia eram depósitos de cerâmica grega do dia-a-dia enterrados lado a lado com joias de ouro de tirar o fôlego, vasos e acessórios que refletiam as tradições clássicas e bárbaras. Alguns itens, como colares, brincos e vasos rituais eram puramente gregos no estilo e na função, outros ornamentos, como grandes peitorais e pentes, eram formas citas decoradas em estilo grego, embora outros objetos fossem puramente citas tanto na decoração quanto na função. Alguns objetos da segunda categoria, que devem ter sido feitos por artesãos gregos para clientes citas, trazem imagens naturalísticas dos próprios citas, engajados em batalhas, ordenhando éguas e ferrando cavalos. Estes contrastam com representações abstratas e estilizadas de animais usados ​​para decorar arreios de cavalos e com representações de combate de animais, que derivam em última análise de fontes antigas do Oriente Próximo. Uma mistura semelhante de tradições gregas, persas e bárbaras também caracteriza os objetos das tumbas da Trácia nas costas ocidentais do Mar Negro, concentradas na Bulgária. Em contraste com as descobertas citas, muitas delas foram feitas em prata, provavelmente refletindo o mineral local Recursos. A quantidade absoluta de metais preciosos e sua decoração exuberante podem ter refletido o gosto "bárbaro", mas em geral a decoração de todos esses bens de luxo é do mais alto padrão.

Phalera dourada com um felino atacando um veado, Monte Ol'gino,
século V aC.
Museu de Arqueologia da Academia Nacional de Ciências da Ucrânia, Kiev

Pente de ouro mostrando uma batalha, Solokha kurgan, Ucrânia,
início do século IV aC.
Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Capa de selim de feltro com apliques representando um alce, Kurgan 2, Pazyryk, Altai, Sibéria, século V a.C. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo. Os arcos envolvendo os pontos usados ​​nas ancas são um motivo típico de estepe derivado da arte iraniana

A estepe, as vastas pastagens que se estendem pela Eurásia, foi nos tempos antigos, como é agora, o lar de povos pastores nômades e semi-nômades de origem caucasiana e mongol. Eles estavam em contato, tanto de forma pacífica quanto agressiva, com as grandes civilizações estabelecidas do mundo antigo - os assírios e persas, os gregos e romanos e os indianos e chineses - e sua arte era uma rica mistura de seus próprios símbolos culturais com aqueles tradições clássicas. Grande parte da arte que produziram era pequena e portátil, metalurgia e latas de madeira, adequadas ao seu estilo de vida e estilisticamente conservador por muitos séculos. As principais tribos com as quais as civilizações ocidentais se familiarizaram foram os citas, seus sucessores, os sármatas e, finalmente, no início do período medieval, os hunos. Os citas de língua iraniana são mencionados pela primeira vez em fontes assírias em meados do século VII aC. Em dois séculos, seus territórios se estendiam do Danúbio ao Don e ao norte até a fronteira entre a floresta e a estepe, mas sua influência cultural se estendia do sudeste para o Cáucaso e do oeste para Dobruja com uma ramificação oriental na Sibéria. Heródoto descreveu a vida cotidiana dos citas, que bebiam leite de égua e enterravam seus mortos sob enormes montes de terra, acompanhados de sacrifícios humanos e animais. Suas observações foram corroboradas por escavações desses montes ou kurgans, cujas câmaras subterrâneas estavam cheias não apenas de sacrifícios, mas de esplêndidos bens de túmulos dourados. No leste, um grupo espetacular de sepulturas citas em câmaras de madeira foi descoberto nas montanhas Altai, na Sibéria. O permafrost preservou corpos humanos, incluindo um homem inteiramente tatuado, e cavalos ainda usando seus elaborados freios de madeira e capacete. Têxteis de feltro coloridos, como cisnes de pelúcia tridimensionais projetados para pendurar no topo de uma tenda, ilustram a riqueza do estilo de vida nômade, enquanto um tapete de lã com nós, o mais antigo que existe, testemunha os contatos comerciais de longa distância entre os citas e persas aquemênidas. O estilo animal desenvolvido pelos citas era poderoso e estilizado, retratando animais e pássaros com seus atributos mais importantes (chifres, patas e bicos) exagerados. Foi aplicado a símbolos de status pessoal, como fivelas de cintos, armaduras para cavalos e armas, como Akinakes (espadas curtas), machados de batalha e estojos de arco. Os sármatas iranianos continuaram uma versão estilizada deste ornamento animal, muitas vezes executado em folha de ouro repousse acentuada com incrustações turquesa. Ornamentos nesse estilo, que datam do século II aC ao século II dC, foram encontrados em uma grande região que se estende do Afeganistão ao Cáucaso e ao sul da Rússia. Os grafittis, que datam do período romano, retratam os sármatas como cavaleiros montados carregando lanças compridas e com eles próprios e seus cavalos envoltos em armaduras. Como os citas, seus líderes foram enterrados sob enormes montes. Escavações recentes na Ucrânia no complexo kurgan chamado & quotDatschi & quot, perto de Azov, descobriram grandes quantidades de ornamentos de ouro e vasos cravejados de pedras semipreciosas em um estilo policromático que influenciou a arte posterior do Período de Migração.
Os hunos, que apareceram sem aviso no mar de Azov em 369 dC, eram tradicionalmente considerados os mais brutais e fisicamente feios de todos os bárbaros. Eles provavelmente falavam uma língua proto-turca e, embora suas origens permaneçam obscuras, não pode haver dúvida de que um de seus artefatos primários - caldeirões de bronze com pés grandes e alças de alças - pode ser rastreado da estepe até a fronteira norte da China. No final do quarto século e início do quinto século, eles formaram alianças com tribos sármatas e germânicas e freqüentemente lutaram com os romanos contra outros bárbaros. Eles conseguiram extrair grandes subsídios em ouro do governo romano, tanto no pagamento por seus serviços quanto para mantê-los afastados. Depois que sua base de poder foi estabelecida na Panônia, a federação Hunnic sob Átila (morreu em 452 dC) começou a saquear e atacar mais a oeste, permanecendo invicta até uma batalha desastrosa nos Campos Catalunianos na França, onde os hunos aliados. Ostrogodos e borgonheses sofreram pesadas perdas. Sabemos quase mais sobre eles por fontes históricas do que pela arqueologia, pois cremaram seus mortos e não fundaram assentamentos. Seus mais esplêndidos ornamentos eram feitos de folha de ouro cravejada de granadas cabochão. Muitos deles assumiram formas não clássicas, como diademas, pingentes de templo e cabos de chicote.

Observação: o administrador do site não responde a nenhuma pergunta. Esta é a discussão apenas para nossos leitores.


Conteúdo

A Deusa Pathini e o Deus Dademunne foram os primeiros a usar esses designs de joias. Mais tarde, os membros das famílias reais foram presenteados com itens de joalheria semelhantes, levando à origem dos conjuntos de joias Kandyan. Há um desenho da última Rainha de Kandy em 1815 usando joias Kandyan. Ela era a esposa do rei Rajasinghe.

Essa tradição ainda prevalece hoje, em certo grau, por meio da prática de famílias nobres Kandyan passando suas joias de uma geração para outra, de mãe para filha em casamentos como parte do dote. Os casamentos Kandyan são cerimônias extravagantes, com as joias ocupando um lugar central para destacar a linhagem Kandyan daquela família. Essa prática garantiu que os conjuntos de joias Kandyan permanecessem em círculos selecionados de famílias Kandyan sem serem liberados para o mundo exterior. Ocasionalmente, uma família decidia criar um novo conjunto com designs e metais modernos e, nesse ponto, eles informavam as outras famílias sobre o lançamento do antigo conjunto e apresentavam as novas tendências umas às outras.

Os conjuntos de noiva são as peças mais importantes da joalharia Kandyan. Eles são feitos à mão e consistem em 26 peças de joalheria que vão adornar a noiva da cabeça à cintura. O conjunto normalmente consiste de lua e sol, corrente de cabeça, gargantilha karapati, brincos, 3 pingentes com correntes, colar pethi, colar agasti, pulseiras sarri (grossas), pulseiras gedi e hawadiya (corrente de quadril). A maioria dessas joias foi feita com cinco tipos de metais, como ouro, prata, cobre, chumbo, latão. Todos esses itens são banhados a ouro. O número "5" foi considerado um número auspicioso e considerado 5 vezes mais forte. Esses itens são incrustados com pedras indianas vermelhas e brancas projetadas especialmente para combinar com designs espetaculares.

Conjuntos nupciais são raros, com apenas um número selecionado de famílias possuindo o conjunto inteiro. Estes são itens de colecionador.

Um conjunto de joias é composto por um colar, um enfeite para a cabeça e três gargantilhas.

  • As três gargantas são:
    • (Primeiro) Cisne branco exibindo pureza para as solteiras,
    • (Meio) Pingente Makara vermelho para as mulheres casadas.
    • (Terceiro) Cisne vermelho para a noiva do baile.
    • 3 pingentes irmãs conhecidos como padakam, pingentes da sorte, design elaborado para vestidos de noite.
    • Pingentes Makara com correntes e brincos, sendo três um número auspicioso para trazer boa sorte.
    • Conjunto Agasti, uma pedra rara em ouro para uso diurno com saree ou vestidos.

    Essas pedras são encontradas apenas no Sri Lanka usadas por jovens e velhos, ambos exibindo a pedra Agasti em taças de ouro. Um conjunto é composto por um colar Agasti, brincos e duas pulseiras.

    Kandyans são pessoas que vêm da capital da colina Kandyan e descendentes do reino Kandyan. Their customs and traditional habits are still preserved to a great extent with families giving parents and their elders an important role to play. In many ways their lives are unaffected by the rest of the world as they continue to follow Avurudu and prehera (king's parade) in August where you can see these jewellery items being displayed.

    Kandy city stands apart from the rest of the country in many aspects. Even today the royal palace, now a Buddhist center, performs its rituals according to the royal decrees issued by the last king, Rajasinghe II of Kandy, and does not follow regulations issued by the state.

    Due to its historical importance, Kandyan jewellery is highly priced and is at the heart of Ceylonese culture representing the glorious times of the Raja (Kings).

    In 1815 when the British entered the citadel, Kandyan jewelry caught the attention of the British officials resulting in some of the sets being shipped off to the Royal family in England as gifts, later becoming popular amongst women in high society in England.

    Even today Kandyan jewellery sets are auctioned off at the best auction houses in the United Kingdom and Europe with a throatlet and necklaces being valued at £5000 to £8000 and the entire sets being sold for prices ranging from £50,000 to £200,000 depending on the design and antiquity of the sets. In Sri Lanka these sets are available on a seasonal basis for a dollar rate for outsiders.

    Some of the noble Kandyan families still living today include Ellwela, Nugawela, Nugapitiya, Ratwatta, Halangoda, Weragama, Menikdiwela, Delpitiya, Palipane,Kobbekaduwe Molamure Muttettuwegama Aluvihare, Hulangamuwa, Tenne, Galagoda, Lenawala, Mampitiya, Rambukwelle, Mediwake, Meegastenne, Amunugama, Mollagoda, Molligoda, Panebokke, Dunuwilla and Madugalle.

    There is much information about the Kandyan Kingdom and culture in the book Kandyan Kingdom, then and now by P. B. Alahakoon.


    A Trove of Medieval Art Turns Up in Texas

    A hoard of medieval artworks and illuminated manuscripts missing since they disappeared from an ancient castle town in Germany in the final weeks of World War II, appears to have surfaced in this small farm town in north-central Texas, 15 miles from the Oklahoma border.

    Evidence from interviews with art experts, lawyers and rural neighbors points to a former Army officer, Joe T. Meador, a reclusive art lover and orchid fancier who was stationed in Germany at the end of the war and who died here in 1980, as the man who carried off one of the biggest art thefts of the century.

    The artworks that disappeared in the theft were kept for centuries in the cathedral of Quedlinburg, a medieval town in Saxony-Anhalt State, now in East Germany. In 1945, shortly before the German surrender, the treasures were hidden in a mine shaft southwest of town. They disappeared a few days after American troops occupied the area, on April 18, 1945.

    One missing artwork, a sumptuously illustrated and illuminated ninth-century version of the Four Gospels in a jewel-encrusted gold and silver binding, was recovered in April by a private West German foundation. Representatives of the organization, the Cultural Foundation of the States, paid what they called a finder's fee of $3 million to a lawyer for an American seller. Part of the deal - concluded in Switzerland, where such transactions are protected by law - was that the American's name would never be revealed.

    Dietrich Kotzsche, a leading specialist in medieval decorative art at the State Museum of West Berlin, said the Quedlinburg treasures are worth ''perhaps more than a van Gogh painting.''

    In addition to the Four Gospels manuscript, the treasures include a small silver reliquary, inlaid with enamels and precious stones, with side panels of carved ivory a liturgical ivory comb a second manuscript, dated 1513 several rock crystal flasks, and gold and silver crucifixes and other gifts from the kings and emperors who ruled various German states in the 9th and 10th centuries.

    The loss of the artworks was investigated by the United States Army, but the effort was dropped in 1949, when Quedlinburg became part of East Germany.

    ''It is one of the world's greatest art thefts,'' said Florentina Mutherich, former deputy director of the Institute for Art History in Munich and co-author of a study of imperial medieval art.

    Richard M. Camber, a London medieval art expert, said yesterday that the missing artworks were ''rare beyond belief'' and that it was ''impossible to estimate their value since no such objects have ever been offered on the market.''

    A participant in the purchase of the Four Gospels said in a telephone interview that a number of the missing Quedlinburg treasures are in the vault of the First National Bank here in Whitewright, a town (population 1,760) whose most conspicuous features in the years since a shopping mall went up nearby are empty storefronts and caved-in roofs.

    The treasures, said the participant, who insisted on anonymity, have been used by the bank as collateral for a loan.

    John R. Farley, president of the First National Bank of Whitewright, said he had no comment about the matter. Details of how the Quedlinburg treasures were stolen and brought to the United States may have died with Joe Meador. Connections Reports of Efforts To Sell Manuscripts In April 1945, when the treasures disappeared, First Lieut. Joe T. Meador was assigned to the 87th Armored Field Artillery, the unit that occupied Quedlinburg and guarded the mine shaft after the treasures had been discovered there.

    A longtime neighbor of Mr. Meador, who worked in a hardware and farm equipment store that Mr. Meador and his brother Jack ran and who spoke on the condition that he not be identified, said that on occasion Mr. Meador had shown employees of the store elaborate and richly bound gold and silver manuscripts and other unusual items.

    Three years after Mr. Meador's death in 1980, his brother-in-law, Dr. Don H. Cook, a dentist who was raised in Whitewright but who practices in Mesquite, Tex., sought professional evaluation of two medieval manuscripts, one bearing the date of the more recent Quedlinburg manuscript, said John Carroll Collins, a Dallas estate appraiser who was retained by Dr. Cook.

    Decherd H. Turner, director of the Humanities Research Center, a research library at the University of Texas in Austin, said Jack Meador had at one point shown him slides of two medieval manuscripts similar to those from Quedlinburg and tried to sell them to him.

    When asked by Mr. Turner how he had acquired the manuscripts, Jack Meador replied that he had inherited them from his brother, who had 'ɿound them in the gutter'' in Germany during the war, Mr. Turner said.

    Later, John S. Torigian, a Dallas lawyer who represents Jack Meador, tried to sell the Quedlinburg manuscripts to Mr. Turner at the research center and to a Paris rare book dealer, Paul-Louis Couailhac, said Mr. Turner and Mr. Couailhac.

    Mr. Torigian is believed by manuscript experts to have been the agent who sold the Quedlinburg Gospels to Heribert Tenschert, a Bavarian art dealer who in turn sold them to the West German foundation in April in Switzerland.

    Mr. and Mrs. Cook declined to discuss the matter, and Jack Meador referred all questions to Mr. Torigian. Mr. Torigian did not return repeated telephone calls.

    Ely Maurer, assistant legal adviser for cultural property at the State Department, said those who knowingly transport stolen art across international or state borders may be in violation of the National Stolen Property Act. Interests Texas to Europe, A Student of Art Joe Tom Meador was born in 1916, the oldest of four children of Claude and Mabel Meador of Arkadelphia, Ark. When he was a year old, his family moved here and his father established a hardware and farm equipment store. In 1938, Mr. Meador received a bachelor of arts degree from North Texas State University at Denton, Tex., having majored in art.

    Mr. Meador then went to Biarritz, France, and studied art. Those who knew him well said his interest in art was inspired by his mother, who studied at the Art Institute in Chicago and in Kansas City, and who taught art at Ouachita Baptist College in Arkadelphia before her marriage. In Whitewright, she taught classes in ceramics, oil and china painting.

    Two days after the Japanese attack on Pearl Harbor, Joe Meador enlisted in the Army. As a member of the 87th Armored Field Artillery Battalion, he took part in the Normandy invasion, and fought his way across France and Germany. He was frequently a forward observer directing fire from his unit.

    On April 19, 1945, three weeks before the war's end, his unit occupied Quedlinburg. An unofficial history of the 87th Armored Field Artillery Battalion states that Lieutenant Meador was assigned to Headquarters Battery, one of three units that organized teams to search the town for weapons, radio transmitters and other contraband.

    It was 'ɺn intoxicated soldier,'' the unit history says, who accidentally discovered 'ɺ cave on the outskirts of the city'' filled with ''valuables, art treasures, precious gems and records of all sorts.'' Guarding this ''Nazi loot,'' the history states, became an ''important'' task for the 87th.

    It is not known how the treasures may have came into the hands of Lieutenant Meador or found their way to Texas.

    After Joe Meador's discharge in 1946, he taught art at a school in New London, Tex. When his father became ill, he moved back into his family's home at 407 South Bond Street here, and joined his brother Jack in running Meador Inc., the hardware and farm equipment business founded by their father.

    Meador Inc. and the town of Whitewright flourished, until a few years ago when a shopping mall opened nearby. Recollections A Reclusive Life Amid the Orchids Friends and neighbors recall that the war years had changed Joe Meador from an outgoing, friendly young man to a secretive one. ''He was a mystery,'' said the Rev. Dale Gore, the Meador family minister who was the pastor of the First Baptist Church. ''He was a loner, reclusive. He put part of his life behind him.''

    Avery Chisholm, who lived next door to the Meadors for many years, said, ''He was different, real strange.''

    Marshall Hasty, a former Chevrolet dealer who served as one of Joe Meador's pallbearers, said: ''Joe wanted to be an artist, but somehow he couldn't. He just didn't have anything in common with most people here, so he had to turn to other things.''

    One of the things he turned to was growing orchids. Mr. Meador built three greenhouses on a vacant lot behind the family residence. Within a few years, according to a local newspaper interview in 1960, he was cultivating more than 6,200 orchids representing 129 varieties.

    Merritt W. Huntington, who used to judge orchid shows with Mr. Meador, said: ''He was intellectual and witty. Joe used to say, 'Whitewright is the biggest city in Texas, but it hasn't been developed yet.' ''

    The few individuals who were invited to his home were impressed by ''the antiques, beautiful rugs and paintings,'' Mr. Gore recalled.

    On at least some occasions, Mr. Meador displayed treasures he said he had collected in Europe at the war's end, said a former neighbor who spoke on condition of anonymity. Mr. Meador displayed ancient-looking manuscripts written in gold to employees at the family store, said a former employee, who wished to remain anonymous.

    ''It was all Greek to me,'' said the former employee. ''I never did know what happened to that stuff after he died.'' The Trail Two Old Books And a Box Joe Meador died of cancer on Feb. 1, 1980, at the Whitewright Nursing Home.

    His sister, Jane Meador Cook, who served as executor of his estate, signed a statement on Sept 19, 1980, that the estate consisted of local real estate valued at $24,331 and stocks worth $81,225.57. In accordance with the will of Joe Meador, who never married, this property was distributed to Mrs. Cook and their brother Jack. A third brother, James Pat, had died in 1971. Mr. Meador's will also specified that his personal ''silver, china and crystal'' was to be divided among his nieces and a nephew. There was no mention of the Quedlinburg artworks.

    In January 1983, Mr. Collins, the Dallas estate appraiser, was asked by a Dallas lawyer to come to his office to evaluate ''two old books.'' Although in his usual appraisals he almost never encounters rare books or manuscripts, Mr. Collins had for two years studied medieval manuscripts as a graduate student at North Texas State University and was knowledgeable about the subject.

    When he arrived at the lawyer's office, Mr. Collins said after consulting his diary, ''three lawyers and two women'' gave him a large cardboard box to examine.

    ''I could immediately see that the box contained very fine and rare manuscripts in jeweled bindings,'' he said. ''I was furious at the way they were being treated, with the heavier one dumped on top of the other. In one of the relief sculptures on the cover of one manuscript, I could see that a figure's nose had been flattened. I scolded them for treating such objects as if they were last year's telephone directories.

    ''When I examined the manuscripts, according to the notes I made at the time, I thought the older was perhaps 9th or 10th century. There was elaborate filigree on the front cover and jewels. Inside were the Four Gospels. Everything was in gold - gold letters and gold portraits of the four Gospel writers. For me, handling such things was one of the fantasies of a lifetime.''

    Mr. Collins also made note of a date he discovered on the back of the more recent of the two manuscripts, which, he said, was 1513. That is the date on the still-missing Quedlinburg manuscript.

    ''They behaved very secretively,'' Mr. Collins said, 'ɺnd wouldn't allow me to take photographs or to measure the manuscripts.

    ''I asked where the manuscripts came from, and they would only say that they had been inherited. They asked how much they were worth. I told them they were probably stolen from Germany or somewhere in Europe at the end of the war, and that although they might be worth $2 million, they were worth almost nothing to them because they couldn't sell them legitimately. They just looked at me.''

    Under United States law, no one may gain legal title to stolen property.

    Mr. Collins said he was ''haunted'' by the manuscripts but heard nothing about them for three years. In March 1986, he recalled, he was summoned to a second meeting and introduced to five or six people who were said to be members of the family that inherited the manuscripts.

    ''I read them the law about stolen property,'' Mr. Collins said, 'ɺnd this time they agreed to let me have the manuscripts photographed.'' An appointment with a photographer was set up, but suddenly canceled, Mr. Collins said, and he heard no more.

    He wrote 'ɼook estate'' in his notes, and, as directed, sent his bill to Don H. Cook of Mesquite, who had given him his card. He received a check from Dr. Cook in payment.

    Meanwhile, there was a steady flow of rumors in the small world of bibliophiles that some very unusual medieval manuscripts were on the market.

    ''I wouldn't be surprised if every major dealer didn't have a nibble at them,'' said Christopher de Hamel, the manuscript specialist at Sotheby's in London. He added that no reputable dealers would have had anything to do with them once they realized the manuscripts had been stolen.

    In late 1985 or early 1986, Mr. Turner, who was then the director of the Humanities Research Center in Austin, was visited by Jack Meador and his son Jeff, who is an accountant in Austin, Mr. Turner said. They showed him slides of medieval manuscripts, which they offered to sell, he recalled.

    ''I thought I might faint,'' Mr. Turner said. ''I immediately told them these are probably the most valuable books ever to have entered the State of Texas. When I asked where they got them, the older man said his brother had found them in the gutter at the end of the war in Germany and had liberated them. They said he had died, and Mr. Meador was now the owner.''

    Mr. Turner said the Meadors arranged to have him fly to Dallas, where they said he could inspect the manuscripts and make an offer. But the day before the arranged flight, Mr. Turner said, Jeff Meador called to cancel the trip without explanation.

    When Mr. Turner described what he had seen to Mr. de Hamel, both men became convinced he had been shown slides of the Quedlinburg manuscripts. Mr. Turner said he then called Jeff Meador at his home, and was told by Mr. Meador that he and his father had sold the manuscripts and that he should speak to Mr. Torigian.

    Accordingly, Mr. Turner said, he met with Mr. Torigian and offered to raise $1 million privately so the manuscripts could be restored to their rightful place.

    ''Torigian made light of my offer,'' Mr. Turner said. Availability The Fate Of the Works Rumors about the availability of the manuscripts quickened in 1988. At the center of the talk was Hans P. Kraus, then the dean of rare book and manuscript dealers in New York, who had arranged the sale of a Romanesque manuscript called ''The Gospels of Henry the Lion'' to a West German consortium for $11.7 million at Sotheby's in London in 1983.

    He began to spread the word that ''something extraordinary'' would soon be available, said a museum curator who insisted on anonymity.

    'ɿrom the way he described it,'' the curator said, ''I now know he was talking about the Quedlinburg Gospels.'' Mr. Kraus died in November 1988. Thomas Kren, curator of manuscripts at the J. Paul Getty Museum in Mailibu, Calif., said that earlier this year he had been approached by a dealer to buy a medieval manuscript but that, as soon as he realized it was from the Quedlinburg hoard, he broke off the discussion.

    Mr. Couailhac, the Paris book dealer, who spoke through his lawyer, said he had been approached by Mr. Torigian and had agreed to try to sell the older of the two manuscripts for $9 million.

    Mr. Couailhac said he had been angered when he learned that Mr. Torigian had suddenly sold the manuscript to the West German foundation for $3 million through another dealer. He said he was considering suing Mr. Torigian.

    West German cultural officials are hopeful of recovering the remaining Quedlinburg artworks.

    ''When all the treasures are finally returned,'' said Klaus C. Maurice, secretary general of the Cultural Foundation of the States in West Germany, which negotiated the return of the Quedlinburg Gospels in April, ''we must view them not only as a sign of our ancient past, but also as a reminder of what happens when a state goes out of control, as we did in the Nazi period, and suffers invasion.''


    Delaware

    Delawares were developed in 1940, in Delaware, by George Ellis. The were originally known as “Indian Rivers.” The breed originated from crosses of Barred Plymouth Rock roosters and New Hampshire hens. Although originally intended as a meat bird, Delawares make an excellent dual purpose bird. They are known to have a calm and friendly disposition, and lay jumbo brown eggs – about 4 per week in ideal conditions. Plus, let’s not forget to mention their beautiful plumage!


    Ancient Greeks were sometimes buried on wooden or bronze beds. [1]

    A number of early Anglo-Saxon bed burials, almost all dating to the 7th century, have been found in England, predominantly in the southern counties of Cambridgeshire, Suffolk and Wiltshire, but single examples have also been found in Derbyshire and North Yorkshire. The beds used in these burials were made of wood, and although none have been fully preserved, their presence can be inferred from the presence of iron fixtures and fittings, such as nails, cleats, grommets, brackets, headboard mounts and railings, that outline the rectangular shape of the bed in the grave. [2] [3] [4] However, in some cases it is not clear whether the iron fixtures found in a grave come from a bed or a coffin.

    The majority of the Anglo-Saxon bed burials are for young women, and many of the burials include items of jewellery and other grave goods that indicate that the dead person must have been wealthy and of high status during life. The high quality of the gold jewellery found in the bed burial at Loftus in Yorkshire suggests that the occupant of the grave may have been a princess. [5] On the other hand, some of the young women buried on their beds have pectoral crosses or other Christian emblems buried with them (Ixworth, [6] Roundway Down, Swallowcliffe Down, Trumpington), which has suggested the possibility that they may have been abbesses, who in the early Anglo-Saxon period were recruited from noble families. [7]

    In addition to laying the deceased on a bed, some of the bed burials exhibit other features that mark them out as special, and relate them to ship burials, such as the bed being placed in a chamber (Coddenham, Swallowcliffe Down), or a barrow being raised above the grave (Lapwing Hill, Swallowcliffe Down). [8] In at least two sites (Loftus and Trumpington), a grubenhaus (sunken floored building) has been excavated close to the bed burial, and it is possible that the deceased was laid out in the grubenhaus before burial so that mourners could pay their respects to her. [3] [9]

    The complex and elaborate funeral practices that must have been associated with a bed burial have been well described by archaeologist Howard Williams:

    The artefacts, body and grave would have interacted to create a complex sequences of practices and performances in the funeral. We can imagine the digging of the grave, perhaps the lining of the grave with timber shorings, and perhaps a temporary shelter over the grave in the hours or days until the body is ready for burial. We then have the lowering of a bed into the grave, followed by the clothed body together with a set of discrete deposits. Each would have required persons approaching the grave and passing them down to those in the grave itself with the body. Finally, after the funeral had approached completion, the grave would have been back-filled and the mound raised. [2]

    Interring the deceased on a bed suggests that sleep was seen as a metaphor for death. [2] Furthermore, the Old English word leger (modern English lair), literally meaning a "place where one lies", was used to refer to both beds and graves in Old English literature, which emphasizes the symbolic equivalence of the bed and the grave. [10]

    List of Anglo-Saxon bed burials Edit

    About a dozen Anglo-Saxon bed burials, as well as several possible bed burials, have been excavated from the 19th century onwards, as listed in the table below.

    In several Viking ship burials from Norway and Sweden, including the Oseberg ship burial (dated to 834) and Gokstad ship burial (dated to the late 9th century), the deceased had been laid out on beds. However, true bed burials, in which the bed is buried directly in the ground are not known. [25] [26]


    Assista o vídeo: Extraindo Ouro de Joias Folheadas (Dezembro 2021).