A história

Capital da Coluna da Antiga Geórgia



Antiga Capital da Coluna Georgiana - História

Distinguem-se por um capitel decorativo em forma de sino com volutas, duas fileiras de folhas de acanto e uma cornija elaborada. Em muitos casos, a coluna é canelada. Colunas neste estilo podem ser encontradas dentro e fora dos edifícios no Capitólio, incluindo o Capitólio dos EUA, o Edifício da Suprema Corte, o Edifício de escritórios do Senado Russel, o Edifício de escritórios da Cannon House e a Biblioteca do Congresso.

O exterior do edifício do Capitólio contém exemplos de um estilo de coluna coríntia modificado, incluindo o pórtico central da Frente Leste e a Frente Oeste. No primeiro andar da ala da Casa do Capitólio está o dramático Salão das Colunas de teto alto, que leva o nome das 28 colunas de mármore branco caneladas que alinham o corredor.

Os capitéis das colunas são uma variação da ordem coríntia, incorporando não apenas folhas clássicas de acanto, mas também cardos e plantas de tabaco nativas americanas. Os usos anteriores da vegetação americana nas capitais do edifício incluem os capitéis de espiga de milho de Benjamin Henry Latrobe em um vestíbulo do primeiro andar e seus capitéis de folha de tabaco na Pequena Rotunda do Senado.

O edifício da Suprema Corte foi projetado no estilo arquitetônico clássico de Corinto, selecionado para se harmonizar com os edifícios do Congresso nas proximidades. Sua entrada monumental, voltada para o edifício do Capitólio dos EUA, contém um pavilhão central semelhante a um templo com um pórtico monumental com 16 colunas de mármore coríntias que sustentam um entablamento e frontão elaborados.

No Cannon House Office Building e no Russel Senate Office Building, suas rotundas idênticas contêm 18 colunas coríntias que sustentam um entablamento e uma cúpula em caixotão, e cujo óculo envidraçado inunda a rotunda com luz natural.


Localização e Primeira Função do Pilar Katskhi

O Pilar Katskhi está situado em Imereti, que é uma região na parte ocidental da Geórgia. Este pilar atinge uma altura de cerca de 40 metros (131,23 pés) e tem vista para o pequeno vale do rio Katskhura. Como o Katskhi é uma característica tão proeminente na paisagem, não é surpreendente que as pessoas atribuíssem um significado especial a ele. Antes do advento do Cristianismo, por exemplo, acreditava-se que o Pilar Katskhi tinha sido usado como um local sagrado pelos pagãos, já em 2.000 anos atrás. O monólito foi pensado para representar um deus local da fertilidade e, portanto, ritos de fertilidade foram realizados lá.

Com o advento do Cristianismo, entretanto, o Pilar Katskhi adquiriu uma nova função. A coluna de calcário não estava mais associada à fertilidade. Em vez disso, passou a ser visto como uma forma de se desligar do mundo. A prática ascética de viver em um pilar / monólito tem suas origens na figura de São Simeão, o Estilita, um homem santo do século IV / V que decidiu viver no topo de um pilar. São Simeão fez isso para se afastar da sociedade e dedicar seu tempo à oração.


Características

Normalmente, uma casa de estilo federal é uma caixa quadrada ou retangular simples, com dois ou três andares de altura e dois cômodos de profundidade. Algumas casas de estilo federal foram aumentadas, modificadas com alas projetadas, dependências anexadas ou até mesmo ambos. Em algumas casas e edifícios federais, pode-se encontrar uma planta baixa curva ou poligonal elaborada, como a Octagon House em Washington, D.C. (1799) localizada na 18th Street com a New York Avenue NW. No bairro histórico de Rockville, na 103 West Montgomery Avenue, a casa Beall-Dawson é um excelente exemplo do estilo federal.

Muitos elementos de design de estilo federal são notavelmente subestimados. Por exemplo, a decoração externa em estilos e designs federais é geralmente confinada a uma varanda ou elemento de entrada. Em comparação com uma casa georgiana, as colunas e molduras da arquitetura federal são estreitas e bastante simples.

A arquitetura de estilo federal geralmente apresenta conceitos geométricos. Motivos elípticos, circulares e em forma de leque formados por linhas radiantes caneladas são decorações comuns encontradas em casas de estilo federal e edifícios de escritórios. Um dos mais antigos exemplos americanos de tais floreios está no teto da sala de jantar de Mount Vernon. Executado em gesso, o desenho federal contém uma orla ornamental rinceau enfeitada com palha de milho e uma roseta central.

Materiais

Não surpreendentemente, os materiais de construção na arquitetura de estilo federal variam com a localização. As casas do Nordeste eram tipicamente feitas de madeira, enquanto as casas do Sul eram freqüentemente feitas de tijolos, como a maioria das casas de estilo federal no norte urbano, onde a proteção contra fogo era muito desejada.

Os telhados de quadril cobertos por uma balaustrada e formas de empena simples (como aquelas em várias residências federais em Washington, D.C.) e até mesmo telhados com uma empena central coroada por um frontão de fachada frontal estão entre os estilos de telhado federais mais populares. A Friendship House, localizada na South Carolina Avenue SE no Capitol Hill (c. 1795), é um exemplo de frontão de fachada frontal.

Dormers costumam perfurar o telhado para trazer luz e espaço para o sótão. The Carberry House (1803) em 421½ Sixth Street S.E. na área do Capitólio de Washington, D.C. é um exemplo particularmente bom.

Janelas

As janelas nunca são agrupadas em uma casa de estilo federal, mas são organizadas individualmente em simetria horizontal e vertical estrita. Normalmente, as janelas da frente em uma casa de estilo federal têm cinco classificações, embora haja exemplos de três e sete janelas. As janelas de estilo palladiano são frequentemente usadas em frontões como um toque arquitetônico. As janelas são quase invariavelmente compostas de caixilhos de madeira com duas penduradas, com o caixilho superior mantido no lugar por pinos de metal (contrapesos ainda não haviam sido inventados). Muntins de madeira finos dividem a janela em pequenas luzes (painéis). Antes da Guerra Revolucionária, a luz padrão era 6 "x 8", mas conforme as tecnologias de envidraçamento melhoraram, o tamanho aumentou para 8 "x 13". Geralmente, as janelas apresentam seis sobre seis luzes, embora nove sobre nove e outras configurações também possam ser encontradas em várias casas de estilo federal.

Entrada

Adequando-se à sua importância, especialmente quando o centro de uma fachada estritamente simétrica, a porta da frente de uma casa federal é geralmente a parte mais decorada do exterior da casa. Nessa pontuação, uma luz em forma de leque semicircular ou elíptica acima da porta com ou sem luzes laterais de flanco é um dispositivo favorito usado na arquitetura federal.

O entorno de uma porta também pode incluir molduras ornamentadas ou uma pequena varanda de entrada. Alguns designers de estilo federal costumam realçar o drama da entrada frontal com linhas curvilíneas, corrimãos da escada frontal, varandas de ferro e até fachadas curvas. Molduras decorativas, como dentilos em forma de dente, são freqüentemente usadas para enfatizar cornijas no design federal.


A ordem coríntia

Capital coríntia

A ordem coríntia

Para garantir que os edifícios ecoassem um senso de estilo coeso, os gregos criaram três pedidos de arquitetura, grupos de elementos de design feitos para combinarem na decoração externa de um edifício & # 8217. Todos os pedidos incluíam tipos específicos de colunas, capitéis e decorações. As três ordens arquitetônicas gregas eram dóricas, que era o jônico mais simples, que era um pouco mais decorativo e a ordem coríntia grega.


Colunas coríntias em um edifício de estilo neoclássico (Correios dos EUA na Broadway) na cidade de Nova York

As proporções das ordens foram formadas nas do corpo humano. o Corinthian, junto com o Composite, é o mais ornamentado dos pedidos. Este estilo arquitetônico é caracterizado por colunas estriadas delgadas e capitulares elaborados decorados com folhas de acanto e volutas. Como acontece com outros estilos clássicos, o tipo de construção pode requerer modificações no cânone do próprio estilo.

Templo de Vesta, em Roma. Possui 20 colunas coríntias externas sobre um pódio de tufo de 5 degraus de 360 ​​graus.

Características de estilo

o características mais importantes da ordem coríntia são:

· A capital suspensa, que é esculpida com duas filas escalonadas de folhas estilizadas de acanto e quatro pergaminhos.

· O eixo tem vinte e quatro flautas de gume afiado, enquanto a coluna é dez diâmetros de altura. Em suas proporções, a coluna de Corinto é comparável ao Coluna iônica, embora seja mais delgado e se destaque por seu capital esculpido distinto.

· O ábaco sobre a capital tem lados côncavos que se conformam com os cantos da capital, e pode ter um roseta no meio de cada lado.

Estrutura de uma coluna coríntia

Esta Ordem sempre esteve relacionada com a Beleza. Como um todo, foi desenvolvido pelos romanos em uma expressão da maior mostra arquitetônica . Vitrúvio descreveu a coluna de Corinto como uma imitação da esbeltez de uma donzela. O edifício mais antigo conhecido projetado de acordo com esta ordem é o Monumento Corágico de Lysicrates em Atenas.

Uma reprodução do Monumento Corágico de Lisícrates, Sidney

O significado das folhas de acanto

As folhas de acanto também foram adotadas na arquitetura cristã, nas capitais galo-romanas, e nos monumentos sepulcrais, para simbolizar a Ressurreição, evidente na arte românica porque a ordem coríntia era utilizada principalmente para capitéis no coro de uma igreja, foram guardava as relíquias dos santos a quem a ressurreição foi e é prometida, muitas vezes com um número simbólico de folhas ou botões de flores.

Uma figura capital coríntia de uma coluna da decoração interior da cela do templo da Concórdia


Características

A arquitetura clássica valorizava conceitos como ousadia, humildade e intelecto. Esses valores ajudam a definir os componentes individuais que podem ser encontrados em vários estilos arquitetônicos clássicos. Alguns desses elementos-chave incluem o seguinte.

  • Simetria e proporções. Os edifícios clássicos são geralmente simétricos e têm elementos como colunas e janelas que são uniformemente espaçados.
  • Colunas em um estilo (ou ordem) específico. Essas ordens clássicas podem ser dóricas, jônicas ou coríntias para a arquitetura grega. Os romanos também tinham ordens toscanas e compostas.
  • Alpendre frontal rematado por frontão. Muitas casas e edifícios apresentam uma varanda frontal de altura total que é definida com um frontão clássico no topo. A porta geralmente é posicionada no centro da casa.
  • Materiais de construção duráveis. A arquitetura clássica incorpora materiais como mármore, concreto e tijolo.
  • Motivos de design clássico. As casas geralmente têm moldagem dentária, telhados de inclinação média, beirais em caixa, bordas decorativas de portas e frontões quebrados sobre a porta de entrada.
  • Janelas retangulares. As janelas costumavam ser duplamente suspensas e incluíam uma variedade de configurações de janela simétricas.

História da Arquitetura (3.000 aC - presente) Evolução do Design de Edifícios


Basílica de São Pedro, Roma, mostrando
A fachada de Maderno e o adaptado
Dome, originalmente projetado por
Michelangelo. Estilo renascentista.


Taj Mahal, Índia (1632-54)
Um excelente exemplo de Mughal
(Mogul) arquitetura.

RECURSOS
Para termos arquitetônicos, consulte:
Glossário de arquitetura.
Para ver como a arquitetura se encaixa
na evolução das artes plásticas,
veja :: História da Arte.

Relação entre Arquitetura e Arte

Desde a Antiguidade, a arquitetura - a arte de projetar e construir edifícios - sempre esteve intimamente ligada à história da arte, por pelo menos três razões. Em primeiro lugar, muitas obras públicas (especialmente edifícios religiosos) foram projetados com a estética em mente, bem como a funcionalidade. Eles foram construídos para inspirar e também para servir a uma função pública. Como resultado, eles envolveram os serviços de uma ampla gama de 'artistas' e artesãos decorativos, bem como de operários. Em segundo lugar, em muitos desses edifícios, os exteriores e interiores serviram como vitrines para pinturas de belas artes (por exemplo, Capela Sistina), frisos e esculturas em relevo (por exemplo, O Partenon, catedrais góticas europeias), arte com vitrais (por exemplo, Catedral de Chartres) , e outras obras de arte como mosaicos e trabalhos em metal. Em terceiro lugar, os programas de construção pública normalmente andavam de mãos dadas com o desenvolvimento das artes visuais, e a maioria dos principais movimentos das "artes" (por exemplo, Renascença, Barroco, Rococó, Neoclássico) influenciaram tanto a arquitetura quanto as artes plásticas.

A arquitetura inicial tinha duas funções principais: (1) consolidar segurança e poder (2) agradar aos deuses. Quanto mais rica a sociedade, mais importantes se tornam essas funções. Veja também: História da Arte: Linha do tempo.

Arquitetura egípcia

A primeira grande civilização a surgir em torno da bacia do Mediterrâneo foi a do Egito (c.3100-2040 aC). Além de sua própria linguagem escrita, religião e classe dominante dinástica, desenvolveu um estilo único de arquitetura egípcia, em grande parte consistindo em enormes câmaras mortuárias em forma de pirâmides (em Gizé) e tumbas subterrâneas (no desolado Vale dos Reis, Luxor). O design era monumental, mas não arquitetonicamente complexo, e empregava postes e lintéis, em vez de arcos, embora a perícia egípcia em pedra tivesse uma forte influência na arquitetura grega posterior. Exemplos famosos de arquitetura piramidal egípcia incluem: A Pirâmide Escalonada de Djoser (c.2630 AC) projetada por Imhotep - um dos maiores arquitetos do mundo antigo - e A Grande Pirâmide de Gizé (c.2550 AC), também chamada de Pirâmide de Khufu ou 'Pirâmide de Quéops' - a mais antiga das Sete Maravilhas do Mundo, conforme compilado por Antípatro de Sídon (170-120 aC). Mais tarde, durante os Reinos Médio e Superior (c.2040-300 CE), os egípcios construíram uma série de palácios em Karnak (por exemplo, Templo de Amon, 1530 AEC em diante). Essas estruturas foram adornadas com uma ampla variedade de obras de arte - poucas das quais sobreviveram - incluindo murais, pinturas em painel, esculturas e trabalhos em metal, representando vários deuses, divindades, governantes e animais simbólicos no estilo de arte hierático egípcio único, juntamente com inscrições hieroglíficas . Para obter detalhes mais específicos, consulte: Arquitetura egípcia antiga (3100-2181) Arquitetura do Império Médio egípcio (2055-1650) Arquitetura do Novo Império egípcio (1550-1069) Arquitetura egípcia tardia (1069 aC - 200 dC).

Para uma comparação com a arquitetura da pirâmide das primeiras Américas, consulte: Arte Pré-colombiana (c.1200 aC - 1535 dC).

Arquitetura Suméria

Enquanto isso, na Mesopotâmia e na Pérsia (c.3200-323 aC), a civilização suméria estava desenvolvendo sua própria construção única - um tipo de pirâmide escalonada chamada zigurate. Mas, em contraste com as pirâmides dos faraós egípcios, os zigurates não foram construídos como tumbas, mas como montanhas feitas pelo homem para aproximar os governantes sumérios e o povo de seus deuses, que supostamente moravam no alto das montanhas ao leste. Os zigurates eram construídos com tijolos de argila, geralmente com acabamento em esmaltes coloridos. Para obter mais detalhes, consulte: Arte Suméria (c.4500-2270 AC). Para outras culturas do antigo Iraque, consulte: arte assíria (c.1500-612 aC) e arte hitita (c.1600-1180 aC). Para uma visão geral, consulte: Arte mesopotâmica (c.4500-539). Consulte também: Linha do tempo da arte pré-histórica.

Arquitetura irlandesa primitiva

No final da Idade da Pedra, megálitos cerimoniais (estruturas construídas com grandes pedras), como a tumba megalítica de Knowth (c.3300 aC) e a tumba da passagem de Newgrange, começaram a aparecer no norte da Europa (esta forma de arte megalítica é exemplificada pelo Stonehenge círculo de pedra.) Quer sejam dispostas verticalmente ao ar livre ou enterradas e cobertas para formar um 'dolmen', essas pesadas estruturas de pedra são consideradas pela maioria dos arqueólogos como tendo uma função religiosa ou ritualística e, em alguns casos, o alinhamento de suas pedras revela um conhecimento sofisticado de astronomia. As complexas gravuras descobertas em Newgrange marcam o início das artes visuais na Irlanda. Para obter mais informações sobre edifícios antigos e medievais, consulte Monumentos arquitetônicos da Irlanda. Para os tipos mais antigos de locais históricos, consulte Monumentos Arqueológicos da Irlanda.

A primeira arte europeia da Antiguidade Clássica foi criada pelos Minoanos, com base na ilha de Creta. A arquitetura minóica utilizou uma mistura de pedra, tijolo de barro e gesso para construir palácios elaborados (por exemplo, Palácio de Knossos c.1700-1400 aC), bem como câmaras mortuárias com cúpula (tholos) escondidas nas colinas. Muitos desses edifícios foram decorados com murais coloridos e pinturas a fresco, representando símbolos animais mitológicos (por exemplo, o touro) e eventos. Infelizmente, a maioria da arquitetura minóica foi destruída por terremotos por volta de 1200 aC. Creta foi então tomada pelos micênicos da Grécia continental, de onde uma cultura e civilização gregas unificadas emergiram alguns séculos depois.

A história da arte e da arquitetura na Grécia Antiga é dividida em três eras básicas: o Período Arcaico (c.600-500 AC), o Período Clássico (c.500-323 AC) e o Período Helenístico (c.323-27 AC ) [Veja também: arte do Egeu.] Por volta de 600 aC, inspirados pela teoria e prática de pedreiros e construtores egípcios anteriores, os gregos começaram a substituir as estruturas de madeira de seus prédios públicos por estruturas de pedra - um processo conhecido como 'petrificação'. Calcário e mármore foram usados ​​para colunas e paredes, enquanto terracota foi usada para telhas e ornamentos. A decoração era feita em metal, como bronze.

Como pintores e escultores, os arquitetos gregos não desfrutaram de nada do status aprimorado concedido a seus sucessores. Eles não eram vistos como artistas, mas como comerciantes. Assim, nenhum nome de arquiteto é conhecido antes do século 5 aC. Os tipos mais comuns de edifícios públicos foram templos, estruturas municipais, teatros e estádios esportivos.

Métodos arquitetônicos da Grécia Antiga

Arquitetura grega utilizou técnicas simples de construção de post-and-lintel. Não foi até a época romana que o arco foi desenvolvido para abranger distâncias maiores. Como resultado, os arquitetos gregos foram forçados a empregar muito mais colunas de pedra para suportar vigas horizontais curtas acima. Além disso, eles não poderiam construir edifícios com grandes espaços internos, sem ter filas de colunas de suporte internas. O formato de construção padrão, usado em edifícios públicos como o Hephaesteum em Atenas, empregava grandes blocos de calcário ou uma pedra leve porosa conhecida como tufo. O mármore, por ser mais raro e valioso, era reservado para decoração escultórica, exceto nos edifícios mais grandiosos, como o Partenon da Acrópole.

Projeto de construção grega

O projeto de construção retangular típico era frequentemente cercado por colunas em todos os quatro lados (por exemplo, o Partenon) ou, mais raramente, na parte frontal e traseira apenas (por exemplo, o Templo de Atenas Nike). Os telhados foram colocados com vigas de madeira cobertas por telhas de terracota, e não eram abobadados. Os frontões (a forma triangular achatada em cada extremidade de empena do edifício) eram geralmente preenchidos com decoração escultórica ou frisos, assim como a fileira de lintéis ao longo do topo de cada parede lateral, entre o telhado e o topo das colunas. No final dos séculos IV e V aC, os arquitetos gregos começaram a se afastar do plano estritamente retangular dos templos tradicionais em favor de uma estrutura circular (os tholos), embelezada com mármore preto para destacar certos elementos arquitetônicos e fornecer ricos contrastes de cores.

Esses edifícios foram adornados com uma grande variedade de esculturas gregas - obras pedimentais, frisos, relevos e vários tipos de estátuas autônomas - de natureza figurativa, representando heróis mitológicos e eventos da história e cultura gregas.

Princípios da Arquitetura Grega: Ordens Clássicas

A teoria da arquitetura grega - indiscutivelmente a forma mais influente da arte clássica grega - foi baseada em um sistema de 'Ordens Clássicas' - regras para o projeto de construção com base nas proporções de e entre as partes individuais. Isso resultou em uma consistência de aparência esteticamente agradável, independentemente do tamanho ou dos materiais usados. Havia três ordens na arquitetura grega inicial: a Dórico, Iônico e Corinthian. O estilo dórico era comum na Grécia continental e mais tarde se espalhou para as colônias gregas na Itália. O estilo jônico foi empregado nas cidades de Jônia ao longo da costa oeste da Turquia e em outras ilhas do Egeu. Enquanto o estilo dórico era formal e austero, o jônico era menos contido e mais decorativo. O terceiro estilo, Corinthian, veio depois e representou um desenvolvimento mais ornamentado da ordem jônica. As diferenças entre esses estilos são mais claramente visíveis na proporção entre o diâmetro da base e a altura de suas colunas. A arquitetura dórica (exemplificada por estruturas gregas, como o Partenon e o Templo de Hefesto em Atenas) era mais popular durante a era clássica, enquanto o estilo jônico ganhou vantagem durante o período mais descontraído da arte helenística (c.323-30 aC )

Edifícios famosos da Grécia Antiga

Exemplos famosos da arquitetura grega antiga incluem: o complexo da Acrópole (550-404 aC), incluindo o Partenon (447-422 aC), os Templos de Paestum (550 aC em diante), o Templo de Zeus em Olímpia (468-456 aC), o Templo de Hefesto (c.449 AC), o Templo de Atenas Nike (427 AC), o Teatro em Delfos (c.400 AC), o Templo Tholos de Atena Pronaia (380-360 AC) e o Altar de Pérgamo de Zeus (c.166-156 AC). Veja também: Escultura da Grécia Antiga.

Ao contrário dos gregos mais criativos e intelectuais, os romanos eram pessoas essencialmente práticas, com talento para engenharia, construção e assuntos militares. Em sua arquitetura, como em sua arte, eles emprestaram muito dos etruscos (por exemplo, no uso da hidráulica para limpeza de pântanos e na construção de arcos) e também dos gregos, que consideravam seus superiores em todos os aspectos visuais artes. No entanto, sem a arte romana - com seu gênio para copiar e adaptar estilos gregos - a maioria das realizações artísticas da antiguidade grega teria sido perdida.

Prioridades arquitetônicas da Roma Antiga

Arquitetura romana atendia às necessidades do estado romano, que desejava impressionar, entreter e atender a uma população crescente em áreas urbanas relativamente confinadas. A drenagem era um problema comum, assim como a segurança. Isso, junto com o desejo crescente de Roma de aumentar seu poder e majestade em toda a Itália e além, exigia que os edifícios públicos fossem imponentes, em grande escala e altamente funcionais. Isso é exemplificado pelas realizações arquitetônicas romanas em sistemas de drenagem, aquedutos (por exemplo, o aqueduto em Segóvia, 100 dC, e mais de 11 aquedutos na própria cidade de Roma, como Aqua Claudia e Anio Novus), pontes (por exemplo, a Pont du Gard) estradas, estruturas municipais como banhos públicos (por exemplo, os Banhos de Caracalla e os Banhos de Diocleciano), instalações esportivas e anfiteatros (por exemplo, o Coliseu 72-80 CE), até mesmo sistemas de aquecimento central. Vários templos e teatros também foram construídos. Mais tarde, com a expansão do império, os arquitetos romanos aproveitaram a oportunidade para criar novas cidades do zero, projetando planos de grade urbanos baseados em duas ruas largas - um eixo norte-sul (o cardo) e um eixo leste-oeste (o decumanus) . O centro da cidade estava localizado no cruzamento das duas estradas. Eles também construíram para cima, por exemplo, Ostia, uma rica cidade portuária perto de Roma, ostentava vários blocos de apartamentos de 5 andares.

Avanços arquitetônicos: arcos e concreto

A arquitetura romana foi auxiliada por grandes avanços em design e novos materiais. O design foi aprimorado por meio de desenvolvimentos arquitetônicos na construção de arcos e cúpulas de telhado. Os arcos melhoraram a eficiência e a capacidade de pontes e aquedutos (menos colunas de suporte foram necessárias para sustentar a estrutura), enquanto os telhados abobadados não só permitiam a construção de áreas abertas maiores sob a cobertura, mas também emprestavam ao exterior uma aparência impressionante de grandeza e majestade, como em várias basílicas seculares e cristãs importantes, como o Panteão.

Os desenvolvimentos nos materiais também foram cruciais, conforme narrado pelo arquiteto romano Vitrúvio (c.78-10 aC) em seu livro De Architectura. Isso é exemplificado pela invenção romana do concreto (opus cementicium), uma mistura de argamassa de cal, areia, água e pedras, no século III aC. Este substituto excepcionalmente forte e conveniente para a pedra revolucionou a engenharia e a arquitetura romanas. À medida que o concreto revestido de azulejos começou a substituir o mármore como principal material de construção, os arquitetos puderam ser mais ousados. Os edifícios foram liberados do plano de projeto grego retangular (com seus telhados não resolvidos e linhas de pilares sustentando arquitraves planas) e tornaram-se menos geométricos e mais fluidos.

Como seus predecessores egípcios e gregos, os arquitetos da Roma antiga embelezaram seus prédios públicos com uma ampla variedade de obras de arte, incluindo: escultura romana (especialmente relevos, estátuas e bustos do imperador), murais com afrescos e mosaicos.

Edifícios famosos da Roma Antiga

Duas das maiores estruturas da Roma Antiga eram o Coliseu (o anfiteatro Flaviano elíptico no centro de Roma) e a Coluna de Trajano (um monumento ao Imperador Trajano). Situado a leste do Fórum Romano, o Coliseu levou 8 anos para ser construído, tinha capacidade para 50.000 espectadores. Historiadores e arqueólogos estimam que impressionantes 500.000 pessoas e mais de 1 milhão de animais selvagens morreram nos 'jogos' no Coliseu. A Coluna de Trajano, localizada perto do Monte Quirinal, ao norte do Fórum Romano, foi concluída em 113 EC. É conhecido pela sua escultura em baixo-relevo magnífica e altamente detalhada, que circunda o eixo do monumento 23 vezes e narra a vitória de Trajano nas Guerras Dacianas. O poço em si é feito de 20 enormes blocos de mármore de Carrara, cada um pesando cerca de 40 toneladas. Tem cerca de 30 metros de altura e 4 metros de largura. Um monumento romano menor, mas não menos importante, foi o Ara Pacis Augustae (13-9 AEC).

Impacto da política e da religião na arquitetura romana

Em 330 EC, mais ou menos na época em que a Basílica de São Pedro foi concluída, o imperador romano Constantino I declarou que a cidade de Bizâncio (mais tarde renomeada como Constantinopla, agora Istambul na Turquia), seria a capital do Império Romano. Mais tarde, em 395 dC, após a morte do imperador Teodósio, o império foi dividido em duas partes: uma metade ocidental baseada primeiro em Roma até ser saqueada no século 5 dC, depois Ravenna (veja os mosaicos de Ravenna) e uma metade oriental baseada na cidade mais segura de Constantinopla. Além disso, o Cristianismo (anteriormente uma seita minoritária) foi declarado a única religião oficial em todo o império. Esses desenvolvimentos gêmeos impactaram a arquitetura de duas maneiras: primeiro, a mudança para Constantinopla ajudou a preservar e prolongar a cultura romana, que de outra forma poderia ter sido destruída pelos invasores bárbaros da Itália; segundo, o surgimento do cristianismo proporcionou o que se tornou o tema dominante da arquitetura e as artes visuais pelos próximos 1.200 anos.

Arquitetura Bizantina (330-554 CE)

Arquitetos bizantinos - incluindo vários italianos que se mudaram para a nova capital da Itália - continuaram a tradição de fluxo livre da arquitetura romana, construindo uma série de igrejas magníficas e edifícios religiosos, durante a era da arte cristã primitiva, como: a Igreja de Chora (c.333) a Hagia Irene (c.360) e a Igreja de São Sérgio e Baco, todas em Istambul a Igreja de Santa Sofia em Sofia, Bulgária (527-65), a impressionante Hagia Sofia (532-37 ) que substituiu a saqueada Catedral de Constantinopla e a Igreja de Hagia Sophia em Thessaloniki. Grandes edifícios seculares incluem: o Grande Palácio de Constantinopla e a Cisterna da Basílica.

Novas técnicas arquitetônicas incluíram o uso de seções triangulares côncavas de alvenaria, conhecidas como pendentes, a fim de transportar o peso da cúpula do teto para os pilares dos cantos. Isso levou à construção de cúpulas maiores e mais magníficas, e maior espaço aberto no interior do edifício, como exemplificado na Hagia Sophia. Novos métodos decorativos incluíram a introdução de mosaicos deslumbrantes feitos de vidro, em vez de pedra usada pelos romanos. Os interiores das igrejas também eram ricamente decorados com arte bizantina, como douramento, murais e esculturas em relevo - mas não estátuas, pois não eram veneradas como ícones.

Uso de ícones na arquitetura religiosa bizantina

Na tradição bizantina ou ortodoxa oriental da arte cristã, apenas imagens planas ou esculturas em baixo relevo são permitidas na arte religiosa. Essa tradição cultural sustentava que as representações tridimensionais glorificavam o aspecto humano da carne em vez da natureza divina do espírito, portanto, se opunha às imagens religiosas tridimensionais. (Os cristãos romanos não adotaram essas proibições, portanto, ainda temos escultura religiosa na arquitetura católica e protestante.) Como era, o estilo bizantino de iconografia se desenvolveu de maneira altamente estilizada e teve como objetivo apresentar teologia complexa de uma forma muito simples , possibilitando educar e inspirar até analfabetos. Por exemplo, a cor era muito importante: o ouro representava o brilho do vermelho do céu, o azul da vida divina era a cor da vida humana, o branco era a essência incriada de Deus, usada por exemplo na pintura do ícone do Ressurreição de cristo. Normalmente, Jesus usa uma roupa de baixo vermelha com uma roupa externa azul (significando Deus se tornando humano), enquanto Maria usa uma roupa de baixo azul com uma roupa externa vermelha (significando que os humanos podem realmente alcançar Deus). Para mais informações, consulte: Arte Cristã (Período Bizantino).

Após o período inicial da arquitetura bizantina (c.300-600), que foi em grande parte uma continuação da arquitetura romana, veio o Período Médio (c.600-1100), notável apenas pela popularidade do tipo de cruz em quadrado projeto arquitetônico da igreja (exemplos incluem o mosteiro de Hosios Lukas na Grécia (c.1000), e o mosteiro Daphni perto de Atenas (c.1050). Depois disso, vieram os períodos Comneniano e Paleólogo (c.1100-1450), conhecidos apenas pelos raros realizações como Elmali Kilise e outros santuários rochosos da Capadócia, as Igrejas de Pantokrator e de Theotokos Kyriotissa em Constantinopla.

À medida que o Império Romano do Oriente continuou, a arquitetura bizantina tornou-se gradualmente mais influenciada pelas tradições orientais de construção e decoração. Os edifícios aumentaram em complexidade geométrica, enquanto o tijolo e o gesso foram empregados, além da pedra, para fins decorativos, como os padrões externos em zigue-zague. As 'Ordens Clássicas' ou estilos anteriores eram interpretados com mais liberdade e as janelas filtravam a luz através de finas folhas de alabastro para criar uma iluminação mais suave. Os dois planos básicos de projeto eram o tipo basílico ou axial (por exemplo, a basílica no Santo Sepulcro, em Jerusalém) e o tipo circular ou central (por exemplo, a grande igreja octogonal em Antioquia).

Legado arquitetônico bizantino

No Ocidente, os designs bizantinos influenciaram o renascimento artístico europeu na forma da Arte Carolíngia (750-900) e da Arte Otoniana (900-1050), que levou à arquitetura românica e gótica. No Oriente, continuou a exercer uma influência significativa na arte e arquitetura islâmica primitiva, como exemplificado pela Grande Mesquita Umayyad de Damasco e a Cúpula da Rocha em Jerusalém, enquanto na Bulgária, Rússia, Sérvia, Geórgia, Ucrânia e outros ortodoxos países, durou ainda mais.

The term Romanesque architecture is sometimes used to cover all immediate derivations of Roman architecture in the West, following the collapse of Rome until the flowering of the Gothic style in about 1200. More usually however, it denotes a distinctive style that emerged almost simultaneously in France, Germany, Italy and Spain (the latter also influenced by Moorish designs) in the 11th century. It is characterized most obviously by a new massiveness of scale, inspired by the greater economic and political stability that arrived after centuries of turmoil.

Charlemagne I and Otto I

The Romanesque revival of medieval Christian art began with Charlemagne I, King of the Franks, who was crowned Holy Roman Emperor in St. Peter's Rome, by Pope Leo III in 800. Famous for his Carolingian art, curiously, his major architectural achievement - the Palatine Chapel in Aachen (c.800) - was not inspired by St Peter's or other churches in Rome, but by the octagonal Byzantine-style Basilica of San Vitale in Ravenna. See also Medieval Sculpture.

Unfortunately, the Carolingian empire rapidly dissolved, but Charlemagne's patronage of architecture and the arts to promote Christianity, marked a vital first step in the re-emergence of a European-wide culture. Moreover, many of the Romanesque and Gothic churches and monasteries were built on the foundations of Carolingian architecture. Charlemagne's pre-Romanesque architectural efforts were later continued by Otto 1 (Holy Roman Emperor 936-73), in a style known as Ottonian Art, which gave way to the fully fledged 'Romanesque.' (Note: the Romanesque style in England and Ireland is commonly referred to as Norman architecture.)

Christianity continued to be the dominant driving force for most significant building works. The flowering of the Romanesque style in the 11th century coincided with the reassertiveness of Rome, as the capital of Christianity, and its influence upon secular authorities led to the Christian re-conquest of Spain (began 1031) and the Crusades to free the Holy Land from Islamic control. The acquisition of Holy Relics by the Crusaders, together with the fervour aroused by their campaigns, triggered the construction of a wave of new churches and cathedrals across Europe. In Italy, they include the Cathedral of Pisa with its famous leaning campanile (bell tower), Modena Cathedral and Parma Cathedral, as well as famous churches like the Santa Maria (Rome), the Baptistery (Florence), and San Zeno Maggiore (Verona). In France, they include Laon Cathedral (among others), and the abbeys of Cluny, Aux Dames (Caen) and Les Hommes (Mont Saint-Michel). In England, they include 26 out of 27 ancient Cathedrals, such as Winchester, Ely and Durham. In Germany, they include Augsburg and Worms Cathedrals (among others) and the abbeys of Mainz, Worms, Speyer and Bamberg. (See German Medieval Art.) In addition to its influence over international politics, the Roman Church also exercised growing power through its network of Bishops and its close association with Monastic orders such as the Benedictines, the Cistercians, Carthusians and Augustinian Canons. From these monasteries, Bishops and Abbots exercised a growing administrative power over the local population, and devoted huge resources to religious works, including illuminated gospel manuscripts, cultural scholarship, metalwork, sculpture and church building. This is exemplified by the powerful Benedictine monastery at Cluny in Burgundy, whose abbey church typified the Romanesque style of architecture and became the largest building in Europe until the Renaissance.

Features of Romanesque Architecture

Although they relied on several design features from Greek and Roman Antiquity, Romanesque architects had neither the imagination of the Greeks, nor the engineering ability of the Romans. For example, Roman building techniques in brick and stone were largely lost in most parts of Europe. In general, the style employed thick walls, round arches, piers, columnsgroin vaults, narrow slit-windows, large towers and decorative arcading. The basic load of the building was carried not its arches or columns but by its massive walls. And its roofs, vaults and buttresses were relatively primitive in comparison with later styles. Interiors were heavy with stone, had dim lighting and - compared with later Gothic styles - simple unadorned lines. Romanesque churches tended to follow a clearly defined form, and are recognizable throughout Europe. Only rarely did one see traces of Byzantine or Eastern influence, except along trade routes. A notable example is the domed St Mark's Basilica in Venice.

Despite its relative simplicity of style, Romanesque architecture did reinstigate two important forms of fine art: sculpture (which had largely disappeared since the fall of Rome) and stained glass. But given the size of windows in Romanesque style buildings, the latter remained a relatively minor element in Medieval art until the advent of Gothic designs. See also: Romanesque Sculpture.

Romanesque Revival architecture was a 19th century style championed by architects like the Louisiana-born Henry Hobson Richardson (1838-86), who was responsible for "Richardsonian Romanesque", as exemplified by the Marshall Field Wholesale Store (1885-87), in Chicago.

NOTE: For a comparison with Eastern designs of the same period, see: the 11th century Kandariya Mahadeva Hindu Temple (1017-29) in India and the 12th century Angkor Wat Khmer Temple (1115-45) in Cambodia.

The term 'Gothic' denotes a style of architecture and art that superceded Romanesque, from the mid-12th century to the mid-15th century. Coined originally as a term of abuse by Italian Renaissance artists and others like Christopher Wren, to describe the type of Medieval architecture they considered barbaric, as if to suggest it was created by Gothic tribes who had destroyed classical art of Antiquity, the Gothic art style is characterized by the use of pointed arches, thinner walls, ribbed vaults, flying buttresses, huge stained glass windows and elaborate tracery. Think of it as a sort of finer, more vertical, more detailed, brighter, more exciting and more inspirational form of Romanesque. The Gothic style as applied to cathedrals is usually divided into two variations: Rayonnant Gothic Architecture (c.1200-1350) and Flamboyant Gothic Architecture (1375-1500). Modern critics like John Ruskin had a high opinion of the Gothic style. For more, see: Gothic Architecture. See also: Gothic Sculpture.

The 12th century was a period of growth in trade and urban development throughout Europe. This inceasing prosperity, together with advances in science and geometry, plus new ideas about how cathedrals could be built in order to inspire religious devotion among the masses, were all important factors in the development of gothic architecture. Although the new style was closely associated with the promotion of religion, and although much of the gothic building program was financed by monastic orders and local bishops, it was not a religious architectural movement. In a way, Christianity was a product brand used by secular authorities, to compete for prestige and influence. As a result, Kings and lesser administrators saw cathedrals as major civic and commercial assets, and supported their construction accordingly.

Key Feature of Gothic Architecture

The principal feature of the Gothic style is the pointed arch, believed by many experts to originate in Assyrian, and later, Islamic architecture. This feature, which channeled the weight of the ceiling onto weight-bearing piers or columns at a much steeper angle than was previously possible with the Romanesque 'rounded' arches, permitted architects to raise vaults much higher and thus create the impression of 'reaching towards heaven'. It also led to the adoption of numerous other features. Instead of massively thick walls, small windows and dim interiors, the new Gothic buildings had thin walls, often supported by flying buttresses, and huge stained glass windows, as exemplified by Sainte Chapelle (1241-48) in Paris. The soaring ceilings and brighter light revolutionized ecclesistical design by tranforming the interior of many cathedrals into inspirational sanctuaries. (See also: Stained Glass Art: Materials and Methods.)

The Gothic Cathedral - A Mini-Universe

In keeping with the new and more confident philosophy of the age, the Gothic cathedral was seen by architects and churchmen as representing the universe in miniature. Each element of the building's design was intended to convey a theological message: the awesome glory of God. Thus the logical and ordered nature of the structure reflected the clarity and rationality of God's universe, while the sculptures, stained glass windows and murals illustrated the moral messages of the Bible.

The Church of Saint-Denis (c.1137-41)

The building which marks the real beginning of the Gothic era was the Abbey Church of Saint-Denis, near Paris. Begun under the direction of Abbot Suger, friend of the French Kings, Louis VI and Louis VII, the church was the first structure to use and unify all of the elements that define Gothic as an architectural style. Although pointed arches, column clusters and cross-rib vaulting had all been used before, it wasn't until Saint-Denis that these features came together in a coherent whole, and the building became a sort of prototype for more churches and cathedrals in the region known as the Ile de France. In due course, the style spread throughout France, England, the Low Countries, Germany, Spain and Italy. (See also: English Gothic Sculpture and German Gothic Sculpture.)

Examples of Ecclesiastical Gothic Architecture

Although used in the design and construction of palaces, castles, municipal town halls, guild halls, abbeys and universities, the Gothic style is best exemplified by the Gothic cathedrals of Northern France. The greatest examples include: Notre-Dame Cathedral Paris (1163-1345) Reims Cathedral (1211-1275) Chartres Cathedral (1194-1250) and Amiens Cathedral (1220-1270) (in Germany) Cologne Cathedral (1248-1880) (in Austria) St Stephen's Cathedral Vienna (in Spain) the cathedrals of Burgos, Toledo and Leon (in Italy) Florence, Milan and Siena while English Gothic architecture is best represented by Westminster Abbey, York Minster and the cathedrals of Salisbury, Exeter, Winchester, Canterbury and Lincoln.

Renaissance-Style Architecture (1400-1620)

Financed by commercial prosperity and competition between city-states, such as Florence, Rome and Venice, as well as rich families like the Medici banking dynasty in Florence and the Fuggers banking family in Germany, the Renaissance was neverthess a triumph of will over world events. Not long before, there had been a run of disastrous European harvests (1315-19) the Black Death plague (1346) which wiped out one third of the European population the 100 Years War between England and France (1339-1439), and the Christian Church was polarized by schism. Hardly ideal conditions for the rebirth or rinacimento que se seguiu. As it was, the 16th century Popes in Rome almost bankrupted the Church in the early 16th century due to their profligate financing of fine buildings and the visual arts.

Renaissance architecture was catalyzed by the rediscovery of architectural styles and theories of Ancient Rome. The first depictions of this Classical architecture emerged in Italy during the early 15th century when a copy of De Architectura ("Ten Books Conerning Architecture") by the 1st century Roman architect Vitruvius, was sudddenly unearthed in Rome. At the same time, the Florentine architect and artist Filippo Brunellesci (1377-1446) had begun studying ancient Roman designs, and was convinced that ideal building proportions could be ascertained from mathematical and geometrical principles. It was Brunellesci's magnificent 1418 design for the dome of the Florence Cathedral (1420-36) - now regarded as the first example of Renaissance architecture - which ushered in a new style based on the long-neglected placement and proportion rules of Classical Antiquity.

Famous Renaissance Architects

Another important Renaissance architect was Leon Battista Alberti (1404-72), who is still revered as one of the founders of modern architectural theory. Believing that ideal architectural design was based on the harmony of structure, function and decoration, he was greatly inspired by the theory and practice of ancient Roman architects and engineers.

Other famous Italian architects included: (1) Donato Bramante (1444-1514), the leading designer of the High Renaissance (2) Guiliano da Sangallo (1443-1516), an important intermediary architect between the Early and High Renaissance periods (3) Michelangelo Buonarroti (1475-1564), a leading architect, as well as one of the greatest sculptors and painters of the age (4) Baldassare Peruzzi (1481-1536), an important architect and interior designer (5) Raffaello Santi (Raphael) (1483-1520), a visionary designer as well as painter (6) Michele Sanmicheli (1484-1559), the most famous pupil of Bramante (7 & 8) Jacopo Sansovino (1486-1570) and Andrea Palladio (1508-1580), the two top figures in Venetian Renaissance architecture (9) Giulio Romano (1499-1546), the main exponent of Italian Mannerist-style architecture (10) Giorgio Vasari (1511-1574) who designed the loggia for the Uffizi gallery and the connecting Vasari Corridor and (11) Vincenzo Scamozzi (1548-1616) one of the great theorists of the late Renaissance.

Features of Renaissance Architecture

Put simply, Renaissance buildings were modelled on the classical architecture of the Greeks and Romans, but retained modern features of Byzantine and Gothic invention, such as complex domes and towers. In addition, while replicating and improving on Classical scupture, they also incorporated modern mosaics and stained glass, along with outstanding fresco murals. Renaissance architecture can be seen in countless examples of churches, cathedrals and municipal buildings across Europe, (eg. in many French Chateaux, such as Fontainebleau Chateau, home of the Fontainebleau School: 1528-1610) and its style has been reapplied in later ages to famous structures as diverse as the US Capitol and the UK National Gallery. (In England, the style is sometimes known as Elizabethan architecture.)

Supreme Examples of Renaissance Architecture

The two greatest Renaissance-style structures are undoubtedly the redesigned St Peter's Basilica in Rome and the cathedral in Florence, both of which were highlights of the Grand Tour (1650-1850).

Inspired by civic rivalry between the Ducal States, Brunellesci's dome made the Florentine cathedral the tallest building in Tuscany. In its architectural design, it combined the Gothic tradition of stone vaulting and the principles of Roman engineering. Its herring-bone bonding of brickwork and concentric rings of masonry blocks dispensed with the need for centring, which was unmanagable at the height involved.

Commissioned by Pope Julius II (1443-1513), the rebuilding of the 1,100 year old church of St Peter's in Rome (1506-1626) was the work of numerous architects, including Bramante, Raphael, Sangallo, Maderno, Michelangelo and Bernini, and extended beyond the High Renaissance into the Mannerist and Baroque eras. Its features include a 87-feet high lantern on top of a huge ovoid dome (altered from Michelangelo's hemispherical design due to fears of instability), and a frontal facade incorporating a gigantic Order of pilastered Corinthian columns, each 90 feet high. At 452 feet, St Peter's is taller than any other Renaissance church.

Baroque Architecture (1550-1790)

As the 16th century unfolded, the religious, political and philosophical certainties which had prevailed during the Early (c.1400-85) and High (1486-1520) Renaissance periods, began to unravel. In 1517, Martin Luther sparked the Protestant Reformation, casting European-wide doubt on the integrity and theology of the Roman Church. This was the catalyst for several wars involving France, Italy, Spain and England, and led directly to the Counter-Reformation movement, launched by Rome, to attract the masses away from Protestantism. Renewed patronage of the visual arts and architecture was a key instrument in this propaganda campaign, and resulted in a grander, more dramatic style in both areas. For the rest of the century, this more dynamic style was known as Mannerism (style-ishness), and thereafter, Baroque - a term derived from the Portugese word barocco, meaning 'an irregular pearl'.

Key Features of the Baroque Style

Baroque architecture can be seen as a more complex, more detailed, more elaborate, more ornamented form of Renaissance architecture. More swirls, more complex manipulation of light, colour, texture and perspective. On the outside of its churches, it featured more ostentatious facades, domes, columns, sculpture and other embellishments. On the inside, its floor-plans were more varied. Long, narrow naves were displaced by wider, sometimes circular shapes separate chapels and other areas were created, along with trompe l'oeil effects ceilings were covered in fresco paintings. The whole thing was designed to interest, if not dazzle, the spectator.

Baroque was an emotional style of architecture, and took full advantage of the theatrical potential of the urban landscape. This is exemplified above all by Saint Peter's Square (1656-67) in Rome, in front of the domed St Peter's Basilica. Its architect, Giovanni/Gianlorenzo Bernini rings the square with colonnades, which widen slightly as they approach the cathedral, conveying the impression to visitors that they are being embraced by the arms of the Catholic Church. The entire approach is constructed on a gigantic scale, to induce feelings of awe.

In general, Baroque architecture constituted part of the struggle for religious superiority and for the hearts and minds of worshippers across Europe. On a more political level, secular Baroque architecture was employed to buttress the absolutism of reigning monarchs, like King Louis XIV of France, among others. From Italy, it spread to the rest of Europe - especially Catholic Europe - where each country typically developed its own interpretation. See also: German Baroque Art.

Celebrated Baroque Architects

Famous Baroque architects included: Giacomo Barozzi da Vignola (1507-73), papal architect to Pope Julius III and the Farnese family Gianlorenzo Bernini (1598-1680), a designer who perfectly expressed the ideals of the Counter Reformation Francesco Borromini (1599-1667), a lifelong rival of Bernini Pietro Berrettini da Cortona (1596-1669), a protege of Pope Urban VIII (see also quadratura) Francois Mansart (1598-1666), designer of French townhouses and chateaux like the Château de Maisons, whose name was given to the mansard roof (sic) his great-nephew Jules Hardouin Mansart (1646-1708), designer of the great dome of Les Invalides in Paris and Louis Le Vau (1612-70), another famous French Baroque architect, responsible for the church of Saint-Sulpice in Paris and the Wings of the Louvre. Jules Hardouin Mansart and Louis Le Vau were the main architects of the Palace of Versailles (begun 1623), creating such extravagancies as the Hall of Mirrors and the Marble Court. In Germany, an iconic Baroque structure is the Wurzburg Residenz (1720-44), designed by Balthasar Neumann (1687-1753).

In England, the leader of the Baroque style was Sir John Vanbrugh (1664-1726), designer of Blenheim Palace while in Russia, Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) was chiefly responsible for the style known as Russian Baroque, but which incorporated elements of both early Neoclassical and Rococo architecture. Rastrelli designed the Winter Palace (1754-62), Smolny Cathedral (1748-57) in St Petersburg, and redesigned Catherine's Palace, outside the city.

Rococo Architecture (1715-89)

During the last phase of Baroque, the reign of King Louis XV of France witnessed a revolt against the earlier Baroque style of Louis XIV's court, and the emergence of a more decorative, playful style of architecture, known as Rococo. An amalgam of the words 'rocaille' (rock) and 'coquillage' (sells), reflecting its abundance of flowing curved forms, Rococo was championed by Nicolas Pineau, who partnered Jules Hardouin-Mansart in designing interiors for the royal Château de Marly.

Unlike other major architectural movements, like Romanesque, Gothic or Baroque, Rococo was really concerned with interior design. This was because it emerged and remained centred in France, where rich patrons were unwilling to rebuild houses and chateaux, preferring instead to remodel their interiors. And the style was far too whimsical and light-hearted for the exteriors of religious and civic buildings. As a result, Rococo architects - in effect, interior designers - confined themselves to creating elaborately decorated rooms, whose plasterwork, murals, tapestries, furniture, mirrors, porcelain, silks, chinoiserie and other embellishments presented the visitor with a complete aesthetic experience - a total work of art (but hardly architecture!)

Rococo perfectly reflected the decadent indolence and degeneracy of the French Royal Court and High Society. Perhaps because of this, although it spread from France to Germany, where it proved more popular with Catholics than Protestants, it was less well received in other European countries like England, The Low Countries, Spain and even Italy. It was swept away by the French Revolution and by the sterner Neoclassicism which heralded a return to Classical values and styles, more in keeping with the Age of Enlightenment and Reason.

Neoclassical Architecture (1640-1850)

Early Neoclassical Forms

Neoclassicism did not appear overnight. In its early forms (1640-1750), it co-existed with Baroque, and functioned as a corrective style to the latter's more flamboyant excesses. Thus in England, Sir Christopher Wren (1632-1723) designed St Paul's Cathedral, the Royal Observatory in Greenwich, the Royal Chelsea Hospital and the Sheldonian Theatre in Oxford, in a style which is much more classicist than Baroque, even though he is still classified as a Baroque architect. Other early English Neoclassicist designers included Inigo Jones (1573-1652) and William Kent (1685-1748).

Features of Neoclassicism Proper (1750-1850)

A timely support for ancien regimes throughout Europe, from St Petersburg to Vienna, and a model for youthful empires-to-come like the United States of America, Neoclassical art was yet another return to the Classical Orders of Greek and Roman Antiquity. Although, as in the Renaissance, the style retained all the engineering advances and new materials of the modern era. It was characterized by monumental structures, supported or decorated by columns of Doric, Ionic or Corinthian pillars, and topped with classical Renaissance domes. Technical innovations of late 18th century architecture like layered cupolas and inner cores added strength to domes, and their dimensions increased, lending increased grandeur to civic buildings, churches, educational facilities and large private homes.

Neoclassical architecture originated in Paris, largely due to the presence of French designers trained at the French Academy in Rome. Famous French architects included: Jacques Germain Soufflot (1713-80), who designed the Pantheon (1756-97) in Paris Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), designer of the Royal Saltworks at Arc-et-Senans (1773-93) and the Cathedral of Saint-Germaine (1762-64) and Jean Chalgrin, who designed the Arc de Triomphe (1806). In England the tradition was maintained by Paris-trained Sir William Chambers, Robert Adam (1728-92), John Nash (1752-1835), Sir John Sloane (1753-1837), William Wilkins (1778-1839) and Sir Robert Smirke (1780-1867). It was quickly adopted by progressive circles in Sweden as well. In Germany, Neoclassical architects included: Carl Gotthard Langhans (1732-1808), designer of the Brandenburg Gate (1789-91) in Berlin Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), responsible for the Konzerthaus on Gendarmenmarkt (1818-21), the Tegel Palace (1821-4), and the Altes Museum (1823-30), all in Berlin. These two architects transformed the Prussian capital of Berlin to rival Paris or Rome in classical splendour.

Russian Neoclassicism

Rastrelli's Baroque style Russian buildings, like the Winter Palace (1754-62), did not find favour with Catherine the Great (1762-1850), who preferred Neoclassical designs. As a result, she summoned the Scottish architect Charles Cameron (c.1745�), who built the Pavlovsk Palace (1782-86) near St Petersburg, the Razumovsky Palace in the Ukraine (1802) and the Alexander Palace outside St Petersburg (1812). Other important neoclassical architects for the Russian Czars included: Vincenzo Brenna (Cameron's pupil), Giacomo Quarenghi e Matvey Fyodorovich Kazakov.

American Neoclassicism

The United States Capitol Building, with its neoclassical frontage and dome, is one of America's most recognizable and iconic structures. Begun in 1793, its basic design was the work of William Thornton (1759-1828), reworked by Benjamin Latrobe (1764-1820), Stephen Hallet e Charles Bulfinch (1763-1844). The dome and rotunda were initially built from wood, but later replaced with stone and iron. The overall design was inspired by both the eastern facade of the Louvre Museum in Paris, and by the Pantheon in Rome. Latrobe himself went on to design numerous other buildings in America, in the Neoclassical style including: the Bank of Pennsylvania (1789), Richmond Capitol (1796), the Fairmount Waterworks, Philadelphia (1799), and the Baltimore Exchange (1816), to name but a few. Bulfinch completed the Capitol in the 1820s, setting the template for other state capitols in the process, and then returned to his architectural practice in Boston. A key figure in the development of American architecture during the early 19th century, was the third US President Thomas Jefferson (1743-1826), whose strong preference for neoclassicism, in the design of public buildings, had a strong influence on his contemporaries.

19th Century Architecture

19th-Century architecture in Europe and America witnessed no new important design movements or schools of thought. Instead, there emerged a number of revivals of old styles. These included: The Greek Revival (American followers included Jefferson and Latrobe) the Gothic Revival - led by Viollet-le-Duc in France American followers included Richard Upjohn (1802-78) and James Renwick (1818-95) a Neo-Romanesque Revival (1849-1880), led by Henry Hobson Richardson Beaux-Arts architecture - a fusion of neo-Renaissance and neo-Baroque forms, practiced by Richard Morris Hunt (1827-95) - best known for designing the plinth of the Estátua da Liberdade (1870-86) - and by the Ohio-born Cass Gilbert (1859-1934) and the Segundo império style (1850-80) in France, which was characterized by a revival of the Mansard Roof. The only monumental architectural masterpiece was the Eiffel Tower (1885-89), built by the French architect Stephen Sauvestre and the French engineer Gustave Eiffel (1832-1923). Wrought iron frameworks were also a feature of Victorian architecture in Britain (1840-1900) - thanks to Robert Stephenson (1803-59) and Isambard Kingdom Brunel (1806-59) - as were other new materials, like glass - as used in the construction of Crystal Palace, designed by Joseph Paxton (1801-65). Popular Victorian styles included Neo-Gothic and Jacobethan. A giant replica of a viaduct pylon, the tower is built entirely from iron girders. The only significant exception to the above Revivalist movements was the fin de siecle appearance of Art Nouveau architecture, pioneered by Antoni Gaudi (1852-1926), Victor Horta (1861-1947) and Hector Guimard (1867-1942), and by Secessionists like the Viennese architect Joseph Maria Olbrich (1867-1908).

The greatest ever American architect, Frank Lloyd Wright (1867-1959) revolutionized spatial concepts with his Prairie house style of domestic architecture, introducing open-plan layouts and the widespread use of unfinished natural materials. Prairie School architecture is exemplified by Robie House (1910), Fallingwater (1936-37), Unity Temple (1936-39), Imperial Hotel Tokyo, Textile Block Houses, Johnson Wax Building (1936-39), Usonian House (mid-1930s), Price Tower (1955), Guggenheim Museum NY (1956-9). Influenced by American colonial architecture, 19th century Shingle style designs and Japanese architecture, as well as the Arts and Crafts movement, he also paid the closest attention to the detail of interior fixtures and fittings and the use of natural, local materials. Wright's work showed that European traditionalism (and modernism) was not the only answer to architectural issues in the United States.

However, an immense amount of development in both building design and engineering took place in American architecture, at this time, due to the Chicago School and the growth of skyscraper architecture, from 1849 onwards. These supertall buildings came to dominate later building design across the United States. The Chicago School of architecture, founded by the skyscraper architect and engineer William Le Baron Jenney (1832-1907), was the pioneer group. Other important contributors to supertall tower design included the ex-Bauhaus designers Walter Gropius (1883-1969) and Mies van der Rohe (1886-1969) Philip Johnson (1906-2005), Skidmore Owings and Merrill, their leading structural engineer Fazlur Khan (1929-82), I.M.Pei (b.1917).

For details of the greatest architectural designers in the United States, see: American Architects (1700-2000).

20th Century Architecture

Twentieth century architecture has been dominated by the use of new technologies, building techniques and construction materials. Here is a brief outline of the century's main architectural schools and movements. For details, see: 20th Century Architecture (1900-2000).

• 1900-20 Art Nouveau
• 1900-25 Early Modernism (See:Le Corbusier and Peter Behrens)
• 1900-25 Continental Avant-Garde (De Stijl, Neue Sachlichkeit)
• 1900-2000 Steel-frame Skyscraper Architecture
• 1907-33 Deutscher Werkbund
• 1919-33 Bauhaus Design (see the biography of Walter Gropius) this evolves into the International Style of Modern Architecture (1940-70).
• 1925-40 Art Deco
• 1928-40 Totalitarian Architecture (Germany/USSR) - see Nazi art (1933-45)
• 1945-70 Late Modernism: Second Chicago School of Architecture
• 1945-2000 High Tech Corporate Design Architecture
• 1960-2000 Postmodernist Art
• 1980-2000 Deconstructivism - see Frank O. Gehry (b.1929).
• 1990-2000 Blobitecture

• For more details of types and history of architecture, see: Visual Arts Encyclopedia.


Ancient Georgian Column Capital - History

Temples were built in ancient Greece using three orders of columns. Wanting to emulate this style, Thomas Jefferson was the architect of neo-classical buildings in the United States.

Most Greek temples are fine examples of the Doric or Ionic orders.
The Doric order was the earliest and simplest of all three columns. It is thicker than the others and top of the column (capital) is plain, without a column base.

The Ionic order began in the Greek cities of Ionia (on the western coast of modern Turkey). It has thinner columns, a decorated capital (volute). The decoration may have been inspired by the curve of a ram’s horn.

Lastly, the Corinthian column, originally designed by Callimachus, was the most elaborate. Acanthus leaves were carved around the capital, possibly smaller leaves on the bottom rising to larger leaves on top. A smaller version of the volutes (helix) may have been incorporated. The Corinthian style was particularly popular with the Romans.

In the second half of the 18th century, expeditions to Greece would help foster the first volume of "The Antiquities of Athens," published in 1762.
In the 19th century archeological digs were organized by Greece, France, and Germany. Interest in the classical period brought about excavations in the cities of Delphi and Olympia.

Wanting to emulate the Greek style in architecture, what is known as "Greek Revival" was prevalent from 1818-1850 in the U.S. and abroad. Colonial and Georgian style houses were changed so as to resemble the Parthenon of Greece.

In the U.S., Thomas Jefferson, minister to France in 1784, studied architecture while in Europe. He owned a copy of "The Antiquities of Athens" and was also impressed with drawings by Renaissance architect Andrea Palladio, who was influenced by ancient Rome.

Thomas Jefferson, as architect, introduced neo-classical architecture to the U.S. with the Virginia state capitol at Richmond, his home at Monticello (1767-1770), and the University of Virginia (1825).

Other fine examples of Greek Revival architecture are: William Strickland’s "Second Bank of the U.S." (Philadelphia 1824) and Alexander Parris’ "Faneuil Hall" (Boston 1825-1826).

You can own a print of Thomas Jefferson's Monticello home.

For a nice photographic print of Boston's Faneuil Hall (with Greek Revival pillars on left building).

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Italian Renaissance Interiors

Interior unity became important during the Renaissance. Most interior rooms were rectangular. Domestic interiors were sparsely furnished and lavishly decorated. Grotesque were the Renaissance interpretations of ancient Roman ornament. They were usually underground. They were made of paint or stucco, and had colorful depictions of animal flowers animals, flowers, mythological creatures, and architecture.

Interior color comes from construction materials and fresco paintings. Textiles and wallpaper give color in residences. Colors used include scarlet, cobalt blue, gold, deep green, and cream.


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