A história

Museo Botero


O Museo Botero é um museu de arte localizado no distrito de La Candelaria, em Bogotá, Colômbia. O museu foi fundado em 2003, após uma grande herança de Ferdinand Botero em 2000. Hoje, ele abriga uma das coleções de arte mais importantes da América Latina e recebe cerca de meio milhão de visitantes a cada ano.

História do Museo Botero

Ferdinand Botero é um dos artistas vivos mais famosos da Colômbia: seu estilo, o boterismo, é único, pois ele pinta o que chamou de "gente grande" - pessoas com proporções exageradas, normalmente como um meio de criticar ou satirizar figuras proeminentes. Ele alcançou fama internacional na década de 1990, e seu trabalho tem sido exibido globalmente: ele recebeu o prêmio pelo conjunto da obra do Centro Internacional de Escultura em Escultura Contemporânea em 2012. Embora o trabalho de Botero não seja muito conhecido na Europa, você deve reconhecer sua pintura de 1964 de Papa Leão X, que se tornou um meme popular.

Botero também pintou uma série baseada na violência das drogas e cartéis na Colômbia nos anos 1980/90, e causou mais polêmica com sua série sobre Abu Ghraib, que abordava os abusos cometidos por americanos nas prisões iraquianas.

Museo Botero hoje

Em 2000, ele legou 123 peças de sua própria obra e 85 outros itens de suas coleções ao povo da Colômbia, e trabalhou com o Banco de la Republica para criar um ambiente em que eles pudessem ser apreciados e desfrutados ao máximo. Uma das estipulações do legado era que o museu fosse gratuito para todos, para que pessoas de todas as classes e origens pudessem desfrutar, estudar e aprender com o trabalho de Botero.

O museu continua sendo uma forma muito agradável de passar a tarde: a ala leste contém a coleção de Botero, enquanto as outras alas abrigam seu próprio trabalho. O museu está aberto todos os dias, exceto às terças-feiras, e é gratuito para todos.

Chegando ao Museo Botero

O Museu está localizado em La Candelaria, onde muitas das principais atrações culturais de Bogotá podem ser encontradas. O acesso ao museu é gratuito e está instalado em um antigo prédio da administração colonial.


Em 1881, um grupo, incluindo Manuel Uribe Ángel, Antonio José Restrepo e Martin Gómez, fundou o Museu Zea em homenagem a Francisco Antonio Zea na Biblioteca do Estado Soberano de Antioquia. A primeira coleção continha livros e artefatos históricos e artísticos de seus fundadores. Uribe Angel doou seu acervo com a condição de ser o primeiro diretor do Museu. Havia também uma biblioteca como parte do museu.

A história do departamento está representada em documentos, armas, bandeiras e outros itens, desde a independência da Colômbia até a Guerra dos Mil Dias. A coleção também continha peças, pedras, minerais e moedas pré-colombianas.

A biblioteca contava com milhares de volumes relacionados à história, arte e ciência, e uma compilação dos primeiros jornais do país. Em 1886, a Constituição foi reformada e o status de Antioquia como Estado soberano mudou para o status que tem hoje como Departamento. Como resultado, entidades como o museu dependiam do governo central e dos governadores. O museu continuou dependendo do Departamento de Administração.

O museu foi fechado para se tornar o palácio de Rafael Uribe Uribe, governador de Antioquia. Parte da coleção foi guardada e a outra parte foi enviada para a Universidade de Antioquio e a Academia Histórica de Antioquia.

Em 1946, Teresa Santamaria de Gonzalez e Joaquin Jaramillo Sierra, da Sociedade de Honra para o Melhoramento de Medellín, temiam que a cidade não tivesse um museu representativo. Eles propuseram a reabertura do museu e procuraram alguém que pudesse protegê-lo do controle ou fechamento do governo. Então, eles estabeleceram o museu como uma entidade privada sem fins lucrativos.

Em 1953, o museu ganhou estatuto legal, tendo finalmente sido inaugurado em 1955 na Casa de la Moneda, ela própria uma antiga fábrica de aguardente. (O local agora é Ala Experimental, próximo à Igreja da Veracruz). A localização foi facilitada pelo banco nacional, e a prefeitura de Medellín cedeu o prédio para uso exclusivo do museu.

Em 1977, o museu mudou seu nome para Museu de Arte Francisco Antonio Zea de Medellín. O nome foi alterado para evitar confusão: os turistas não entenderam o significado de Zea e os moradores confundiram o museu com o museu Cera (cera).

Em 1978, o artista plástico Fernando Botero fez sua primeira doação de suas obras ao museu. Em seguida, foi proposto que o nome fosse alterado para Museu de Antioquia. A mudança foi aceita pelo governador de Antioquia.

Em 1997, iniciou-se um processo de reforma. Nessa época, o museu estava em dificuldades econômicas e o número de visitantes anuais era baixo.

Museo 360 Edit

Desde 2016, com a chegada de María del Rosario Escobar como diretora, o Museu de Antioquia empreende o projeto Museo 360 buscando delinear o Museu como um espaço de encontros e reflexões que “reconheçam a realidade da cidade, ao invés de ocultá-la . ” [1] O Museo 360 visa "saldar dívidas históricas de exclusão, discriminação" e superar "a incapacidade de compreender o outro, em meio ao medo de ser diferente". [1] Segundo Escobar, a missão do Museu é “revisar a história e suas histórias, e criar novas histórias que sejam inclusivas e nos permitam entender que os problemas da cidade e seus protagonistas existem”. [1] Essa abordagem institucional busca provocar reflexões sobre os caminhos históricos que conduziram ao presente de uma sociedade e o papel que as instituições culturais desempenham nesses processos.

Nesse sentido, a estratégia curatorial das galerias permanentes convida os visitantes a indagar sobre o papel da história da arte e dos museus no reforço de construções sociais excludentes. Outro exemplo da nova abordagem do Museu é o projeto de residência artística da artista Nadia Granados que, com a curadora Carolina Chacón e um grupo de profissionais do sexo do centro de Medellín, desenvolveu o premiado cabaré / performance Nadie sabe quién soy yo (Ninguém sabe quem eu sou) em 2017. [1] A partir de então, as performers financiaram o grupo Las Guerreras del Centro (Downtown Warriors), um coletivo para destacar a vida e as histórias de profissionais do sexo por meio de apresentações artísticas, rodas de tricô e outras ações comunitárias. [2] [2]

Nadie sabe quién soy yo foi o início de uma série de colaborações curatoriais e educacionais entre Las Guerreras del Centro e o Museu de Antioquia. Esses projetos colaborativos constituem destigmatizando e fortalecendo práticas museológicas críticas que geram novos espaços para trocas e diálogos sociais dentro e fora do museu. Esses espaços emergem do museu, criam vínculos além das paredes do museu e transformam drasticamente a relação do museu com seu ambiente social. [2]


Desde finales de los años 60, o artista colombiano Fernando Botero foi um destacado coleccionista de arte. Inicialmente de piezas precolombinas, posteriormente de arte colonial e más recientemente de dibujo, pintura e escultura moderna universal. Hasta 1999, all sus colecciones se hallaban dispersas en los apartamentos del artista en Nueva York, Paris, Montecarlo y Pietrasanta, además de un depósito en un banco suizo, en Bogotá.

Desde mediados de los noventa, Botero habia planteado no Museu de Antioquia em Medellín, a possibilidade de doar sua coleção entera de arte. No embargo, a lentidão na tomada de decisões por parte das autoridades antioqueñas le llevó a aceitar a propuesta del entonces alcalde de Bogotá, Enrique Peñalosa, de doar sua coleção em Bogotá. Aunque Peñalosa propuso construir um novo museu para albergarla, o artista prefirió entregar sua coleção particular de arte, valorada em mais de 200 milhões de dólares, no Banco da República da Colômbia, em Bogotá, institución con una ampla trayectoria de atividades culturais relacionadas com la numismática, a arte e as bibliotecas, e na cuya Biblioteca Luis Ángel Arango había expuesto años atrás da série de La Corrida.

En el año 2000, la colección llegó a Colombia después de una exposición en la Fundación Santander Central Hispano de Madrid (España). Tras este obsequio a Bogotá, por petición de las autoridades antioqueñas, o artista aportaría un conjunto significativo de piezas de sua autoridade no Museu de Antioquia (luego de sua mudança de sede), además de um conjunto de esculturas para o Parque Botero (al frente de dicho Museo). Aunque ya el grueso de la colección de artistas internacionais foi cedido por Botero a Bogotá, este decidió reunir un nuevo conjunto de cerca de 21 piezas (Matta, Lam, Stella, Rodin, etc.), para ser donado al Museo de Antioquia ( en dos oportunidades).

La Curaduría del Museo Botero de Bogotá fue realizada pelo mismo Fernando Botero con el apoyo de María Elvira Escallón y José Ignacio Roca. Uma das cláusulas da doação, fue que ninguna obra doada podía ser prestada ou cambiada de ubicación luego de colgada. Por ello, el montaje de las obras se mantiene tal cual como Botero lo decidió. La colección de 87 piezas de arte internacional donadas pelo artista, se divide en vários núcleos:

  • Uma sala dedicada a artistas europeus de finos do siglo XIX e inicios do siglo XX, com búsquedas relacionadas com o impresionismo. Este espaço inclui a obra más antiga da coleção "Gitana com Pandereta" de Jean-Baptiste-Camille Corot, artista pré-impresionista. Del impresionismo, feno dos óleos de Pierre Auguste Renoir, uma vista de Ámsterdam de Claude Monet, óleos de Camille Pissarro e Gustave Caillebotte e uma escultura de Edgar Degas. Obras posimpresionistas solo hay una: "Bebedora de ajenjo en Grenelle" de Henri de Toulouse-Lautrec. El mismo Botero reconoció a dificultad de comprar obras de artistas posimpresionistas (Van Gogh, Seurat, Cézanne) debido a su alto costo no mercado del arte.

En esta misma sala se encuentran obras muy posteriores não relacionadas diretamente com o impresionismo, como um desnudo de Pierre Bonnard adquirido por Botero luego de uma dura negociación por Ernst Beyeler, célebre coleccionista de arte o un retrato pintado por Edouard Vuillard que Botero tenía en su habitación de Nueva York.

  • La siguiente sala la abre uma escultura de Salvador Dalí fechada em 1933, de la cual existe uma versão no Museu de Arte Moderna (MoMA) de Nueva York. Aunque Botero reconoce que no le gusta Dalí, admite que compró esta pieza porque considera que ayudaba a "completar" la colección.

O resto da sala está conformada por óleos de gran formato de artistas corrientes muy diversas, que oscilan entre o surrealismo, o expresionismo, la nueva objetividad alemana y algunas obras cercanas al cubismo. Otras vanguardias como el Futurismo italiano, el Dadá, el cubismo temprano (sintético y analítico) y el expresionismo alemán más temprano, no están representados. Botero tem reconocido que não interesa la corriente artística derivada de Duchamp y menos el arte abstracto (las derivaciones de Kandinsky o Klee), que ha calificado en reiteradas ocasiones como meramente "decorativo".

De este espaço, filho destacáveis ​​dos óleos tardios de Picasso (um de ellos, inédito), um óleo de Joan Miró (1953), um óleo de Giacometti e, especialmente, uma "Maternidad" (1936) de Max Beckmann, especialmente importante para la historia del arte. La pieza, que perteneció a Quapi Beckmann, la viuda del artista, estuvo colgada en el corredor de acesso do apartamento de Botero em Nueva York.

  • La siguiente sala, está dedicado a dibujos del siglo XX aunque incluye un oil de pequeño formato de Jacques Lipchitz (fechado em 1917). Filho especialmente destacável de um pastel de Edgar Degas, uma acuarela pintada em 1922 por el alemán George Grosz, dos dibujos de Léger, uno de Henri Matisse, otro de Gustav Klimt e dos dibujos de Balthus, uno de ellos, un estudio preparatorio para o célebre "Lección de Guitarra" (1934), comprado por Botero a la viuda del poeta Paul Éluard. Esta última obra, foi prestada em várias ocasiões no Metropolitan Museum de Nueva York e na Tate Gallery de Londres.
  • A coleção internacional continua no segundo piso com um espaço dedicado a las vanguardias americanas de mediados do siglo XX: comparten el espacio elementos de artistas latinoamericanos como Wifredo Lam o Roberto Matta com obras de los norteamericanos Robert Rauschenberg o Willem de Kooning. A única obra enteramente abstracta do espaço é um óleo de Robert Motherwell. Salvo um óleo de Kitaj, a coleção Botero ignora completamente a arte pop (Warhol, Liechtenstein, etc.) e o abstraccionismo mais contundente (Jackson Pollock, Cy Twombly, Clyfford Still, Mark Rothko, etc.). Este sesgo, responde a las reiteradas críticas que Botero fez à abstração, del cual su propia obra se aleja por completo.
  • La siguiente sala posee varias obras importantes da segunda mitad del siglo XX: um estúdio para um menino de Francis Bacon, un Jean Dubuffet de 1963 (según algunos, la primera obra adquirida por Botero para sua colección), un Joaquín Torres García y un Antoni Tàpies (adquirido por Botero luego de haber hablado mal de Tàpies em uma entrevista), entre muchas otras piezas.
  • El siguiente espacio, dedicado a la escultura, incluye obras de Aristide Maillol, Alexander Calder, Anthony Caro, Giacomo Manzú, Henry Moore e Max Ernst, entre muitos outros artistas.

Obras impresionistas en el Museo Botero Editar

Claude Monet. El Geldersekade de Amsterdam en invierno, 1871-1874.


Seu guia para Medellín e # 8217s Museo de Antioquia

Localizado no centro da cidade de El Centro, o Museo de Antioquia é um grande edifício com vista para a movimentada Plaza Botero. Com uma série de exposições, o museu oferece uma visão única do departamento de Antioquia e do papel de Medellín em sua história. Quer você seja um amante da arte, um aficionado por história ou simplesmente queira absorver a vida local, uma viagem ao Museu de Antioquia é uma ótima atividade. Veja como chegar, o que ver no museu e a história de Fernando Botero.

Endereço: Calle 52 # 43

Horário de funcionamento: Das 10h às 17h30, de segunda a sábado, das 10h às 16h30, aos domingos e feriados

Custo de entrada: COP $ 18.000 para estrangeiros, COP $ 12.000 para colombianos (50% de desconto para maiores de 60 anos e estudantes, 30% de desconto para grupos de mais de 5)

Acessível para usuários de cadeiras de rodas: sim

Noticias Caracol

Como chegar lá

Pegue a Linha A (Linha A) até o Parque Berrío (agora há anúncios em inglês no metrô de que esta parada é para o Museu de Antioquia). Na estação, siga as indicações para a saída em direção a Plaza Botero. Uma vez fora, continue em frente por um quarteirão, seguindo a direção da linha do trem acima. Em breve você verá um grande edifício xadrez preto e branco - este é o Palácio da Cultura Rafael Uribe e o início da Plaza Botero. Vire à esquerda assim que passar pelo palácio e, do outro lado da praça, está o Museu de Antioquia.

Todos os taxistas saberão onde fica o Museu de Antioquia. Basta dizer ‘Museo de Antioquia (como‘ moo-seh-o de An-ti-oh-key-a ’) por favor’ e eles o levarão até lá. Vindo de Poblado - e dependendo do tráfego - deve custar cerca de $ 10.000 COP.

Youtube

História do Museu de Antioquia

O museu foi fundado em 1881 em um local diferente em Medellín. Em 1997, o museu estava com dívidas significativas e tinha muito poucos visitantes. Depois de tentar adquirir peças do artista nascido em Medellín, Fernando Botero, em parcelas, Botero prometeu que faria uma doação se o museu pudesse melhorar. Essas doações incluem agora as salas de escultura, pintura e desenho.

Com o apoio do novo diretor do museu, o governador de Antioquia, e o prefeito de Medellín, a direção do museu começou a procurar outro local. Foi o prefeito Juan Gómez Martínez quem sugeriu a utilização do antigo Palácio Municipal de El Centro para o projeto. A ideia coincidiu bem com os planos de reforma da parte degradada da cidade e, logo em seguida, a Plaza Botero começou a ser construída também.

Em sua localização atual, o Museu de Antioquia foi inaugurado em 15 de outubro de 2000. Todas as 23 estátuas da Plaza Botero foram inauguradas um ano depois. Desde a primeira doação de Botero ao Museu de Antioquia, ele investiu grande parte de suas obras em Medellín gratuitamente. É muito respeitado e elogiado por Paisas por sua dedicação à cidade.

Pintrest

Quem é Fernando Botero?

Mesmo se você não estiver familiarizado com Fernando Botero, provavelmente já viu seu trabalho em todo o mundo - incluindo a Park Avenue em Nova York e a Champs-Élysées em Paris. Na Colômbia, Botero é certamente o pintor e escultor mais prolífico.

Ele nasceu em Medellín em 1932. Inicialmente foi para a escola do toureiro para aprender a se tornar um toureiro, mas depois de mudar de ideia, ele continuou a se dedicar às artes, morando no exterior e estudando as obras de artistas famosos em Madrid, Paris e Florença.

As peças de Botero são mais conhecidas por apresentar pessoas, animais e objetos roliços e roliços. O artista não considerou seus temas & # 8220fat & # 8221, mas sim uma exploração de proporção, volume e forma. Suas obras são identificáveis ​​por seu estilo distinto e lúdico, mas ainda assim exploram temas importantes.

Os temas de Botero vão desde naturezas mortas a personagens locais e paisagens urbanas aqui em Antioquia, passando por touradas e a cultura que as cerca, e a violência crescente na era de Pablo Escobar - tudo isso feito em seu estilo característico de "boterismo". Atualmente, são mais de 100 obras de Fernando Botero no Museu de Antioquia.

La Opinion

O que ver no museu

Antes de entrar no museu, pare um momento para passear entre as estátuas de bronze de Botero espalhadas pela Plaza Botero. As esculturas combinadas com o imponente desenho gótico do Palácio da Cultura Rafael Uribe são uma oportunidade perfeita para fotos e são uma das melhores atrações gratuitas em Medellín.

La Nota Positiva

Uma vez lá dentro, a principal exposição do museu é a coleção abrangente de pinturas e esculturas de Fernando Botero & # 8217s, localizada no terceiro andar. A equipe do museu recomenda começar aqui com a arte de Botero e ir avançando. Se desejar que um membro da equipe lhe dê mais informações, os passeios acontecem diariamente às 14h, gratuitamente, apenas em espanhol. Alternativamente, passeios em inglês estão disponíveis, mas devem ser reservados com antecedência e custam uma pequena taxa com base no tamanho do grupo.

Lifeafar

Há uma série de outras exposições, incluindo um salão com obras de artistas internacionais (principalmente arte moderna), uma exposição de arte religiosa e colonial do período da conquista na América do Sul e muito mais. As exposições mudam em uma base rotativa, então sugerimos verificar o site com antecedência para ver o que está em exibição para a sua visita.

Para um pouco de natureza, enquanto no Museo de Antioquia, há um pátio pitoresco para sentar e desfrutar do sol. Além disso, a loja de presentes do museu vende itens pitorescos feitos localmente e réplicas de obras de arte do museu - fantásticas como presentes para amigos e familiares em casa. Em outro lugar, um café e um restaurante estão localizados no primeiro andar, para quando você precisar reabastecer depois de vagar pelo museu por horas.

Cat Boanerges


Carreira

Visitando M & eacutexico em meados da década de 1950, Fernando Botero pintado Natureza morta com bandolim (1956), onde seu estilo emergente era evidente. Em 1958, ele foi premiado com o Salão Nacional primeiro prêmio para Câmara nupcial: Homenagem a Mantegna. Em 1960, Botero se mudou para a cidade de Nova York. O Museu de Arte Moderna de Nova York adicionou Botero e rsquos Mona Lisa, 12 anos à sua coleção em 1961.

Suas pinturas nesse período refletiam a vida na Colômbia com temas como vida familiar, políticos e líderes, animais, militares, ícones religiosos e prostitutas, em sua maioria retratados como rotundos e coloridos. As pinturas deste período incluem Família Presidencial (1967). Botero voltou a Paris no início de 1973 e começou a esculpir sem abandonar a pintura. Esculturas incluem Soldado Romano (1985), Maternidade (1989) e A mão esquerda (1982).


Museo Botero

Das Museo Botero, alemão Museu Botero , trägt den Namen des berühmtesten kolumbianischen Künstlers, Malers und Bildhauers Fernando Botero. Das Museum befindet sich em La Candelaria, [1] der Altstadt von Bogotá, und zeigt u. uma. einen Ausschnitt seines kreativen Schaffens. Es ist nur wenige Schritte von der Plaza de Bolívar im Stadtzentrum entfernt und gehört zum kulturellen Viertel La Manzana Cultural. [2]

Das Museum hält eine Sammlung an Kunstwerken Boteros, darunter Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen. Daneben sind auch Malereien berühmter internationaler Künstler wie Salvador Dalí und Pablo Picasso zu sehen. Im Jahr 2000 hatte Botero 208 Gemälde und Skulpturen an die Kulturstiftung der Nationalbank übergeben und damit den Grundstein für die Eröffnung des Museums gelegt. Unter den überlassenen Werken waren neben seinen eigenen Arbeiten auch Originalkunstwerke weltbekannter Künstler aus seiner Privatsammlung.

Im westlichen Flügel des Museums über zwei Stockwerke finden sich 123 Werke von Fernando Botero. Viele Arbeiten sind Ende des 20. Jahrhunderts entstanden und tragen seine charakteristische Handschrift. Die Darstellung beleibter Figuren, die sich mollig auseinandersetzen: Hände, Orangen, Frauen, Männer, Kinder, Vögel und auch Führer der FARC. [3] Zu den bekannten Gemälden mit überzeichneten Formen zählen Pareja Bailando („Tanzendes Paar“) e Monalisa. Letzteres ist eine Karikatur der Mona Lisa von Leonardo da Vinci.

Besonders sehenswert ist auch Boteros Sammlung von Bleistiftzeichnungen, z. B. die Porträts der französischen Künstler Paul Cézanne und Gustave Courbet. Im Ausstellungsbereich für Skulpturen findet man weitere voluminöse Plastiken von ihm wie Hombre a Caballo („Mann zu Pferd“) e El Sueño („Der Traum“).

Im Ostflügel des Museums sind die 85 Kunstwerke internationaler Künstler ausgestellt. Darunter Arbeiten weltberühmter Maler com Francis Bacon, Joan Miró, Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und umfasst den Zeitraum vom französischen Impressionismus aus dem 19. Jahrhundert bis zur zeitgenössischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Museum ist täglich, außer dienstags, geöffnet de 9 a 19 Uhr, sonntags de 10 a 17 Uhr. Der Eintritt ist frei. [4]


Aos 84, o artista Fernando Botero está mantendo as coisas superdimensionadas

Por ocasião de seu novo e apropriadamente volumoso livro de Assouline, o ícone colombiano reflete sobre sua carreira de seis décadas e meia extremamente influente.

“Muitas pessoas me conhecem como o pintor das 'mulheres gordas' e isso não me perturba”, disse o artista colombiano Fernando Botero recentemente de sua casa em Mônaco, um dos seis estúdios ao redor do mundo que ele ainda mantém aos 84 anos. .

Na verdade, o amor do artista por proporções generosas nunca vacilou nas últimas seis décadas e meia, criando um estilo que chamou a atenção quando ele começou a pintar nos anos 50, e desde então o tornou o artista vivo mais colecionável da América Latina . Suas figuras volumosas de tudo, desde pedaços de frutas até a Mona Lisa rotineiramente vendem por milhões, embora também possam ser apreciadas em toda a sua glória nas coleções de mais de 50 museus - e no novo tomo epônimo de Botero, apropriadamente superdimensionado com Assouline, mais tarde esta semana. “Eu tive muitos livros publicados sobre meu trabalho, mas este é o mais importante”, disse Botero sobre o título, que tem quase um pé e meio de altura (e vem com um preço considerável de $ 845) .

Um jetsetter em seu apogeu, Botero ainda está saltando entre suas casas em Mônaco, Colômbia, Grécia e Nova York, trabalhando em suas pinturas diariamente com o mesmo sistema de polia que usou por décadas. Ele fez uma pausa para refletir sobre tudo isso aqui.

Olhando para trás em sua carreira, você disse que teve um grande avanço em 1956. Há algum outro momento em particular que o formou como artista? Em 56, fiz uma pintura de um bandolim com um contorno generoso e alguns pequenos detalhes de interior. Esse contraste entre o grande e o pequeno foi muito eficaz e marcou mais ou menos a minha expressão daquele momento em diante. Mas você nunca termina de aprender e progredir em seu estilo - a maturidade chega quando você tem total coerência no que quer dizer.

Você é mais conhecido por suas pinturas e desenhos, mas também produziu mais de 200 esculturas. Como essas obras foram recebidas como arte pública? Fiz 20 exposições de minhas esculturas monumentais em todo o mundo, com a primeira em Mônaco em 1991. Em Paris, em 1992, mostrei 32 peças monumentais na Champs Elysées. Os bigodes de um gato de bronze foram roubados e este pequeno acontecimento foi publicado na imprensa de todo o lado!


Fernando Botero: Pinturas. Dibujos. Esculturas

Vista da exposição. Fernando Botero: Pinturas. Dibujos. Esculturas, 1987

O colombiano Fernando Botero (Medellín, Colômbia, 1932) possui um dos estilos mais reconhecíveis da tradição artística latino-americana, com acentuada corporeidade que lhe permite trabalhar com proporções que não são a norma. Botero define seu trabalho como arte figurativa, formas infladas e figuras rotundas como “formas expressivas divergentes”.

Em seu trabalho, Botero encapsula influências dos grandes muralistas mexicanos, particularmente José Clemente Orozco e um fascínio por Trecento e Quattrocento A pintura italiana também pode ser discernida. Cada influência pode ser apreciada em sua variação de obras de Jan Van Eyck, Alberto Durero, Peter Paul Rubens, Hyacinthe Rigaud, Pierre Bonnard e Paul Cézanne. Da mesma forma, o artista também se conecta com a tradição artística espanhola que Botero estuda na Academia de Belas Artes de San Fernando, em Madri, em 1951, e visita o Museu do Prado, onde copia obras de Diego Velázquez e Francisco de Goya.

Seu sucesso logo chega ao litoral europeu e, nos anos 60, suas exposições individuais são realizadas em cidades como Paris, Baden-Baden, Hannover e Londres. Além disso, sua rejeição à pintura contemporânea o afasta dos movimentos de vanguarda e significa que ele está ausente da cena artística americana, onde sua pintura figurativa é vista como anacrônica.

A execução impecável de Botero pode ser apreciada nas cinquenta grandes pinturas a óleo expostas nesta exposição, a mais extensa coleção da Espanha até hoje. A seleção de obras provém de museus e coleções particulares da Espanha, Alemanha, Suíça e EUA. Além das pinturas, a mostra exibe também cinquenta e quatro desenhos e aquarelas e dez esculturas em bronze, todas realizadas a partir de 1962 e reunidas especialmente para a ocasião.

O uso de um método sistemático por Botero permite-lhe pintar com grande velocidade. Não se preocupa com a espontaneidade das formas e das pinceladas independentes, seu objetivo é o trabalho homogêneo da superfície da cor, com sua tendência a preparar o fundo em tons avermelhados perceptíveis. Ele então desenha no topo da base com giz branco e marca as áreas luminosas que deseja enfatizar com acrílico branco.

O domínio da pintura a seco pode ser apreciado na cor, meticulosamente difundida em seus trabalhos em pastel. Em seus desenhos há um claro estilo pessoal que, desde o início dos anos 60, o leva a reagir contra o que está apenas esboçado e a renunciar cada vez mais à interação com o inacabado. Freqüentemente, ele reverte para o sanguíneo, o que lhe permite transformar o vermelho denso em fonte de luz, enquanto nos desenhos a carvão o preto escurece gradualmente a luz no verso da folha ou a fortalece de maneiras mais determinadas e abertas.

Os temas amplos e salientes caracterizam seu trabalho: retratos, autorretratos, figuras nuas, naturezas mortas, paisagens, cenas de bordel, touradas, santos, soldados, cardeais. a lista continua, todos tratados com otimismo e frescor.

Nas esculturas de Botero, as preocupações e os temas de sua pintura são recorrentes, embora possivelmente de forma mais experimental. Os contornos arredondados e sensuais permanecem como a figura humana é o ponto focal. Depois das primeiras tentativas, entre 1963-1966, só trabalha com escultura em 1973. Os anos 1976-1977 são considerados os mais produtivos, pois atinge um domínio total das diferentes técnicas escultóricas e neste período dedica-se integralmente. à arte tridimensional. A influência de mestres coloniais do século 18, como Caspicara do Equador e Aleijadinho do Brasil, pode ser percebida junto com referências a seus artistas contemporâneos favoritos, como Henri Matisse, Henry Moore, Elie Nadelman e Gaston Lachaise.


6 pinturas de Fernando Botero que destacam seu amor por formas completas

Um dos mais famosos artistas vivos da América Latina, artista colombiano Fernando Botero é conhecido por suas pinturas e esculturas de formas exageradas e voluptuosas. O criativo produziu milhares de obras de arte em seu estilo próprio & mdash conhecido como & ldquoBoterismo & # 8221 & mdas e continua a ser tão prolífico como sempre. “Sou um trabalhador incansável. Não considero pintar uma obra, não é uma obrigação, faço-o por prazer”, afirma. & ldquo Não encontrei nada que me divirta mais do que pintar. & rdquo

Ao longo de sua carreira, Botero enfatizou que não & ldquipa pessoas gordas & rdquo. Em vez disso, ele afirma que seu trabalho explora a & ldquosensualidade da forma. & Rdquo Suas pinturas cobrem uma variedade de assuntos, de suas próprias interpretações das pinturas do Velho Mestre a retratos satíricos de políticos e figuras religiosas. A marca registrada de Botero e rsquos, os temas cheios de figuras costumam ser criticados, mas continuam a fascinar muitos amantes da arte em todo o mundo. Continue lendo para descobrir seis pinturas famosas de Fernando Botero que capturam seu estilo característico.


Vida e biografia de Fernando Botero

Data de nascimento: 19/04/1932
Data da morte : -
Local de nascimento: Medellín, Colômbia
Nacionalidade: colombiana
Categoria: Artes e Entretenimento
Última modificação: 28-07-2010
Creditado como: Artista pintor, escultor, esculturas de metal

Fernando Botero, também conhecido como Fernando Botero Angulo nascido em 19 de abril de 1932 em Medellín, Colômbia é um artista, pintor e escultor colombiano.

Conhecido por suas enormes esculturas de metal e pinturas de cores vibrantes de formas humanas e animais robustas, o artista colombiano Fernando Botero foi um dos artistas modernos mais populares.

Fernando Botero nasceu em Medellín, nos Andes colombianos, em 19 de abril de 1932. Seus pais, David e Flora Angulo de Botero, foram criados na remota região montanhosa dos Andes. Seu pai, um caixeiro viajante que viajava a cavalo para áreas remotas da cidade, morreu quando Botero tinha quatro anos, e sua mãe sustentava a família como costureira.

The second of three boys, Botero attended a Jesuit secondary school on a scholarship starting at age 12. His uncle also enrolled him in matador school, which he attended for two years, and the images in his first drawings come from the world of bullfighting (a watercolor of a matador is his first known work). Until he discovered a book of modern art at the age of 15 he "didn't even know this thing called art existed," he says.

In 1948 Botero decided he wanted to become an artist and first exhibited his work in a joint show in his native town. He began working at El Colombiano, Medellin's leading newspaper, illustrating the Sunday magazine. At this time a period of civil unrest began in Colombia, and there was a low tolerance for nonconformity and radicalism. Some of Botero's teachers began to express disapproval of his work, and he received several warnings about nudity in his newspaper illustrations. In response he published an article called "Picasso and Nonconformity in Art" and was subsequently expelled from the school. He completed his secondary education at the Liceo de la Universidad de Antioquia in Medellin, graduating in 1950, and continued to publish articles on modern art.

Botero worked for two months for a traveling theater group as a set designer, then moved to Bogota, where he met some avant-garde intellectuals and artists and was influenced by the work of such Mexican muralists as Diego Rivera, Josè Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros. Botero's large watercolor paintings, such as 1949's Donna Che Piange (The Crying Woman), are from this period. In 1951 he had his first one-man exhibition--consisting of 25 oils, drawings, watercolors, and gouaches--at the Galerias de Arte Foto-Estudio Leo Matiz. All the pieces sold, and he took the proceeds from the exhibit and moved to a small coastal town to work.

In 1952 he moved back to Bogota and mounted his second show, which earned him 7,000 pesos. He won an additional 7,000 pesos when his 1952 painting Sulla Costa (On the Coast) took second place in the IX Salon Annual de Artistas Colombianos, sponsored by the Bogota National Library. He used these funds to move to Europe and study art. He spent a year in Madrid, enrolled in the San Ferdinando Academy, and earned a living by copying paintings by Francisco de Goya, Titian, Diego Velasquez, and Tintoretto and selling them to tourists. From there he moved to Paris, where he spent a summer studying old masters at the Louvre. From 1953 to 1954 he lived in Italy, attending the San Marco Academy in Florence, where he studied fresco techniques and copied works by Andrea del Castagno and Giotto, in addition to creating his own oil paintings. He studied with Roberto Longhi, who further stimulated his enthusiasm for the Italian Renaissance.

Developed Distinctive Style

In 1955, he returned to Bogota with his new paintings, 20 of which he exhibited at the National Library. His work was harshly criticized for not having a style of its own. Few paintings sold, and Botero was compelled to work at non-artistic employment. This included an attempt to sell automobile tires and a position doing magazine layout. At the end of the year, Botero married Gloria Zea and they moved to Mexico City, where their son, Fernando, was born.

In Mexico City Botero began developing his own style. In 1956, while at work on a painting called Still Life with Mandolin, he had a revelation that would change his art. As he sketched a mandolin, he placed a small dot where a larger sound hole should have been, making the mandolin suddenly seem enormous. He began to experiment with size and proportion in his work and eventually developed his trademark style. The people and objects in his paintings were inflated, giving them presence, weight, and a round sensuality. This style, combined with his paintings' Latin American-influenced flatness, bright colors and boldly outlined shapes, made him one of the 20th Century's most recognizable artists.

Gained Worldwide Recognition

Botero's art began to gain recognition outside Latin America. In 1957 he went to New York City, where the abstract expressionist movement was thriving. On that trip, he sold most of the paintings he exhibited at the Pan-American Union in Washington, D.C. He returned to Bogota in 1958, and his daughter, Lina, was born. He became a professor of painting at the Bogota Academy of Art, a post he held for two years. By this time he was renowned as one of the country's most promising artists.

He designed a portion of the illustrations for the writer Gabriel Garcia Marquez's La Siesta del Martes, and the work also appeared in an important Colombian daily newspaper, El Tiempo. Amid some controversy, his painting Camera degli Sposi (The Bride's Chamber) won first prize in that year's Colombian salon and was exhibited the same year at the Gres Gallery in Washington, D.C. The Washington show was hugely successful, with nearly all his work selling on the first day. His work was also shown in 1958's Guggenheim International Award show in New York.

In 1959, following more exposure to abstract expressionism in the United States and a phase of personal tumult during which his marriage was dissolving, Botero's style began to change. He started painting in a monochromatic palette and using looser brushstrokes. His El Nino de Vallecas, painted in this style, was not as popular as his other work at a third Washington exhibit in October 1960. His son, Juan Carlos, was born that year, and Botero was nominated to represent Colombia at the II Mexico Biennial Exhibition.

In 1960, Botero moved to Greenwich Village in New York and began working at a feverish pace. His work, which celebrated volume and voluptuousness, received a generally tepid American response at a time when flatness was the craze, although in 1961 the Museum of Modern Art did buy his painting Monna Lisa all'età di Dodici Anni (Mona Lisa, Age 12). Despite the cool response, he kept painting work that was outside the mainstream. His 1962 exhibit at The Contemporaries Gallery in New York was harshly attacked in what Botero felt was a personal manner. In 1964, he married a second time, to Cecilia Zambrano.

Botero became fascinated by the art of the Flemish master Rubens and created a number of paintings inspired by him. By 1965, his painting had acquired greater sophistication. He began to concentrate on forms rather than individual brushstrokes, and the surfaces of objects appeared almost sculptural. His figures used subtle tones and were both monumental and plastic. He began to apply thin pastel-colored glazes to his canvases.

In 1966, Botero's work had its first European exhibition in Baden-Baden, Germany. He had begun to receive more American recognition, yet he felt at once that he was more tuned into the European sensibility. From 1966 to 1975, he divided his time among Europe, New York, and Colombia. On a visit to Germany, he became enamored of Albrecht Dürer's work, which inspired him to create a series of large charcoal drawings, "Dureroboteros," mimicking the German artist's famous paintings. He also painted works in which he interpreted the styles of Manet and Bonnard. In 1969, he mounted his first Paris exhibition and had become a full-fledged member of Europe's avant-garde by the early 1970s. His third son, Pedro, was born in New York in 1970.

During this period, Botero's painting moved beyond its focus on sensuous, sculptural, Latin forms and became harder and more sparkling, with an underlying darkness. An example from this period includes War, with its images of corpses. In 1973, he moved from New York to Paris and began to sculpt. His son, Pedro, was killed in an automobile accident in which the artist was also seriously injured, losing a finger and some motion in his right arm. Botero had painted his son repeatedly and continued to do so after the boy's death, working him into various paintings. Three years after his son's death, he dedicated a suite of galleries housed in Medellin's art museum to his son's memory. He and his second wife separated in 1975.

Sculpting and Politics

Botero devoted himself to sculpting from 1975 to 1977, putting his painting temporarily on hold. He created 25 metal sculptures that began from sketches. The subjects were huge animals (including bulls), human torsos, reclining women, and massive objects, including a gigantic coffee pot. His sculpture was exhibited at the Paris Art Fair in 1977, the year he also began to paint again (he paid homage to Velasquez in paintings depicting the Infantas--Spanish or Portuguese princesses). His work continued to be shown in galleries worldwide. In 1983 he established a workshop in an area of Tuscany renowned for its metalworks, which allowed him to spend several months each year creating his increasingly large sculptures, which weighed an average of 3,000 pounds. He also revisited bullfighting as subject matter for his painting, aspiring to become the definitive artist on the subject.

Botero became disturbed that his birthplace, Medellin, had become associated with the drug-trafficking cartel run by Colombian drug kingpin Pablo Escobar. Botero was said to be incensed that two of his paintings were discovered in Escobar's home after the druglord was killed in 1993. Despite Escobar's death, the violence continued in Medellin, and Botero was the target of a failed kidnapping in 1994.

In 1995 a guerrilla group blew up a sculpture of a dove, The Bird, that Bonero had donated to the city. The explosion occurred during a downtown street festival, and 23 people were killed while 200 others were wounded. When taking responsibility for the blast, the guerrillas called Botero a symbol of oppression. Botero cast a new dove for the plaza but insisted the remnants of the original remain so that the sculptures could represent peace and violence.

In 1996 Botero's son Fernando was convicted of accepting drug money to finance former Colombian President Ernesto Samper's campaign. Botero did not speak to his son for three years, but they later reconciled. In 2000, Botero began exhibiting paintings that reflected the violence in Colombia--images of massacres, torture, and car bombings, and one depicting Escobar's killing--a distinct departure from his usual domestic style. In a 2001 article in the Christian Science Monitor, Botero said, "Art should be an oasis, a. refuge from the hardness of life. But the Colombian drama is so out of proportion that today you can't ignore the violence, the thousands displaced and dead, the processions of coffins."

Donated Work to Colombian Museums

In 2000 Botero donated artwork valued at $200 million to two Colombian museums, the renovated Museum of Antioquia in Medellin and the cultural wing of the Banco de la Republica in Bogota. The Medellin site includes an area that was razed to create a sculpture garden, while the Bogota gift is housed in a 12-room gallery prepared for the collection. Botero's donation consisted of dozens of his own paintings and sculptures, as well as some 90 pieces from his private collection, including 14 impressionist paintings (including oils by Monet, Renoir, Degas, and Pissarro), four Picassos, and works by Dali, Miro, Chagall, Ernst, de Kooning, Klimt, Rauschenberg, Giacometti, and Calder.

Botero estimated that by the mid-1990s he had created 1,000 paintings and 100 sculptures. His work had become very popular in the 1980s and commanded high sums. In 1992 a brothel scene sold for $1.5 million at auction. His pencil and watercolor canvases have carried on his familiar themes--portrait-style images of people, brothel scenes, nudes, and still lifes. He married for a third time, to Greek sculptor Sophia Vari, and divided his time among Paris, New York City, Italy, and Colombia.

In January 2002 the French ambassador to Columbia inducted Botero into the Legion of Honor. Botero was honored by this since France had lent aid to help boost peace between Columbia's government and the Revolutionary Armed Forces of Colombia (FARC) guerrillas.

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