A história

Prêmios de 1970 - História


Evento principal / Esportes / Prêmio Nobel / Prêmio Pulitzer / Academia / Filmes populares / Livros populares / Programas de televisão populares / Música popular / Prêmios Grammy / Prêmios Tony

  • Prêmios Pulitzer de 1970

    DramaCharles Gordone ... "Não há lugar para ser alguém"
    FicçãoJean Stafford ... "Histórias coletadas"
    HistóriaDean Acheson ... "Presente na Criação"
    Relatórios NacionaisSeymor M. Hersh ... "Serviço de notícias de despacho"
    Serviço públicoNewsday "(Garden City, NY)


    Prêmio Nobel de Química
    LELOIR, LUIS F., Argentina, Instituto de Pesquisas Bioquímicas, Buenos Aires, b. 1906, d. 1987: "por sua descoberta de nucleotídeos de açúcar e seu papel na biossíntese de carboidratos"


    Prêmio Nobel de Literatura
    SOLZHENITSYN, ALEKSANDR ISAEVICH, URSS, b. 1918 "pela força ética com que seguiu as tradições indispensáveis ​​da literatura russa"


    Prêmio Nobel da Paz
    BORLAUG, NORMAN E., EUA, b. 1914: Liderou pesquisa no Centro Internacional de Melhoramento de Milho e Trigo, Cidade do México.


    Prêmio Nobel de Fisiologia ou Medicina
    O prêmio foi concedido em conjunto a: KATZ, Sir BERNARD, Grã-Bretanha, University College, Londres, b. 1911; VON EULER, ULF, Suécia, The Karolinska Institute, Stockholm, b. 1905, d. 1983; e AXELROD, JULIUS, EUA, National Institutes of Health, Bethesda, MD, b. 1912: "por suas descobertas sobre os transmissores humorais nos terminais nervosos e o mecanismo para seu armazenamento, liberação e inativação"


    Prêmio Nobel de Física
    O prêmio foi dividido igualmente entre: ALFVEN, HANNES O., Suécia, Royal Institute of Technology, Estocolmo, b. 1908, d. 1995: "para trabalhos e descobertas fundamentais em magneto-hidrodinâmica com aplicações frutíferas em diferentes partes da física de plasma"; e NEEL, LOUIS E. F., França, Universidade de Grenoble, Grenoble, b. 1904: "para trabalhos e descobertas fundamentais sobre antiferromagnetismo e ferrimagnetismo que levaram a aplicações importantes na física do estado sólido"


    Prêmios da Academia

    Melhor foto"Patton"
    Melhor diretorFranklin J. Schaffner ... "Patton"
    Melhor atorGeorge C. Scott ... "Patton" (recusado)
    Melhor atrizGlenda Jackson ... "Mulheres apaixonadas"


    prêmio Grammy

    Recorde do ano"Ponte sobre águas turbulentas" ... Simon e Garfunkel
    Canção do Ano"Ponte sobre águas turbulentas" ... Paul Simon
    Álbum do Ano"Ponte sobre águas turbulentas" ... Simon e Garfunkel
    Melhor Vocalista MasculinoRay Stevens ... "Everything is Beautiful"
    Melhor Vocalista FemininaDionne Warwick ... "Eu nunca vou me apaixonar de novo"


    Emmy Awards

    Programa Único"The Andersonville Trial" (PBS)
    Série Dramática"O Primeiro Senador" (NBC)
    Séries de comédia"Tudo na Família" (CBS)
    Nova Série"Tudo na Família" (CBS)


    Tony Awards

    Melhor Jogo"Borstal Boy" ... Frank McMahon
    Melhor musical"Aplausos"
    Melhor ator (em uma peça)Fritz Weaver ... "Brincadeira de criança"
    Melhor atriz (em uma peça)Tammy Grimes ... "Vidas Privadas"
    Melhor Ator (em um musical)Cleavon Little ... "Purlie"
    Melhor atriz (em uma peça)Lauren Bacall ... "Aplausos"


  • Vencedores do Oscar que rejeitaram o Oscar

    É um clichê para atores, escritores e diretores dizerem que não se importam em ganhar um Oscar, mesmo que se importem. Mas nos 90 anos de história do Oscar, poucas pessoas ganharam uma estatueta de cavaleiro de ouro e disseram à Academia de Artes e Ciências Cinematográficas para mantê-la.

    Um dos casos mais famosos foi em 1973, quando Marlon Brando ganhou o prêmio de Melhor Ator por seu papel em O padrinho. Quando os apresentadores anunciaram que ele & # x2019d ganhou, a câmera fez uma panorâmica para uma atriz Apache chamada Sacheen Littlefeather, que o locutor afirmou que aceitaria o prêmio em nome de Brando & # x2019s. Mas Littlefeather, que era a presidente do Comitê Nacional de Imagens Afirmativas dos Nativos Americanos, logo esclareceu que ela era realmente rejeitando isso para ele.

    & # x201C [Brando] lamentavelmente não pode aceitar este prêmio tão generoso, & # x201D ela & # xA0disse. & # x201E as razões para isso são o tratamento dado aos índios americanos hoje pela indústria cinematográfica & # x2026 e na televisão em reprises de filmes, e também com os recentes acontecimentos em Wounded Knee. & # x201D (O governo federal estava então travando um conflito armado contra ativistas nativos americanos em Wounded Knee, Dakota do Sul.)

    A reação foi rápida. No meio do discurso de Littlefeather & # x2019s, os membros da audiência vaiaram. Mais tarde naquela noite, Clint Eastwood refletiu sobre se deveria apresentar o prêmio de Melhor Filme & # x201Con em nome de todos os cowboys filmados em faroestes de John Ford. & # X201D Após a cerimônia, muitas pessoas falsamente afirmaram que Littlefeather não era realmente Apache. John Wayne, por exemplo, disse ao New York Times que & # x201C [Brando] deveria ter aparecido naquela noite e declarado suas opiniões em vez de pegar uma garotinha desconhecida e vesti-la com uma roupa indiana. & # x201D

    Foi a primeira vez que um ator enviou alguém para rejeitar um Oscar pessoalmente, mas não foi a primeira vez que alguém recusou o prêmio. George C. Scott também rejeitou seu Oscar de Melhor Ator pelo filme de 1970 Patton. No entanto, ao contrário de Brando, cujo desprezo pegou a Academia de surpresa, Scott estava realmente dizendo que não aceitaria um Oscar por anos.

    George C. Scott como General George Patton na Segunda Guerra Mundial, seu papel indicado ao Oscar em 1971. (Crédito: Arquivo Bettmann / Imagens Getty)

    Scott recebeu uma indicação de Melhor Ator Coadjuvante pelo filme de 1959 Anatomia de um Assassinato sem muito alarde. Mas quando ele recebeu outra indicação de Melhor Ator Coadjuvante por The Hustler dois anos depois, ele disse à Academia que não queria, já que discordava, por princípio, de uma competição que colocava atores uns contra os outros. Ele não recebeu outra indicação até 1971, quando a Academia foi forçada a reconhecer seu papel como General George S. Patton.

    & # x201CPatton foi uma atuação tão elogiada universalmente, e ele estava tão empenhado em vencer naquele ano que teve de ser nomeado, & # x201D diz Dennis Bingham, o diretor do programa de estudos de cinema da Indiana University-Purdue University Indianapolis. Scott mais uma vez informou à Academia que não aceitou a indicação e não aceitaria um prêmio. Isso tornou tudo ainda mais surpreendente quando ele ganhou & # x2014, fazendo com que a apresentadora Goldie Hawn exclamasse & # x201COh meu Deus & # x201D quando ela abriu o envelope.

    Bingham acha que essa proeza funcionou a favor da Academy & # x2019s. & # x201Eles estavam em um de seus períodos periódicos em que o público questionava sua legitimidade, & # x201D, diz ele. No final dos anos 1960, a campanha publicitária de sucesso do ator Cliff Robertson e # x2019 levantou questões sobre se os atores poderiam essencialmente comprar seus prêmios, alertando o público para a prática da campanha do Oscar.

    A atriz Goldie Hawn após anunciar que George C. Scott ganhou o Oscar de melhor ator por seu papel em & # x201CPatton & # x201D. Scott disse que enviaria o Oscar de volta se fosse enviado para ele. (Crédito: AP Photo)

    & # x201C Então, eles levaram o Oscar para George C. Scott como uma oportunidade de dizer: & # x2018Bem, ninguém compra esses prêmios, às vezes as pessoas nem mesmo os querem, nós & # x2019 daremos a George C. Scott porque simplesmente pensei que ele era o melhor, & # x2019 & # x201D Bingham diz. & # x201CAnd então realmente fez algo para legitimar o prêmio aos olhos do público & # x2019s, & # x201D mesmo quando Scott ridicularizou publicamente a cerimônia como & # x201Ca desfile de carne de duas horas, uma exibição pública com suspense inventado por razões econômicas . & # x201D

    A acusação de Scott & # x2019 de & # x201C suspense criado & # x201D pode ter sido sobre manter os vencedores um mistério até a cerimônia, o que a Academia nem sempre fazia antes de o Oscar ser televisionado. O advento da TV também tornou mais imperativo que as estrelas aparecessem para receber seus prêmios, em vez de ficar em casa e coletá-los mais tarde, como Katharine Hepburn, que pulou todas as 12 vezes que foi indicada, incluindo as quatro vezes que ganhou.

    Mas mesmo nos primeiros dias do Oscar, você ainda poderia fazer uma declaração com sua ausência, se fizesse certo. O roteirista Dudley Nichols fez isso quando se tornou a primeira pessoa a recusar o Oscar pelo filme de 1935, O informante.

    Nichols boicotou o Oscar para protestar contra a recusa da Academy & # x2019s em reconhecer os Screen Writers & # x2019 Guild, entre outros sindicatos. Na época, a Academia se opôs aos sindicatos independentes, alegando que a própria Academia já funcionava como um sindicato de trabalhadores. Nichols foi o único vencedor a boicotar o evento e rejeitar seu prêmio, chegando a enviá-lo de volta duas vezes quando a Academia tentou enviá-lo para ele.

    Em 1938, o boicote a Nichols e # x2019 deu resultado, quando o National Labor Relations Board certificou o Screen Writers Guild como o representante dos escritores da indústria cinematográfica. Passado o motivo de seu protesto, Nichols finalmente aceitou seu Oscar.


    1928-29

    Produção (foto):

    A MELODIA DA BROADWAY (1929)

    Álibi (1929)

    The Hollywood Revue de 1929 (1929)

    Em Old Arizona (1928)
    O Patriota (1928)
    (filme perdido)

    Ator:
    WARNER BAXTER em & quotIn Old Arizona & quot, George Bancroft em & quotThunderbolt & quot, Chester Morris em & quotAlibi & quot, Paul Muni em & quotThe Valiant & quot, Lewis Stone em & quotThe Patriot & quot
    Atriz:
    MARY PICKFORD em & quotCoquette & quot, Ruth Chatterton em & quotMadame X & quot, Betty Compson em & quotThe Barker & quot, Jeanne Eagels em & quotThe Letter & quot; Corinne Griffith em & quotThe Divine Lady & quot Bessie Love in & quotBroadway Melody & quot;
    Diretor:
    FRANK LLOYD por & quotThe Divine Lady & quot (também nomeado ou considerado por & quotDrag & quot e & quotWeary River & quot), Lionel Barrymore por & quotMadame X & quot, Harry Beaumont por & quotBroadway Melody & quot, Irving Cummings por & quotIn Old Arizona & quot, Ernst Lubitsch por & quot;
    Direção da arte:
    CEDRIC GIBBONS para & quotThe Bridge of San Luis Rey & quot e outras fotos, Hans Dreier para & quotThe Patriot & quot, Mitchell Leisen para & quotDynamite & quot, William Cameron Menzies para & quotAlibi & quot e & quotThe Awakening & quot; e Harry Oliver para & quotStreet Angel & quot;


    Vencedores do Grammy de 1970

    Para o GRAMMY Awards, 13 provaria ser um número extremamente sortudo. Pela primeira vez em sua história, o programa teve sua primeira transmissão ao vivo - uma mudança significativa em relação às transmissões pré-gravadas anteriores exibindo certos vencedores um ou dois meses após a apresentação dos prêmios. Por fim, a empolgação dos GRAMMYs pôde ser apreciada pelos espectadores em tempo real.

    E havia muito o que desfrutar. Imagine Andy Williams contando uma piada sobre John Lennon aparecendo nu na capa do álbum "Two Virgins" (piada: "A capa provou que John não é uma das irmãs de Lennon") ou um evento cultural no qual uma lenda do jazz Duke Ellington e o galã de “The Partridge Family” David Cassidy aparecem consecutivamente na lista de estrelas, e você já imaginou o tipo de ampla paisagem cultural que os prêmios GRAMMY costumam atravessar em um único programa. Você também imaginou claramente a 13ª transmissão anual anunciada corretamente como sendo "pela primeira vez ao vivo de Hollywood".

    Seguindo a grande tradição do GRAMMY, o show ofereceu muitos exemplos fascinantes da contracultura e da velha guarda que se misturam e se misturam de maneiras surpreendentes e divertidas. Foi revelador que uma das piadas de abertura de maior sucesso de Williams envolvia tentar encontrar um grupo que agradasse a todos - para o qual ele, é claro, sugeriu o Grand Funk Tabernacle Choir. Isso também provaria ser uma grande noite GRAMMY para ambos Paul Simon e Art Garfunkel e Karen e Richard Carpenter, que levaram para casa vários prêmios importantes.

    Este show de 90 minutos foi centrado nas performances das cinco canções indicadas para Song Of The Year, muitas vezes filmadas através de contas, designs abstratos de palco e outros artefatos do estilo dos anos 70: “Everything Is Beautiful” de Ray Stevens foi cantada pelos Osmond Brothers, que estavam vestidos um pouco como Elvis para a ocasião. Os Carpenters tocaram seu próprio “We’ve Only Just Begun”. Anne Murray cantou "Fire And Rain", de James Taylor, com dançarinos vestidos como chamas aquecendo as coisas ao seu redor. Aretha Franklin cantou “Bridge Over Troubled Water” enquanto Simon e Garfunkel assistiam da plateia. E, finalmente, Dionne Warwick ofereceu uma versão elegante de "Let It Be" dos Beatles. O vencedor foi Paul Simon por escrever “Bridge Over Troubled Water” - um prêmio apresentado pelo mestre compositor Burt Bacharach, que repetiu esse papel várias vezes ao longo dos anos, mais recentemente no 49º prêmio na companhia de Seal. Simon, que mais tarde serviria como anfitrião do GRAMMY, foi especialmente conciso ao agradecer esta noite: apenas um aceno de cabeça. Ponte sobre águas turbulentas também ganhou o Álbum do Ano, enquanto a faixa-título levou Registro do Ano, Melhor Canção Contemporânea e Melhor Arranjo Vocalistas Acompanhantes. Ao receber os prêmios, a tensão entre a dupla, que recentemente havia desistido, era palpável no pódio e partiram em direções opostas.

    Os Carpenters, por sua vez, ganharam o prêmio de Melhor Novo Artista (mais de Elton John e the Partridge Family) e Melhor Performance Vocal Contemporânea Por Duo, Grupo ou Coro para "Close To You".

    Os indicados para Melhor Canção Country também foram interpretados por uma gama impressionante de cantores - Charley Pride, Conway Twitty, Wanda Jackson, Marty Robbins e um Hank Williams Jr. quase limpo, que interpretou "Fightin’ Side Of Me "de Merle Haggard. O vencedor, “My Woman, My Woman, My Wife”, foi escrito e interpretado por Marty Robbins.

    O clima político também deixou sua marca: o falecido Martin Luther King Jr. Por que me oponho à Guerra do Vietnã levou para casa o GRAMMY de Melhor Gravação de Palavras Faladas.

    No entanto, possivelmente a apresentação mais memorável da noite - além de uma apresentação divertida e desleixada e muito referenciada pelo cantor / compositor de soul Brook Benton, que parecia estar falando mais rabiscos do que inglês, e depois da qual Williams, brincando, lembrou ao público: “Estamos chegando você vive hoje à noite ... ”- apareceu quando outro duque além de Ellington subiu ao palco para apresentar um GRAMMY - o próprio John Wayne, que apresentou o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original Escrita para um Filme ou Especial de Televisão. O GRAMMY foi para os Beatles pela produção de Phil Spector Deixe estar (um álbum e um filme quase documentário) sobre outros indicados ilustres como Johnny Mercer com Henry Mancini (Querida lily), Alfred Newman (Aeroporto), Johnny Mandel (M * A * S * H) e Fred Karlin (O cuco estéril). Paul McCartney claramente emocionou a multidão ao parecer aceitar o prêmio, trazendo sua esposa Linda ao palco. A surpresa, a aparição de última hora foi um segredo bem guardado, com apenas alguns funcionários do GRAMMY cientes de que a primeira transmissão ao vivo seria agraciada por uma aparição do homem que eles chamam de O Fofo.

    Embora os comentários reais de aceitação de McCartney tenham sido extremamente breves ("Obrigado. Boa noite."), A imagem do casal feliz em pé ao lado da grande estrela do Oeste permanece para sempre inestimável - True Grit com um Beatle real.


    Prêmios de 1970 - História

    Emblemas de classificação de escoteiro
    1930 - 2010

    História e emblemas da Den Mother (atualizados em 07/11/09) ->

    O cabo Den Chife acima é meu desde o final dos anos 1950. Eu aproveitei esses anos!

    No outono de 2016, Leão agora é um novo programa oficial para meninos do jardim de infância. Um dos recursos úteis que encontrei é edmonds331.com/AdvancementLion.htm.

    Como a maioria de nós que trabalhamos como escoteiros quando meninos, temos boas lembranças de nossos anos como escoteiros. No meu caso, tenho boas lembranças dos Cubs porque fui Den Chief por dois anos, na oitava e na nona série. No início, era porque eu poderia usar um cordão Den Chief, mas logo descobri como era divertido ajudar os Cubs e a Den Mother com artesanato.

    História do Cubbing

    Cubbing, como se soube pela primeira vez, começou nos Estados Unidos em 1930. No entanto, foi em 1916 quando Baden-Powell publicou O manual do filhote de lobo que Cubbing se tornou uma parte oficial do escotismo na Inglaterra e que os endossos para o programa começaram nos Estados Unidos. Naquela época, James E. West, presidente-executivo da BSA, achava que esse novo programa poderia tirar a liderança adulta dos escoteiros, então inicialmente ele se opôs ao programa.

    É interessante notar que, no início, cada toca do Cub era liderada por um chefe da toca de escoteiros. Não foi até 1936 que a posição de Den Mother foi adicionada como uma posição opcional, embora Den Mothers tivesse ajudado desde 1932. Ainda assim, essa posição era para fornecer suporte para Den Chief. Não foi até o final dos anos 1940 a meados dos anos 1950 que a Den Mother assumiu o controle total da toca.

    Os Dens foram formados por idade até 1986, quando a fase de entrada para o nível de série começou, durando até 1991. No início, os Wolfs tinham 9 anos, os Bears tinham 10 anos e os Leões tinham 11 anos. Eles poderiam entrar para os escoteiros quando completassem 12 anos. Até 1942, quando um garoto se juntou, ele começaria com o rank Wolf após completar seus requisitos Bobcat e subiria independentemente de sua idade. Durante esses primeiros anos, ele só podia usar seu posto atual e as pontas de flecha associadas.

    Os emblemas do primeiro filhote eram lobo, urso e leão

    Os emblemas de primeira classe do Cubbing eram feitos de feltro com bordas largas. Os emblemas têm Cubs, BSA bordados neles. Isso ocorre porque os meninos eram chamados de Cubs nos primeiros anos, e não de Cub Scouts.

    Pin Bobcat

    Em 1938, o broche Bob Cat foi introduzido como o emblema de nível de entrada para um novo Cub. Era para ser usado apenas em roupas civis. Este primeiro pino de Bob Cat regular pode ser identificado porque contém as palavras CUBS B.S.A. na frente inferior. Essas palavras mudaram para CUB SCOUTS, B.S.A. em 1948, quando os emblemas de classificação de tecido fizeram a mesma mudança. Em algum momento entre 1948 e 1950, a palavra BOB CAT no pino foi alterada de duas palavras para uma palavra, BOBCAT. Em 1959, o pino Bobcat foi aprovado para uso uniforme.

    Antes da primeira rodada de distintivo Bob Cat ser emitido, um distintivo Bob Cat quadrado foi introduzido, mas logo a Divisão de Escoteiros percebeu que parecia uma classificação, embora fosse menor (vista). Um pino de classificação tinha 0,5 polegadas de um lado, o pino Bob Cat tinha 0,4 polegadas de lado. (Agradecimentos a Carl Cummins e Jim Stevenson pelas imagens e informações.)

    Webelos Rank adicionado

    Várias mudanças foram feitas no início dos anos 1940. Em 1941, o posto de Webelos foi adicionado. Era para um Leãozinho que havia completado seu distintivo de Leão e também cumprido certos requisitos para Tenderfoot, o primeiro escalão dos Escoteiros. O emblema Webelos naquela época parecia o emblema da Seta de Luz que usamos hoje. Em 1943, outra mudança era que um menino podia usar todas as suas patentes e pontas de flecha na camisa do uniforme. As posições dos emblemas vistos por outra pessoa eram Leão no topo, Urso à esquerda e Lobo à direita. Essa ordem durou até ser alterada em 1949 para Wolf no topo, Bear à direita e Lion à esquerda.

    Cubbing tornou-se Cub Scouts em 1948. E naquela época os emblemas começaram a ser alterados de Cubs, BSA para Cub Scouts, BSA. Também parece haver dois tipos diferentes de crinas nos emblemas do Leão após a mudança. Os dois tipos de crinas continuaram por muitos anos em feltro e sarja.

    Em 1949, o nível de idade caiu um ano para os escoteiros e escoteiros. Na década de 1950, os emblemas foram alterados de feltro para tecido de sarja.

    Webelos Den criado

    Em 1954, um Webelos Den foi criado para meninos de 10 . O novo emblema Webelos Den foi apresentado como um "W" azul escuro em um fundo de sarja dourado ou amarelo e foi usado na manga direita no lugar da insígnia Den Number. Este emblema costuma ser confundido com uma insígnia de classificação Webelos. O tamanho deste emblema den é um pouco menor do que as insígnias de classificação da época.

    Leão Caiu

    1967 foi a próxima grande mudança nos escoteiros. A classificação de Leão foi reduzida, 15 emblemas de atividades foram adicionados e o último ano dos Leões tornou-se o programa Webelos. Embora várias referências digam que foi nessa época que o rank Webelos original se tornou o rank Arrow of Light, essa mudança de nome não ocorreu até o início de 1972. A impressão de 1971 do Livro de escoteiro do filhote de lobo ainda se referem à classificação mais alta de escoteiro como Webelos. É interessante que a mesma referência afirma que "Três meses antes de seu 11º aniversário, você pode começar a trabalhar nos requisitos para o Prêmio Webelos." Espero que esse requisito de três meses tenha começado em 1967.

    Entre 1967 e 1972, os escoteiros só podiam usar dois remendos em forma de diamante, Wolf e Bear. Eles foram usados ​​lado a lado.

    Desenvolvimento Webelos em Philmont

    Esta informação é de Mel Neiman: "No início dos anos 1970, eu e cerca de 30 outros Escotistas Voluntários fomos convidados a Philmont para ajudar a aumentar o programa Webelos. A primeira vez que voluntários foram solicitados a ajudar em um programa.

    Reunimos algumas das ideias ainda em uso e recebemos a tarefa de apresentar as novas ideias às Unidades em nossos Conselhos. Naquela época, como você sabe, não existia um crachá oficial Webelos, e nós recebemos um pacote de crachás Webelos temporários para serem usados ​​até que os novos crachás estivessem disponíveis. "

    Flecha de luz

    Em 1972 ou no final de 1971, o antigo distintivo de classificação Webelos mudou seu nome para o distintivo Flecha de Luz e os requisitos para o distintivo foram significativamente alterados. As mudanças significaram que Webelos poderia começar a trabalhar em sua Flecha de Luz aos 10 anos de idade.

    Emblema de pano Bobcat e Webelos adicionado

    No final de 1972, o emblema de classificação Bobcat foi adicionado e os emblemas de Wolf e Bear mudados para o estilo que é usado hoje. Não foi até 1977 ou 1978 que o distintivo de diamante Webelos que pode ser usado hoje foi desenvolvido.

    Com o desenvolvimento dos emblemas Bobcat e Webelos, os escoteiros que ganharam todos os prêmios usariam um emblema de diamante completo. Bobcat estava no topo, Wolf à direita do usuário, Bear à esquerda do usuário e Webelos na parte inferior da nova série de quatro emblemas.

    Graduados do filhote de tigre recebem seu primeiro distintivo

    Em 1982, Tiger Cubs foi iniciado como um programa associado apenas a um Pack. Naquela época, os Filhotes de Tigre tinham 7 anos de idade. Não houve nenhum prêmio inicialmente, mas em 1996, quando um Tiger Cub se graduou no Pack, ele foi presenteado com uma tira Tiger Cub BSA que poderia ser usada logo abaixo do bolso direito do usuário. Em 1986, os Boy Scouts of America começaram a transformar um programa baseado em idosos em um programa baseado em séries e, ao mesmo tempo, reduziram o tempo de início dos Filhotes de Tigre para a primeira série. Isso mudaria o programa Webelos para um programa de dois anos. Em 2001, o Tiger Cub Den tornou-se parte integrante do pacote.

    Mudanças de 2001

    Em 2001, houve a introdução de um novo emblema oval Webelos e um emblema Tiger Cub. Quando um menino recebe o prêmio Webelos, ele pode usar no lugar do diamante o distintivo de graduação, o distintivo oval de Webelos da mesma maneira que um distintivo de escoteiro. Para pacotes que optam por usar o emblema oval Webelos, o novo emblema Tiger Cub pode ser usado no lugar do antigo emblema Webelos de diamante, portanto, retendo um diamante completo para meninos que ganham seu Bobcat, Tiger Cub, Wolf e Bear.

    Ranks de 2010

    Em 2010, a BSA fez patches especiais de classificação de escoteiros e escoteiros para o 100º aniversário dos Escoteiros da América. Tenho orgulho de dizer que o design usado para escoteiros e escoteiros foi projetado por mim. Você pode ver meus desenhos originais em 2010_Ranks.pdf.

    Esses designs deveriam ser lançados apenas em 2010, para que os meninos classificados naquele ano tivessem algo especial.

    Veja as imagens dos distintivos de classificação dos escoteiros nestas páginas:

    Este não é um site oficial dos Boy Scouts of America. Os emblemas de classificação são imagens digitalizadas da coleção de Pat Gould e as imagens digitalizadas são protegidas por direitos autorais. Você pode imprimir estas páginas para sua referência. No entanto, se desejar usar as imagens de qualquer outra forma, você deve receber permissão de Craig Murray.


    Bono, 60, e companhia ganharam o prestigioso Álbum do Ano duas vezes - primeiro por seu clássico de 1987 & # 8220The Joshua Tree & # 8221 e depois por 2004 & # 8217s & # 8220How To Dismantle an Atomic Bomb. & # 8221 Mas eles & # 8217ve também conquistou vitórias duas vezes em duas outras categorias: Record of the Year (& # 8220Beautiful Day, & # 8221 & # 8220Walk On & # 8221) e Song of the Year (& # 8220Beautiful Day, & # 8221 & # 8220Sometimes You Can & # 8217t Faça você mesmo & # 8221).

    Começando com sua vitória em 1990 de Melhor Performance Vocal Country, Masculino (para & # 8220When I Call Your Name & # 8221), o cantor e guitarrista, de 63 anos, ganhou grande destaque nas categorias country ao longo dos anos. Mas sua última vitória veio em outro campo: Best American Roots Song (& # 8220Kid Sister & # 8221) em 2017.


    A década de 1970-1980

    Na segunda metade do século 20, os Estados Unidos expandiram a sociedade de consumo de classe média que exigia entretenimento, e todas as mídias estavam crescendo exponencialmente. As indústrias musical, cinematográfica e editorial estavam se tornando mais fortes do que nunca. A geração do pós-guerra começou suas carreiras profissionais, e os interessados ​​em arte e design tiveram muitos tipos de oportunidades de emprego em publicações, publicidade e com empresas - desde seguradoras a casas de moda.

    A Sociedade de Ilustradores da cidade de Nova York, formada no início do século 20 como um clube masculino de elite, é uma importante organização profissional que patrocina exposições públicas da melhor arte de ilustração original contemporânea e histórica. O concurso anual com júri está aberto a qualquer ilustrador em atividade, desde profissionais bem estabelecidos até jovens artistas emergentes que estão fazendo seu primeiro trabalho. Na "Sociedade", obras originais de ilustração foram exibidas regularmente na década de 1970 e vistas por um grande número de pessoas, especialmente estudantes de ilustração em escolas de arte. Além disso, exemplos de trabalhos publicados premiados foram mostrados em revistas especializadas e forneceram a jovens artistas inspiração para entrar no campo.

    Tim e Greg Hildebrandt, Calendário Tolkien, 1978

    A publicação de J.R.R. Tolkien & # 39s O Hobbit e Senhor dos Anéis em meados da década de 1950, a literatura de fantasia renasceu após um longo sono - desde a Inglaterra vitoriana - o amor pela fantasia e pelos contos de fadas recém-recontados e ilustrados do início do século XX. O gênero de ficção científica estabelecido há muito tempo incluía contos de fantasia, mas não foi até o final dos anos 1960 que os jovens se agarraram totalmente à leitura sobre mundos ficcionais totalmente desenvolvidos como a "Terra-média" de Tolkien e rsquos e as histórias imaginadas de inspiração medieval culturas povoadas de magos, dragões, cavaleiros e princesas, trolls, goblins, elfos, fadas e unicórnios. Os escritores começaram a criar romances de fantasia, que eram tratados com capas belamente ilustradas. O estúdio de Jim Henson no início dos anos 1980 produziu filmes de fantasia muito populares, como The Dark Crystal, que se beneficiou de desenhos de personagens de artistas especializados em fantasia, como Brian Froud, ele próprio influenciado por Arthur Rackham e o artista sueco John Bauer. Em 1972 o filme, Guerra das Estrelas, reuniu mundos familiares de culturas medievais, deu-lhes tecnologias avançadas e colocou seus cavaleiros contra culturas militantes empenhadas na dominação universal. A combinação do filme de ficção científica e fantasia era irresistível e suas técnicas avançadas de produção, modelagem, figuras animatrônicas, cenários pintados e enredo de aventura tornaram-no imensamente popular entre o público e uma ampla influência para escritores e artistas. Equipes de ilustradores ajudaram o diretor a visualizar os personagens e cenários com seus desenhos, ampliando o que antes era um pequeno subcampo para os artistas: o desenho de personagens e cênicos para filmes. Isso cresceu e se tornou a "arte conceitual" de hoje, que é uma área importante de interesse e oportunidade para ilustradores.

    Os jogos de fantasia começaram como uma conseqüência do movimento de fantasia na cultura popular. Com jogos de tabuleiro ilustrados, jogos de cartas de fantasia de RPG, videogames e então & mdashwith o desenvolvimento dos jogos de computador pessoal & mdashcomputer, havia uma gama de novas mídias que exigiam ilustração. Isso expandiu as oportunidades de emprego de ilustradores que não precisavam mais depender exclusivamente da indústria editorial de livros e revistas para encomendas.

    Brian Froud, The Dark Crystal

    A indústria fonográfica cresceu na década de 1970, e as capas dos álbuns ilustradas forneciam um formato dinâmico de 12 por 12 polegadas para ilustração. Mati Klarwein e rsquos pintura da capa desdobrável de dois painéis e 60 centímetros de largura para o álbum de Miles Davis & rsquo, Bitches Brew, mudou a maneira como as pessoas pensavam na arte do álbum. As revistas de música se firmaram, com Pedra rolando e Crawdaddy liderando o campo e contratando ilustradores para retratar músicos, escritores, artistas e personalidades políticas, gerando um interesse renovado e prazer na caricatura e na ilustração de retratos de celebridades. Playboy e outras revistas masculinas encomendaram os melhores ilustradores da época para os curtas que publicaram, atraindo artistas internacionais para suas páginas. Ilustradores da Inglaterra, França, Alemanha e Europa Oriental estavam sendo encomendados por diretores de arte americanos. As revistas foram publicadas em versões internacionais expondo mais pessoas do que nunca a ilustrações de todos os tipos e estilos.

    Mati Klarwein, arte do álbum, Bitches Brew, 1970

    Edward Sorel, Crawdaddy revista, 1974

    Com a geração do pós-guerra começando a formar famílias, houve também um aumento de livros publicados para crianças, principalmente os "livros ilustrados", onde a história é breve com palavras cuidadosamente elaboradas e onde as ilustrações fornecem um mundo para a criança entrar. e aproveitar. O magistral Maurice Sendak, Alice and Martin Provensen e Eric Carle juntaram-se a uma série de novos artistas que entraram nesse campo, incluindo nascidos na Suíça Etienne Delessert.

    Etienne Delessert, Just So Stories por Rudyard Kipling, 1972

    O jornal New York Times fez um movimento ousado para trazer ilustração para suas páginas editoriais. Outros jornais usaram caricaturas políticas, mas o Vezes ilustração conceitual encomendada ou comprada, destinada a ilustrar as idéias e opiniões de seus artigos e cartas da página "Op-Ed", como na ilustração abaixo por Brad Holland. Usando metáfora, alusão e simbolismo, esta arte levou os leitores a pensar mais profundamente sobre questões políticas e sociais.

    Brad Holland, O jornal New York Times, "Pelotão de fuzilamento"

    Sob todas essas influências, os jovens artistas queriam mais do que nunca se tornar ilustradores, e as escolas de arte estavam prontas para treiná-los. Havia inúmeros para escolher e uma variedade de abordagens para a educação que poderiam atender às suas necessidades e escolas de arte privadas, faculdades de arte, programas noturnos de meio período em Educação Continuada com uma seleção de cursos de ilustração e até mesmo programas completos de ilustração levando a BFAs & mdashwith a maioria cursos ministrados por profissionais ativos que compartilham seus conhecimentos e experiências. A Parsons School of Design, a School of Visual Arts e o Pratt Institute na cidade de Nova York tinham programas de ilustração em tempo integral ou parcial, assim como outras escolas em todo o país, como a Rhode Island School of Design, Art Center College of Design em Pasadena, o Art Institute of Boston e o Philadelphia College of Art.

    Links Rápidos

    Primeiros anos

    A primeira Enquete dos Leitores da NME apareceu em uma edição do final de fevereiro do jornal em 1953, enquanto o Prêmio dos Vencedores da Enquete que o acompanha aconteceu no Royal Albert Hall de Londres em abril. A cerimônia de votação e premiação dos leitores continuou a ocorrer até 1968.


    The pinnacle of the awards was perhaps the mid 60s when tens of thousands of fans came to watch the likes of The Beatles, The Rolling Stones, Dusty Springfield play at Wembley’s Empire Pool and Elvis sent in hand written notes thanking the magazine for his many wins.
    As the 60s became the 70s, the award ceremony was discontinued but the Readers Poll continued. It wasn’t until 1994 that they were re-born as The Brats to celebrate Britpop and laugh in the face of The Brits.
    Let’s take a look back at some selected highlights.
    1953
    People called ‘Dickie Valentine’, ‘Ted Heath’ and ‘Jonny Dankworth’ won awards, back when NME was a jazz paper, for the simple reason that rock n roll hadn’t really been invented yet. These were the Johnny Rottens of the time, people. And THIS certainly didn’t happen then….


    Of the event we said in the paper: “We on the NME are feeling very proud of ourselves this week. Although this paper has only been going for just over a year, we took on a major undertaking that might easily have brought grey hairs to a hardened promoter with many years of experience.”
    1954
    More crazy jazz sounds and people calling other people “cats” (possibly) as the previous years winners (Dickie Valentine, Ted Heath) are joined by The Johnny Dankwork Seven and the compere is Nat King Cole.
    1960
    Elvis Presley couldn’t make it in person, but sent NME a handwritten note instead. This was just before he was demobbed from the US army. It read:

    To the readers of NME. I want to thank you sincerely for your support and for voting me No.1 in your poll. I was very surprised and pleased! Thanks, Elvis Presley.

    1961
    Cliff ‘the actual’ Richard won an award but was booed when he went to perform with The Shadows. ‘The fans’ wanted them to play their instrumentals, not tracks with Cliff warbling all over the top. Fair enough really. This is the first year the ceremony is televised, and it’s watched by a reported 15 million peeps. Winners included Connie Francis and Adam Faith.
    1962
    We’re still in pre-rock and roll territory. The big winners this year were Ted Heath (yes him again…), Billy Fury, Helen Shapiro and Cliff and the The Shadows. Acker Bilk and his Paramount Jazz Band cause the crowd form a mass circle pit and trash the Albert Hall. OK, we made that last bit up.
    1963
    Bye bye bad jazz, hello rock and roll. Chiefly The Beatles, who, according to NME’s Alan Smith, “look like being Poll Concert residents for many years to come.” Clever guy, that one. Also appearing were Cliff And The Shadows, Adam Faith and Joe Brown.

    PA Photos

    1964
    A vintage year, which we modestly flag up as the “Greatest Pop Talent Parade The World Has Ever Known.” Hosted by Jimmy Savile, The Rolling Stones played live, performing ‘Not Fade Away’, ‘I Just Wanna Make Love To You’, and a cover of Bo Diddley’s ‘I’m Alright’. Our reporter noted the band’s “hip hip movements and wear-what-you-like clothes.”
    The Beatles won a stack of awards – presented to them by Roger Moore – and performed the following set, which apparently ignited a “hurricane of stamping, cheering, crying and screaming”:

    1. ‘She Loves You’
    2. ‘You Can’t Do That’
    3. ‘Twist And Shout’
    4. ‘Long Tall Sally’
    5. ‘Can’t Buy Me Love’

    Gerry And The Pacemakers also performed, as did Roy Orbison, Dave Clark Five, the Shadows and The Hollies. But the best bit was perhaps Elvis Presley sending a recorded acceptance speech type message.
    Want to know what Elvis said? Here goes:

    Hello everybody. This is Elvis. I am sorry I cannot be with you all for the New Musical Express Poll Concert, but I’d like to congratulate all the winners and thank you for including me.
    I am especially proud of all my friends in Great Britain, and I hope to be able to bring you all the songs and pictures that you want. I would like to wish The Beatles much continued success, as well as the other great recording artists in England. Obrigada.

    1965
    Basically an amazing who’s who of the music scene in the mid-60’s. The Beatles, The Rolling Stones, The Animals, The Moody Blues, The Walker Brothers, Them and The Kinks, plus solo spots from Tom Jones, Cilla Black, Donovan and Dusty Springfield.
    1966
    The Beatles came as The Velvet Underground. Well not really, but they all dressed in black. They were joined by The Walker Brothers, The Who and The Small Faces.
    1967
    Jimmy Saville hosted, before his ‘jangle, jangle, jewellery, jewellery’ became a trademark. Bands playing on the evening included The Beach Boys, The Small Faces and The Troggs.
    1968
    Future James Bond smoothie Roger Moore was the host. The Rolling Stones make a surprise appearance. NME journo Nick Logan writes: “You could feel the Empire Pool shaking to its foundations as the roar went up for their first British concert appearance in nearly two years and on came Mick, Brian, Keith, Bill and Charlie. ‘Jumpin’ Jack Flash’, their new single, was inaudible above the din and ‘Satisfaction’ was only recognisable because of its familiarity – but no-one cared about that. So who says today’s pop lacks excitement ?” Not us, guv.

    1969
    Jimmy Saville hosts as Love Sculpture, The Move and Steppenwolf rock it up.
    1970
    The end is nigh! There’s a divide between the contents of the magazine and who plays at the Poll Winners show. The risible likes of White Plains, Edison Lighthouse, The Pipkins, Dana, Brotherhood Of Man, Pickettywitch, Vanity Fare and Blue Mink all played. Eek.
    1971
    Creedence Clearwater Revival knock The Beatles off the pole position and Led Zeppelin drop into third place. Diana Ross, a newcomer, tops the Female Singer poll, while a young pup named Elton John tops the New Disc Singer category.
    In terms of solo artists, Elvis and Cliff have dominated the reader poll for almost a decade now, and the format is consequently getting a bit stale. Hence, from 1971 the awards – as a live show – fade into the shadows for a couple of decades. And though the readers’ polls continue (we’ve collected all the results here for you) the live Awards ceremony won’t reappear until the advent of Britpop in 1994…


    Brad Paisley's "white-ish" joke flops

    In 2014, Brad Paisley stirred minor controversy with a joke inspired by " Black-ish ," the ABC sitcom starring Anthony Anderson and Tracee Ellis Ross. “If any of you tuned into ABC tonight expecting to see the new show ' Black-ish ,' yeah, this ain’t it,” Paisley quipped. “In the meantime, I hope you all are enjoying White-ish.” Some saw the comment as racist, but many viewed it as a reflection of country music’s ongoing lack of racial diversity.


    1970 Awards - History

    1972
    The winner is listed first, in CAPITAL letters.

    Best Picture

    THE GODFATHER (1972)

    Cabaret (1972)

    Deliverance (1972)

    The Emigrants (1971, Swe.) (aka Utvandrarna)

    Sounder (1972)

    Actor:
    MARLON BRANDO in "The Godfather", Michael Caine in "Sleuth", Laurence Olivier in "Sleuth", Peter O'Toole in "The Ruling Class", Paul Winfield in "Sounder"
    Actress:
    LIZA MINNELLI in "Cabaret", Diana Ross in "Lady Sings The Blues", Maggie Smith in "Travels With My Aunt", Cicely Tyson in "Sounder", Liv Ullmann in "The Emigrants"
    Supporting Actor:
    JOEL GREY in "Cabaret", Eddie Albert in "The Heartbreak Kid", James Caan in "The Godfather", Robert Duvall in "The Godfather", Al Pacino in "The Godfather"
    Supporting Actress:
    EILEEN HECKART in "Butterflies Are Free", Jeannie Berlin in "The Heartbreak Kid", Geraldine Page in "Pete 'n' Tillie", Susan Tyrrell in "Fat City", Shelley Winters in "The Poseidon Adventure"
    Diretor:
    BOB FOSSE for "Cabaret", John Boorman for "Deliverance", Francis Ford Coppola for "The Godfather", Joseph L. Mankiewicz for "Sleuth", Jan Troell for "The Emigrants"

    There was a tremendous incongruity in the 1972 awards between the top two, front-running films:

      The Godfather (with ten nominations and three wins) - Best Picture for producer Albert S. Ruddy, Best Actor (Marlon Brando), and Best Screenplay Adaptation (for Mario Puzo and Francis Ford Coppola's brilliant re-working of Puzo's novel). Paramount's The Godfather told the epic story of the patriarchal, aging figurehead of a 'Mafia' dynasty who also served as 'godfather' to the New York Sicilian immigrants in the late 1940s - one of The Godfather's eleven nominations was removed, Best Music (Original Dramatic Score), when it was determined that Nino Rota's score had been used for a previous film

    The classic musical-drama that revised the Broadway stage musical Cabaret (based on John Kander's hit musical taken from the Christopher Isherwood stories) was set in 1931 Germany - it used the cabaret night-club in Berlin as a cinematic device to tell the story of two young lovers and the political horrors of the encroaching, surrounding Nazi regime in the pre-World War II era

    The other three Best Picture nominees included:

    • the English-dubbed The Emigrants (with four nominations and no wins) - the sad tale of impoverished farmers leaving Sweden in the mid 1880s to come to Minnesota for the promise of a better life in America. [The film was also nominated for the Best Foreign Language Film award in 1971. It was the third non-English language film to be nominated for Best Picture. It also set a record - 1972 was the only year in which a film, The Emigrants (1972) (a Best Picture nominee) and its sequel, The New Land (1972) (Best Foreign Language film nominee) were both nominated]
    • director Martin Ritt's film of William Armstrong's adapted novel, Sounder (with four nominations and no wins) about the struggles of a rural, black sharecropper family in Depression-era Louisiana
    • the exciting action film based on James Dickey's novel, Deliverance (with the fewest number of nominations - only three - and no wins) about a horrific, holiday weekend canoe trip down a southern river for four civilized professional men from Atlanta, who discover primal fear and alienation - and most remembered for its "Dueling Banjos" sequence.

    Four of the five directors of Best Picture nominees were also nominated for Best Director. The director of Best Picture-nominated Sounder was replaced by Joseph L. Mankiewicz who was nominated as director for Sleuth (with four nominations and no wins). Mankiewicz' last directed film, an adaptation of Anthony Shaffer's Tony-winning 1970 drama, was an intelligent, twisting, theatrical stage play/mystery and actor's showcase brought to the screen, a rivalry between a wealthy mystery novelist and his wife's hairdresser/lover, his romantic rival.

    Dancer/choreographer/ and director Bob Fosse (with his first of three career nominations) won the Best Director Oscar (his Best Director win) for his exquisitely-directed Cabaret - it was his segundo film as director following his first musical Sweet Charity (1969). His film updated the Kurt Weill-Brecht world of The Threepenny Opera (and Josef von Sternberg's The Blue Angel), as well as borrowed from Christopher Isherwood's Berlin Stories. [As an interesting sidenote, Bob Fosse would be nominated two more times as Best Director - in 1974 (for Lenny) and 1979 (for Todo aquele jazz), and both times, Fosse found himself in direct competition against the same Best Director nominee Francis Ford Coppola (for The Godfather, Part II (1974) e Apocalypse Now (1979)).]

    The other nominated directors were:

    • John Boorman (with his first of two unsuccessful nominations) for his gripping, breath-taking direction of the shockingly-violent Deliverance
    • Jan Troell for the first part of a two-part epic, The Emigrants (followed by The New Land)

    Francis Ford Coppola, a representative of the next generation of movie-makers, failed to win in the Best Director category. His three-hour Best Picture epic The Godfather skillfully and artfully brought Mario Puzo's novel to life. One of the film's most oft-quoted lines was: "Luca Brazzi sleeps with the fishes" -- referring to the fate of one of the Corleone family enforcers. [The film soon became the biggest box-office hit of all time, even surpassing Gone With The Wind (1939) e The Sound of Music (1965).]

    Para o primeiro time in Academy history, três of the Best Actor and Best Actress nominees were black performers - Paul Winfield and Cicely Tyson in Sounder, and Diana Ross in Lady Sings the Blues. (However, none of the trio of black 'actors' won.)

    Marlon Brando (with his sixth of eight career nominations) won his segundo Best Actor Oscar for his definitive screen role as the aged 'Mafia' chief Don Vito Corleone in The Godfather. [Robert DeNiro won the Best Supporting Actor Oscar two years later for playing the same character in a different film - The Godfather, Part II (1974).] As George C. Scott had done two years earlier, Brando protested the on/off-screen treatment of Native Americans (through alleged American Indian spokeswoman and half native-American Sacheen Littlefeather, president of the Native American Affirmative Image Committee, who was dressed in feathers and buckskin) and declined the award. [Note: Her birth name was Maria Cruz, a B-film Mexican actress, and she had been named Miss American Vampire 1970. And she would soon afterwards appear in a pictorial in the October 1973 issue of Playboy Magazine.]

    The two major cast members of Sleuth were also nominated for Best Actor awards:

    • Laurence Olivier (with his eighth of ten career nominations) as the snobbish detective-mystery novelist Andrew Wyke
    • Michael Caine (with his second nomination) as his game-playing adversary Milo Tindle - a hair-salon chain owner who is having an affair with Wyke's estranged wife. [This is only one of three instances when a film's entire cast has been nominated - the other instances were Quem tem medo de Virginia Woolf? (1966) e Give 'em Hell, Harry! (1975).]

    Other Best Actor nominees were:

    • Peter O'Toole (with his quinto of eight career nominations) as Jack - the insane 14th Earl of Gurney who believes he's either Jesus Christ or Jack the Ripper in director Peter Medak's satirical, British tragi-comedy cult film, The Ruling Class (the film's sole nomination)
    • Paul Winfield (with his sole nomination) as black sharecropper Nathan Lee Morgan (Cicely Tyson's husband) who is sentenced to jail for stealing food for his family in Sounder

    Liza Minnelli (with her second and last career nomination) in her fourth adult film role won the Best Actress award for her star-making role in Cabaret as the free-spirited ex-patriate American Sally Bowles - a wild, starry-eyed and 'divinely decadent' singer/dancer in the Kit Kat Club, made memorable with a black bowler, mascara, and suspenders. Some interpreted her win as 'compensation' for the many Oscar losses that her mother, Judy Garland, experienced.

    The other Best Actress competitors included two black actresses (a primeiro):

    • Cicely Tyson (with her sole nomination) as sharecropper Rebecca Morgan in Sounder
    • Diana Ross (with her sole nomination for her screen debut) as drug-addicted singing great Billie Holliday in director Sidney Furie's biopic Lady Sings the Blues (with five nominations and no wins)

    Also nominated were Maggie Smith (with her third nomination) as overbearing Aunt Augusta who travels across Europe in George Cukor's screen version of Graham Greene's comedy novel Travels With My Aunt (with four nominations and one win - Best Costume Design), and Liv Ullmann (with her first of two unsuccessful career nominations) as Swedish emigrant Kristina in The Emigrants.

    Both winners in the supporting categories were repeating their stage roles on the screen.

    The winner in the Best Supporting Actor category was the sinister, lewd, sexually-ambiguous and androgynous, sardonic, untrustworthy and impish emcee Joel Grey (with his sole career nomination!) as 'The Master of Ceremonies' in Cabaret - a personification of the decadence and decay in Nazi Germany. [Grey was reprising his Broadway role in his first film in eleven years.]

    Three of the co-stars of The Godfather were also nominated in the Best Supporting Actor category - all of them for the first time. [This was record-tying! - this was the primeira vez since On The Waterfront (1954) that three performers from the same film were nominated together]:

    • James Caan (with his first and sole nomination in a break-through role) as the Don's hot-headed, sexy and volatile son Sonny Corleone
    • Al Pacino (with his first of eight career nominations and in his first major film) as intense Michael Corleone - the second son [Coincidentally, Pacino had mais on-screen time than Best Actor winner Marlon Brando, and should have been nominated in the Best Actor category instead.]
    • Robert Duvall (with his first of five career nominations and in his break-through role) as Tom Hagen, the Corleone's family's lawyer

    The last nominee was Eddie Albert (with his second and last unsuccessful career nomination) as Mr. Corcoran (Cybill Shepherd's father) in director Elaine May's version of Neil Simon's marital comedy, The Heartbreak Kid (with two nominations and no wins).

    The Best Supporting Actress category included nominees in films which were não major prize winners. The winner in the category was veteran Broadway actress Eileen Heckart (with her second of two career nominations) who recreated her stage role as Mrs. Baker - the concerned, over-possessive, domineering and overbearing San Francisco mother of blind, song-writing son Eddie Albert (who opposes her son's relationship with funky, next-door-neighbor Goldie Hawn) in director Milton Katselas' Butterflies are Free (with three nominations and one win - Best Supporting Actress).

    The other Best Supporting Actress nominees were:

    • Jeannie Berlin (with her sole nomination) as Lila Kolodny - the nice Jewish girl (director Elaine May's real-life daughter) who faces abandonment on her honeymoon by husband Charles Grodin in The Heartbreak Kid
    • Geraldine Page (with her fifth of eight career nominations) as Tillie's (Carol Burnett) bitchy friend and matchmaker Gertrude in director Martin Ritt's Pete 'n' Tillie (with two nominations and no wins)
    • Susan Tyrell (with her sole nomination) as Oma - the alcoholic, temporary girlfriend of a boxing contender (Stacey Keach) in director John Huston's Fat City (the film's sole nomination)
    • Shelley Winters (with her fourth and last career nomination) as Belle Rosen - a Jewish grandmother-passenger who saves Gene Hackman's life (and loses her own) in Irwin Allen's all-star cast/disaster film epic The Poseidon Adventure (with eight nominations and two wins - Best Song ('The Morning After') and a Special Achievement Award for Visual Effects!)

    Never-nominated actor Edward G. Robinson (1893-1973) received an Honorary statuette posthumously, although he knew of the honor. He had died two months prior to the Oscars show. His widow, Jane Adler, accepted the award for Robinson ("who achieved greatness as a player, a patron of the arts and a dedicated citizen. in sum, a Renaissance man. From his friends in the industry he loves"), and read a speech that Robinson had written upon hearing of his honor a week before his death. He had experienced a memorable film career, in such films as Little Caesar (1930), Double Indemnity (1944), e Key Largo (1948).

    The most unlikely Oscar nomination in the history of the Academy Awards was this year's Best Original Song nomination of "Ben" from the grade-Z horror film Ben about killer rats. The title song was sung by 14 year-old child star Michael Jackson during the end credits and for the Oscar ceremony. The song, which won the Golden Globe for Best Original Song, lost the Oscar to "The Morning After" from The Poseidon Adventure.

    Charlie Chaplin's film Limelight (1952) , made twenty years earlier, finally became eligible for Oscar consideration this year. According to the Academy's rules at the time, a movie could not be considered for an Academy Award until it had played in Los Angeles. Quando Limelight finally played at a theater in Los Angeles in 1972, it became eligible for an award. Chaplin was co-awarded the film's sole Oscar nomination and win - for Best Original Dramatic Score. It was Chaplin's ONLY competitive Academy Award win.

    Oscar Snubs and Omissions:

    Like Edward G. Robinson, win-less Rosalind Russell (after four unsuccessful Best Actress nominations in 1942, 1946, 1947, and 1958), accepted the Hersholt Humanitarian Award. Cinematographer Gordon Willis' work on the Best Picture winner, The Godfather, was completely overlooked. His first career nomination occurred almost a decade later for Zelig (1983), and he wasn't honored again until the Academy nominated him a third time - for one of his weakest efforts, The Godfather, Part III (1990).

    Writer/star Woody Allen's Play It Again, Sam and his performance as klutsy Bogey-film buff Allan Felix were overlooked in 1972, and so was Jon Voight's performance as Ed and Ned Beatty's role as chubby and assaulted Bobby Trippe in director John Boorman's exciting adventure film Deliverance. Never-nominated Howard Da Silva was ignored for his role as Benjamin Franklin in 1776, as were Alastair Sim (as apoplectic Bishop Lampton) and Arthur Lowe (as drinking butler Daniel Tucker) in The Ruling Class.

    And two actresses were un-nominated in Peter Bogdanovich's screwball comedy What's Up, Doc?: Madeline Kahn in her film debut as Ryan O'Neal's fiancee Eunice Burns and Barbra Streisand as Judy Maxwell. Stacy Keach should have been nominated for his role as come-back boxer Billy Tully in director John Huston's Fat City. And Robert Redford missed out on nominations for his early roles as political candidate Bill McKay in Michael Ritchie's political satire The Candidate, and as a wilderness mountain man - the title role - in Sydney Pollack's Jeremiah Johnson.

    First-rate Michael York was overlooked for his underappreciated role as bisexual British writer and Cambridge doctoral candidate Brian Roberts in Cabaret - a role that enhanced Liza Minnelli's Oscar-winning performance. John Cazale was denied nominations for his two roles as Fredo in The Godfather, e The Godfather, Part II (1974).

    List of site sources >>>


    Assista o vídeo: ENTREGA DE PREMIOS MARTÍN FIERRO 1970 - 20 AÑOS DE LA TV ARGENTINA (Janeiro 2022).